so vast is art...

Interview with Cristopher Cichocki

Cristopher Cichocki creates multi-sensory works that intersect art, science and nature. His works depict beautiful neon desert landscapes, fascinating underwater frontiers and a vast range of topographies that mix reality and imagination. Here you find Cristopher’s words about life, art and work. Immerse yourself!

Can you talk a bit about a beautiful paradox I find in your work: the desert and the underwater. 

I live and work in the desert of Southern California’s Coachella Valley, an area that was submerged underwater thousands of years ago. This region is now one of hottest places on earth. Much of the desert’s cacti and tumbleweeds are the surviving seeds of the ancient ocean. The wide-open terrain of this “desert abyss” is an extension of my studio. I create ephemeral sculptures, paintings and installations that can be discovered when least expected in the middle of nowhere. Many of these site-specific works only last for days or moments, while others have a much longer life span. My video and photography documents these actions of flux and transformation. 

In your work what references do you incorporate from the area where you live?

The neon-fluorescent colors in my work accent environmental transformation and hazard. I live near the Salton Sea, California’s largest inland body of water. The fish that you see in my work are found on the shore of the sea where thousands of fish wash up dead each year due to the sea’s unbalanced ecosystem. Scientists estimate 30 years until the Salton Sea becomes a dead sea blowing cancerous dust around Southern California. This would leave endless bird species and indigenous wildlife to face extinction. Unless action is taken soon to prevent this pending catastrophe much of Southern California will be uninhabitable in 30 years. The Salton Sea is an ecological nightmare taking place right before our eyes, yet we neglect the reality and repercussions it will induce down the road. However, this portrayal of nature in collision with man-made decay and abandonment transcends far beyond a regional topic. People interpret my neon fish representing: oil spills, toxic waste and radioactive contamination. 

You mix quite a few medias. Is there one that you like the most?

When I create an installation all of the mediums work together as a hybrid entity. My installation environments generate a multi-sensory feast for the senses where sight, sound, touch, smell, and occasional taste intersect. Because these installations involve all aspects of my work they tend to be the most exciting to produce. 

How does your creative process start?

It differs from day to day; project to project as to how I begin my process. At times I’m completely immersed in a project and the work continues in my dreams. Sometimes the starting point is simply created by exploring new environments or switching up the routine. Every experiment needs its’ variables. 

What developments are you finding in your practice as time goes by?

For the past few years I’ve been incorporating black lights in my work. The technical term for the glowing effect produced from a black light is “ultra violet radiation.” The intensity of color and optical perception in my work has entered into a new realm with this lighting. Historically, black lights and neon colors have been associated with music posters, 80’s fashion, rave culture, etc.. The colors have always been related to some product or manufactured festivity. I believe my use of black lights and fluorescent/neon are exploring new territories and associations.    

How do want or expect the public to react to your work?

My narrative is open to interpretation. However most of my audience ends up having parallel perceptions of what I had intended. I’m taking archetypes of nature and industry, twisting them into new levels of perception. There’s a familiar face to the mutation. I find that people connect with the work regardless of prior art history of training because the work reflects our environment from the beginning of time to present day.

If you could teach one thing to the world, what would that be?

It would be amazing to work with scientists and explore the undiscovered depths of the ocean. To date, we have discovered less than 5 percent of the ocean. The ocean covers 70 percent of the planet’s surface. I would love to incorporate newly discovered elements of the ocean into my art practice.

Text Juliana D Chohfi

Photo cristophersea.com

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Cristopher Cichocki cria obras multi-sensoriais que cruzam ciência, arte e natureza. Suas obras apresentam lindas paisagens de néon no deserto, fronteiras submarinas fascinantes e uma vasta gama de topografias que misturam realidade e imaginação. Aqui você encontra algumas palavras de Cristopher sobre vida, arte e trabalho, claro. É só mergulhar!

Você pode falar um pouco sobre um lindo paradoxo que eu vejo no seu trabalho: o deserto e a vida debaixo d’água.

Eu moro e trabalho no deserto do sul da Califórnia no Vale de Coachella, uma área que estava submersa em águas há milhares de anos atrás. Esta região é hoje um dos lugares mais quentes da Terra. Muitos dos cactos do deserto e alguns tipos de ervas são as sementes sobreviventes do antigo oceano. Todo esse terreno aberto, esse “deserto abismo” é uma extensão do meu estúdio. Eu crio esculturas efêmeras, pinturas e instalações que podem ser descobertas quando menos se espera, no meio do nada. Muitos desses trabalhos que são criados especialmente para o deserto, duram apenas dias ou momentos, enquanto outros têm uma vida útil muito mais longa. Meus vídeo e fotografias documentam essas ações de fluxo e transformação.

Quais referências do lugar onde mora você incorpora no trabalho?

As cores neon e fluorescentes marcam uma transformação ambiental e um certo risco no meu trabalho. Eu vivo perto do Mar Salton, a maior reserva de água em terra da Califórnia. Os peixes que você vê no meu trabalho são encontrados na costa do mar, onde aparecem milhares de peixes mortos todo ano devido ao ecossistema desequilibrado. Os cientistas estimam 30 anos até que o Mar Salton torne-se um mar morto soprando uma poeira cancerosa em torno sul da Califórnia. Isto faria com que intermináveis espécies de aves e animais selvagens entrassem em extinção. Se não se agirmos logo para evitar essa catástrofe o Sul da Califórnia será inabitável em 30 anos. O mar Salton é um pesadelo ecológico acontecendo diante dos nossos olhos, mas nós negligenciamos a realidade e as repercussões ao longo dessa estrada. No entanto, esse confronto da natureza com o homem-feito e decadente transcende muito além de um tema regional. As pessoas interpretam o meu peixe neon como derrames de petróleo, resíduos tóxicos e contaminação radioativa.

Você mistura um bom número de mídias e materiais. Existe algum que você mais gosta?

Quando eu crio uma instalação, todos os meios trabalham em conjunto como uma entidade híbrida. Meus ambientes geram uma festa para os sentidos, onde visão, audição, tato, olfato e paladar se cruzam. Por isso, acho que o envolvimento de todos os aspectos e mídias no meu trabalho tendem a ser o mais interessante mesmo.

Como começa o seu processo criativo?

É diferente a cada dia; de projeto para projeto. Às vezes eu estou completamente imerso em um projeto e o trabalho continua nos meus sonhos. Às vezes, o ponto de partida é simplesmente criado por novos ambientes ou a mudança na rotina. Todo experimento precisa de suas variáveis.

Quais os avanços que você vem encontrando na sua prática artística com o passar do tempo?

Nos últimos anos eu venho incorporando a luz negra no meu trabalho. O termo técnico para o efeito brilhante produzido a partir da luz negra é “radiação ultra-violeta”. A intensidade da cor e a percepção óptica em meu trabalho entrou em um novo nível com esta iluminação. Historicamente, a luz negra e as cores néon têm sido associadas com cartazes de música dos anos 80, moda, a cultura rave, etc. As cores sempre estiveram relacionadas a algum produto fabricado ou a uma festa. Creio que o meu uso de luz negra e cores neon e fluorescentes começam a explorar novos territórios e associações.

Como você quer ou espera que o público a reaja diante do seu trabalho?

Minha narrativa está aberta à interpretação. Entretanto, a maioria do meu público acaba tendo percepções paralelas ao que eu pretendia. Eu estou tomando os arquétipos da natureza e da indústria e distorcendo-os em novos níveis de percepção. Há um rosto familiar para a mutação. Acho que as pessoas se conectam com o trabalho, independentemente da história da arte, do treinamento, porque o trabalho reflete nosso ambiente desde o início do tempo até hoje.

Se você pudesse escolher alguma coisa para mudar no mundo, o que seria?

Seria maravilhoso trabalhar com cientistas e explorar as profundezas desconhecidas do oceano. Até hoje, nós descobrimos algo inferior à 5 por cento do oceano e o oceano cobre 70 por cento da superfície do planeta. Eu adoraria incorporar elementos recém-descobertos do oceano em minha prática artística.

Texto Juliana D Chohfi

Foto cristophersea.com

Interview with Bosques de Mi Mente

Ignacio Nieto Carvajal – a.k.a. Nacho – is the name behind the project Bosques de Mi Mente and responsible for driving his listeners down the memory lane throughout beautiful and strong notes. Hard not to be touched by his compositions. Here he speaks to so vast is art about his work.

How would you describe your work?

It is hard to describe one self’s work. I would say my artistic output is made of minimalist pieces that attempt to bring back old memories from childhood and set some emotional moods and feelings that are buried deep inside us due to our daytime routine.

What inspires you?

As my artistic name says, I find most of my inspiration deep inside the forests of my mind. Lost memories from my childhood, feelings of things that have already passed, experiences of my early life, some places were I grew up… Sometimes something from the outside gets my attention so powerfully that inspires me, but I think it is more of a reflection of what I have inside. I try to express all this with the only language I can think of: music.

Can you tell us about the mood of your work at NOVA?

The show at NOVA is really minimalistic. My set usually involves some string players, and very colorful visuals of old footage by a VJ I work with here in Madrid. At NOVA, working with Karl, the set was a lot more laid back, intimate and quiet. It is just the piano, the wonderful visuals of Karl dancing on the screen and the quiet hall. It is really powerful in a way, and allows me to use silence in a more striking and dramatic way.

As an artist do you prefer working on your own in collaboration?

I have worked in a bunch of great projects, in collaboration with wonderful artists, but with “Bosques de mi Mente”, I have always preferred to work alone, because the music is strongly linked with my own feelings and memories and I have always thought it would be hard to involve someone else in such a personal process.

What’s the most rewarding thing about being an artist?

For me, it is all about sharing your music for free with the rest of the world. My whole working process is based on the idea that art, culture and music in general are something that belong to the people, that enrich our lives, and that if we all share our little contribution with the rest, as Aristotle said: “The whole is greater than the sum of the parts”. Every time I receive an email saying “Hey, thanks for your music, it made me remember of something I thought it was lost”, that moment alone makes it all worth for me.

What do you love?

Simple things. Sharing time with my couple, practicing some sports, enjoying a good walk, and a good conversation, wandering off the point, and listening to good music. As I grow older, I feel the need for peace and quiet… and that also reflects in my music. That’s maybe my reaction to the stress of life, work, routine, rush… I fight it all with a moment of silence.

What’s playing on your iPod at the moment?

I used to be very aware of new artist in the experimental/ambient/postrock/whatever scene some years ago, but nowadays I’m getting back to the classics, so you can find a lot of Arvo Pärt, Satie, Rachel’s and Debussy on my iPod and when I need something modern/noisy, Radiohead, Los Planetas (a spanish indie band) or Epic45 come to the fore.

What’s next for you?

Even though Bosques de mi Mente has always been something very personal for me, nowadays I am planning to start collaboration with a string quartet in a permanent basis, so we can build music differently, in a more communal way. Also, after “Colores”, I am really interested in something more electronic, I would like to experiment and see what happens.

Text Juliana D Chohfi

Ignacio Nieto Carvajal - a.k.a. Nacho - é o nome por trás do projeto Bosques de Mi Mente e responsável por conduzir os seus ouvintes pelos obscuros caminhos da memória através de lindas notas e de uma força indescritível. Difícil não ser tocado por suas composições. Aqui, ele fala ao so vast is art sobre seu trabalho.

Como você descreveria o seu trabalho?

É difícil descrever seu próprio trabalho. Eu diria que a minha produção artística é feita de peças minimalistas que tentam trazer de volta velhas lembranças da infância e definir alguns e sentimentos e emoções que estão profundamente enterradas dentro de nós devido à nossa rotina durante o dia.

O que te inspira?

Como o meu nome artístico diz, eu acho a maior parte da minha inspiração dentro de profundas florestas da minha mente. Lembranças perdidas da minha infância, sentimentos de coisas que já passaram, experiências de minha infância, alguns lugares onde eu cresci… Às vezes, algo de fora chama a minha atenção de forma tão poderosa que me inspira, mas eu acho que é mais uma reflexão do que eu tenho aqui dentro. Eu tento expressar tudo isso com a única linguagem que eu posso pensar: a música.

Você pode falar um pouco sobre o seu trabalho no NOVA?

O show no NOVA foi extremamente minimalista. Meu set geralmente envolve alguns músicos de cordas e efeitos visuais muito coloridas de imagens antigas feitas por um VJ que trabalha aqui em Madrid. No NOVA, trabalhei com Karl e o conjunto ficou muito mais descontraído, íntimo e tranquilo. Foi apenas o piano, as imagens maravilhosas de Karl dançando na tela e a sala silenciosa. Foi extremamente poderoso de certa forma, e me permitiu usar o silêncio de uma forma mais marcante e dramática ainda.

Como artista, você prefere trabalhar por conta própria ou em colaboração?

Eu trabalhei em um monte de grandes projetos em colaboração com artistas maravilhosos. Mas com “Bosques de mi Mente” eu sempre prefiro trabalhar sozinho, porque a música está fortemente ligada com os meus próprios sentimentos e memórias, e eu sempre achei difícil envolver alguém em tal processo pessoal.

Qual é a coisa mais gratificante de ser um artista?

Para mim, é tudo sobre o compartilhamento de músicas de graça com o resto do mundo. Meu processo inteiro de trabalho está baseado na idéia de que arte, cultura e música em geral são coisas que pertencem ao povo, que enriquecem nossas vidas. E que se todos nós compartilhamos nossa contribuição com o os outros… como disse Aristóteles: “o todo é mais do que a soma de suas partes’”. Toda vez que eu recebo um e-mail dizendo: “Ei, obrigado pela sua música, isso me fez lembrar de algo que eu pensei que estava perdido”, esse momento faz com que tudo valha a pena para mim.

O que você ama?

As coisas simples. Compartilhar meu tempo com os outros, a prática de alguns esportes, desfrutar de uma boa caminhada, e uma boa conversa, vagar por aí e ouvir uma boa música. À medida que envelheço, sinto a necessidade de paz e sossego… e isso também se reflete na minha música. Essa é talvez a minha reação ao estresse da vida corrida, da rotina de trabalho… Eu luto contra isso tudo com um momento de silêncio.

O que está tocando no seu iPod no momento?

Eu costumava ser muito antenado com artistas novo de experimental/ambient/postrock ou qualquer outra cena há alguns anos, mas hoje eu estou de volta aos clássicos, assim você pode encontrar um monte de Arvo Pärt, Satie, Rachel’s and Debussy em meu iPod e quando eu preciso de algo moderno/barulhento, Radiohead, Los Planetas (uma banda indie espanhola) ou Epic45 vêm à tona.

O que vem por aí pra você?

Apesar de Bosques de mi Mente sempre ter sido algo muito pessoal para mim, hoje eu estou planejando para iniciar a colaboração com um quarteto de cordas em uma base permanente, para que possamos construir música diferente, de uma forma mais comunitária. Além disso, após “Colores”, eu estou realmente interessado em algo mais eletrônico, eu gostaria de experimentar e ver o que acontece.

Texto Juliana D Chohfi

Interview with Karl Kliem

Karl Kliem is known for his minimalist musical visualizations. Besides videos, Kliem has several works in the areas of multimedia, web design, TV, soundtrack production, films and interactive installations. And has recently been in Brazil for his wonderful presentation at NOVA.

How would you describe your work?

Making visual representations of musical works.

What inspires you?

Nature, math and physics. The internet. Travelling.

Can you tell us about the mood of your work for NOVA?

At NOVA I was invited to work together with Bosques de mi Mente. As his music is mostly melancholic, piano music; I worked with subtle movements of white dots or lines projected on a black fabric. I think it fitted the mood of the music quite well.

As an artist do you prefer working on your own or in collaboration?

It depends. There are different degrees of collaboration. When doing visuals for music, usually the music has been done before and I am sitting in my office building a visual representation for it without any feedback of the artist at first. If the outcome withstands my taste I would send it to the musician. Sometimes they like it the way it is. Sometimes I would adjust it.

What’s the most rewarding thing about being an artist?

In general I would say the freedom to fiddle with things that you like to think about and want to explore. Not being dependent on someone else’s duties. And it’s a privilege being able to learn. But I think as soon as you would have to make a living with art you get into similar dependencies as in any other profession.

What do you love?

Cycling along a sunny shore with a breeze.

What’s playing on your iPod at the moment?

An audio book of author Thomas Bernhard: Ein Kind (A Child).

What’s next for you?

Updating the automated visuals for Mouse on Mars. Finding opportunities to play in concerts with Bosques de mi Mente. I’m also redesigning my Website. And thinking about the next Killerapp, besides doing a lot of administrative tasks.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Karl Kliem é conhecido por suas visualizações musicais minimalistas. Além dos vídeos, Kliem possui diversos trabalhos na área de multimídia, web design, TV, produção de trilhas sonoras, filmes e instalações interativas. Karl esteve recentemente no Brasil para uma apresentação memorável no NOVA.

Como você descreveria o seu trabalho?

Faço representações visuais de obras musicais.

O que te inspira?

Natureza, matemática e física. Internet e viajar.

Você pode falar um pouco sobre o seu trabalho para o NOVA?

No NOVA eu fui convidado para trabalhar em conjunto com Bosques de mi Mente. Como sua música é melancólica; música de piano, eu trabalhei com movimentos sutis de pontos brancos ou linhas projetadas em uma tela preta. Eu acho que se encaixou muito bem com o clima da música.

Como artista, você prefere trabalhar por conta própria ou em colaboração?

Depende. Existem diferentes níveis de colaboração. Quando faço projeções para música, geralmente a música é feita antes enquanto eu estou sentado no meu estúdio construindo uma representação visual para ela, sem qualquer feedback do artista inicialmente. Se o resultado me agrada, eu então envio para o músico. Às vezes, eles gostam do jeito que está. Às vezes eu tenho que fazer ajustes.

Qual é a coisa mais gratificante de ser um artista?

Em geral, eu diria que a liberdade de mexer com coisas que você gosta de pensar e quer explorar. Não ser dependente de funções de outras pessoas. E é um privilégio ser capaz de aprender. Mas eu acho que assim que você tem que ganhar a vida com arte, você entra nas dependências semelhantes de qualquer outra profissão.

O que você ama?

Andar de bicicleta ao longo de uma praia ensolarada com uma brisa.

O que está tocando no seu iPod no momento?

Um livro-áudio do autor Thomas Bernhard: Ein Kind (A Criança).

O que vem por aí pra você?

Estou atualizando as projeções automatizadas para Mouse on Mars. Estou buscando oportunidades para tocar em concertos com Bosques de mi Mente. E também estou redesenhando o meu site. E pensando na próxima Killerapp, além de fazer um monte de tarefas administrativas.

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão

Interview with Clemens Behr

German artist, Clemens Behr uses the simplest materials to create complex, architectural and ephemeral forms. Imagine folding and origami. Now imagine galleries taken by these massive structures… Behr uses recycled materials and basic geometric forms to shape his imagination into installations that blur the boundaries between 2D painting and 3D objects.

What drew you to get involved in Arts in the first place?

I got involved in art throughout my early experience with graffiti. It then developed from letters to characters and then further to abstract works and three-dimensional installations, which in the beginning where holding a lot of the graffiti elements.

Can you tell us about the mood of your work for NOVA?

Well, the mood always adapts to the space I work in, as well as colors and shapes. I guess the mood also always depends on the colors I use. If it is a neon rainbow colored piece, or a grey piece with loads of sharp edges. But in general NOVA is always a kind of fun improvisation for me.

What inspires you?

Music, nice and interesting corners in cities and walks through hardware-centers.

What are your main influences?

Well, first of all I would say my friends. But further I would say Matta Clark, Schwitters as well as Dada and Cubism.

How does your creative process start?

Depends, considering an installation in the street for example, I see the spot I want to work on and then spend sometime thinking about the work, considering colors and shapes… then I just get all the stuff together and let the piece grow like a collage. If it were a work in blank environment of course I’d prefer to come up with a concept but after that I just start and let it build up as well.

How do you know your work is ready?

If I think there is nothing more to add. But I often add too much. These days I like to work on things that can be constantly changed by the visitor. I don’t like the idea of perfect finished work. In the end they all add up to the process.

What does art mean to you?

Sometimes more sometimes less.

What’s playing on your iPod at the moment?

 Hauschka-Salon des Amateurs.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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O artista alemão Clemens Behr usa os mais simples materiais para criar complexas formas arquitetônicas e efêmeras. Pense em dobraduras e origami. Agora imagine galerias tomadas por essas gigantes estruturas…para tais criações, Behr usa materiais reciclados e formas geométricas básicas, que materializam sua imaginação em instalações que borram os limites entre a pintura 2D e objetos 3D.

Como você se envolveu com Artes?

Eu me envolvi com artes durante a minha primeira experiência com grafite. Em seguida, fui desenvolvendo o trabalho, as letras se tornaram caracteres e depois passei para obras abstratas e instalações tridimensionais, que no início, tinham muitos de elementos do graffiti.

Você pode falar um pouco sobre o seu trabalho para o NOVA?

A peça sempre se adapta ao espaço em que trabalho, bem como cores e formas. Eu acho que o trabalho também varia muito de acordo com as cores que eu uso. Pode ser um trabalho tipo um arco-íris de néon colorido, ou algo cinzento com arestas duras. Mas, em geral, no  NOVA é sempre um trabalho de improvisação que é muito divertido para mim.

O que te inspira?

Música, cantos de cidades agradáveis e interessantes e caminhadas em centros de eletrônicos e hardware.

Quais são suas principais influências?

Bem, em primeiro lugar eu diria que os meus amigos. Mas, além disso, eu diria Matta Clark, Schwitters, e até Dadá e Cubismo.

Como começa o seu processo criativo?

Depende, considerando uma instalação na rua por exemplo, eu vejo o ponto que eu quero trabalhar e, em seguida, passo algum tempo pensando sobre o trabalho, considerando cores e formas… então coloco todas as peças juntas e deixo o trabalho crescer como uma colagem. Se for um trabalho em ambiente branco ou neutro, é claro que eu prefiro criar um conceito, mas depois que eu começo, eu deixo o trabalho se construir.

Como você sabe que o trabalho está pronto?

Quando eu acho que não há mais nada a acrescentar. Mas muitas vezes eu acrescento muito. Atualmente eu prefiro trabalhar com coisas que podem ser constantemente alteradas pelo espectador. Eu não gosto da idéia de trabalho com um acabamento perfeito. No final, todos contribuem para o processo.

O que a arte significa para você?

Às vezes mais, às vezes menos.

O que está tocando no seu iPod no momento?

Hauschka-Salon des Amateurs.

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão

Interview with Byetone!

I was granted the chance to talk to Olaf Bender a.k.a. Byetone on a quick cigarette break just before he went on stage at NOVA. I say granted because, yes, I am an electronic music lover and a great fan of his work. Press play!

I would like to start with how you got involved with electronic music in the first place.

It was a long time ago, in East Germany during the 80s… At that time we already tried to do some kind of electronic music. Artists like Lauri Andersen and The Residents and even artists from the new wave influenced us a lot. We were trying to do electronic music without any synthesizers so we worked a lot with tape loops. I think today my main background is that I was never trained in a traditional way to do music. And only the machines and computers gave us the chance to create music without real knowledge. When I was 18 I wasn’t really interested in learning proper instruments.

Did you use DAT tapes?

Not at that time, these tapes came later. At that time we used old analog tapes. We cut it and glued it; it was really old school. We did everything without the technology of nowadays.

How would you describe your sound?

I cannot really describe it. I’m not a very intellectual person so I prefer to feel the music. I always look for intensity in my music. I like music that can shut up your brain, the music that goes through the body. I look for the physical touch in the music so I don’t know what style it is. Electronic music was in the beginning very influenced by black music and the first techno records came from producers from Chicago and Detroit… what I really like about electronic music and what is really interesting for me is how much you can take out of the music and hold on to that energy. For example, if you listen to Disco music from the 70s, the breaks are the best part of it, not the chorus. And I’m a white guy from East Germany and I had to bring my influences into the music and when I started I thought ‘Okay, we are white, we are not so sexy or whatever and we are engineers, serious engineers’ and this is what I try to combine in my music: my nature with something shamanic. Basically, I try to use the technology in a very shamanic way. 

Would you say music is a universal language?

Yes. I think music is the last universal language we own. The language itself is a bit difficult. A lot of words are use for advertisement or whatever and it gets superficial while music goes into the end of your brain. And this is what I really like. (laughs) Music doesn’t have a weight, it isn’t physical; even if you collect music in the end you only have notes. This is what I think is really interesting in music because you cannot hang music, you have to listen to it and it’s exactly in this moment where you really enjoy it.

What inspires you?

Almost everything from outside the music. I was really influenced by films. I did a lot of experiments with film. São Paulo is inspiring me because there are a lot of colors and you don’t see this kind of colorful environment in Germany. Anything outside of music inspires me; even a wave in the ocean can serve as inspiration. It’s stupid in the end but it’s all about moments.

I understand you have a record label back in Berlin. Would you like to talk a bit about it?

The label runs for 16 years now. We now have everything under control. Back there when we started, everything was much easier to be done. The same machine that did the music worked for doing the visuals… You didn’t have to spend millions of Euros to build up a business. The main thing behind the label was to have control over everything we did and the other thing was that we needed so much help from companies to do our work and I think that you can’t compromise yourself too much when it comes to art. So that’s why we founded the label. And it ended up being more like a platform for artists. All the artists in our label are kind of members of the company as well. They have a lot of freedom to do what they want to do. This is the idea behind, to become free.

Do you have a favorite club?

Oh yes. There are a lot of clubs I really like but one of my favorites is Berghain. I like Berghain during the week. I think the guys there really respect music and they could take out much more profit but they always look first into the music. There’s another club I really like in Kyoto and it’s a 120 people audience only but the concept is exactly the same as I was saying. I don’t know how they finance it but they have an incredible sound system, they do great bookings and they always surprise people. They just serve what they think is good. It’s like a good radio station; you never know the next song and they surprise you; they don’t serve the songs you already know. They show music that you don’t know but you still like it.

Were you upset that Bar25 was shut down?

Yes. I mean I’m upset that the whole area is owned by O2 and everything was shut down. It was a good party place. You could go there on a Friday evening and maybe you would leave on Sunday evening, it was really nice. It was always celebrating the weekend kind of in a flower power times (laughs) but in a nice modern way. But I would still prefer Berghain because I’m not a big fan of this beautiful beach party mood. I like the darkness of the night.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Eu tive a chance de conversar com Olaf Bender a.k.a. Beytone durante uma rápida pausa para um cigarro minutos antes dele subir ao palco do NOVA. Eu diria até que tive a sorte de conversar com ele. Porque, sim, sou amante da música eletrônica e mais do que isso, sou fã do trabalho dele. Dá play!

Eu gostaria de começar com como você se envolveu com música eletrônica.

Foi há um tempo atrás, na Alemanha Oriental durante os anos 80… Naquela época a gente já tentava fazer algum tipo de música eletrônica. A gente foi muito influenciado por artistas como Lauri Andersen e The Residents e até mesmo artistas de new wave. A gente estava tentando fazer música eletrônica sem sintetizadores e usava muito fitas em loop. Eu acho que hoje minha principal formação é justamente eu não ter sido treinado de uma forma acadêmica para fazer música. E somente as máquinas e computadores nos permitiram criar música sem um conhecimento real. Quando eu tinha 18 anos eu não estava muito interessado em aprender instrumentos de verdade.

Você usava fitas DAT?

Não naquela época, essas fitas vieram mais tarde. Naquela época, a gente usava fitas analógicas antigas. A gente cortava e colava na mão mesmo, bem old school. Fizemos tudo sem a tecnologia de hoje.

Como você descreveria o seu som?

Eu não consigo descrever. Eu não sou uma pessoa muito intelectual por isso prefiro sentir a música. Eu sempre olho para a intensidade na minha música. Eu gosto de música que faz parar o seu cérebro, a música que passa dentro do corpo. Eu olho para algo físico na música, então eu não sei que estilo é. A música eletrônica foi no início muito influenciada pela música black e os primeiros discos do Techno vieram de produtores de Chicago e Detroit… o que eu realmente gosto sobre a música eletrônica e o que é realmente interessante para mim é o quanto você pode tirar da música e manter sob a forma de energia. Por exemplo, se você ouvir música Disco dos anos 70, os breaks são a melhor parte, não o refrão. E eu sou um cara branco da Alemanha Oriental e eu tinha que trazer as minhas influências pra música e quando eu comecei eu pensei “Ok, nós somos brancos, não somos tão sexy mas somos engenheiros, engenheiros sérios” e isso é o que eu tento combinar na minha música. Combina a minha natureza com algo xamânico. Basicamente, eu tento usar a tecnologia de uma forma xamânica.

Você diria que a música é uma língua universal?

Sim. Acho que a música é a última língua universal que possuímos. A própria linguagem já é um pouco difícil. Um monte de palavras são usadas em propaganda ou o que quer seja e acabam ficando superficial, enquanto a música vai lá no final do seu cérebro. E é isso que eu gosto mesmo. (risos) A música não tem um peso, não é física, mesmo se você colecionar música, no final você só tem notas. Isso é o que eu acho muito interessante na música, porque você não pode pendurar a música, você tem que ouvir e é exatamente neste momento em que você realmente entende.

O que te inspira?

Quase tudo fora da música. Eu fui muito influenciado por filmes. Eu fiz um monte de experimentos com filme. São Paulo me inspira, porque tem um monte de cores e você não vê esse tipo de atmosfera colorida na Alemanha. Qualquer coisa fora da música me inspira, até mesmo uma onda no mar pode servir como inspiração. Parece bobo mas tem muito a ver com momentos.

Você tem uma gravadora em Berlim. Gostaria de falar um pouco sobre isso?

A label já existe há uns 16 anos. Agora temos tudo sob controle. Lá atrás, quando começamos, tudo era muito mais fácil de ser feito. A mesma máquina que fazia música servia para fazer as imagens… Você não tinha que gastar milhões de euros para construir um negócio. A principal coisa por trás da label era ter controle sobre tudo o que fazíamos e a outra coisa era que precisávamos de muita ajuda de empresas para fazer nosso trabalho e acho que você não pode se comprometer muito quando se trata de arte. Então é por isso que fundamos a gravadora. E acabou virando uma plataforma para artistas. Todos os artistas em nossa label são tipo membros da empresa também. Eles têm muita liberdade para fazer o que eles querem fazer. Esta é a idéia por trás, se tornar livre.

Você tem um clube preferido?

Ah, sim. Tem um monte de clubes que eu gosto bastante, mas um dos meus preferidos é a Berghain. Eu gosto da Berghain durante a semana. Eu acho que os caras lá respeitam de verdade a música e eles poderiam lucrar muito mais, mas sempre colocam a música em primeiro lugar. Tem outro clube que eu gosto bastante, é em Kyoto e é só cabe 120 pessoas, mas o conceito é exatamente o mesmo que eu estava falando. Eu não sei como eles financiam aquele lugar, eles têm um sistema de som incrível, sempre tem grandes nomes se apresentando e eles sempre surpreendem as pessoas. Eles só tocam o que eles acham que é bom. É como uma estação de rádio boa, você nunca sabe a próxima música e é surpreendido. Eles tocam música que você não conhece, mas você gosta mesmo assim.

Você ficou chateado que o Bar25 foi fechado?

Sim. Quer dizer, eu fiquei chateado porque toda a área virou propriedade da O2 e tudo foi foi fechado. Era um lugar bom. Você podia ir lá numa noite de sexta-feira e talvez você só saísse na noite de domingo, era muito bom. Lá sempre era celebrado fim de semana tipo o Flower Power de antigamente (risos) mas de uma maneira moderna. Mas ainda eu prefiro a Berghain, porque eu não sou um grande fã dessa festas bonitas na beira da praia. Eu gosto do dark da noite.

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão

Interview with Mark Jenkins!

Mark Jenkins belongs to a rare group of artists that has a technique of his own and works that have been showed in cities worldwide. He has no problem in sharing and teaching how his work is done and is constantly reminding us that street art is not only made out of stencils and graffiti. Very friendly, Mark spoke to so vast is art about urban space, street art and his workshops. Enjoy!

Can you talk a bit about your background and how you ended doing sculptures with adhesive tapes?

I started using tape in 2003 when I was living in Rio. I was just trying to figure out a way to do body cast or just casts of anything. I started experimenting. I was interested in installation art and I started to do street installations on the beach, on the streets of Rio. Before that I was involved in music and writing but it didn’t really pair up with me as much as sculpture did. In two months doing these sculptures I already had gallery shows. It was really easy for me to do it; it was a piece of cake.

Do you consider yourself a street artist?

I think I do because the idea of making art in the street has a lot to do with the people I saw in Chile when I was traveling around South America. There were people juggling in the streets, people telling jokes or just doing things. This was before I knew about street art and Banksy and all that. So I consider myself a street artist in a sense that I do things on the street but not part of this conglomerate of street art as we see it today. I mean, I consider myself part of it; maybe an important part of it because everyone else is doing these stencils and graffiti so doing things out of the wall is an important part of this movement. But at the same time, this whole skate culture and this youth culture thing that street art is and what it appeals to; I don’t like that so much. Because sometimes I feel like people don’t take street art seriously with all these brands approach to do things and shows just to have people come in the door. I think that my work has the capacity to move beyond this sort of like youth bubble but it’s still good.

When you create your work, do you first see a spot and then create something for it or do you have the sculpture built first and then find a spot that would go with it?

I usually have the idea first. Most of sculptures I’ve done they can kind of go anywhere. They’re not super site specific. Like the piece that sticks to a trashcan, there are a lot of trashcans, you know? Like the guy sticking his had into the wall, there are a lot of walls. (laughs)

Do you think about how the public will react to your sculptures?

I think I can predict what most people will do but I can’t predict what that one person will do. And there’s always that one person. A hundred people can walk by a sculpture and one person will laugh and another person will only see it; and another person will take out his or hers camera phone… But that one other person would do something that you didn’t expect. That might just be to pick it up and throw it over a fence saying ‘I don’t want this in my city’. That’s the force sort of like against the work sometimes, this individual. But this individual could also be a four-year-old child that says like ‘Hey! I can pick up this big man’ and he just walks down the street with it. But with the work being sort of a theatrical thing, I’m fine with it. Once it’s out there anything can happen and it’s part of the life cycle of the work, you know? It’s all good.

So what is the life span of your sculptures in the streets?

Usually the pieces in the streets last a couple of days maybe.

Do you think that all the cities you’ve been to influence your work?

No. In a way maybe… it keeps this idea of a city fresh and you see it from a different perspective. A city that you’re used to, you don’t tend to see it as something new. My idea of city is pretty fresh continuously and so I can pair it to other cities. Like, what’s the subway like in Sao Paulo compared to DC, compared to New York or whatever. I have this reference of 60 cities and what kind of garbage can they have, what can of signage they have, what does the police look like and what the police does… I have all this data and it’s pretty cool.

Your workshops are a big part of your process. Would you like to talk a bit about that?

Initially, when I started doing these tape sculptures I wanted not to tell people how I made it because other artists would be doing it as well. I mean, who invented paper mache? Who is Mr. Paper Mache? Is he in the MOMA? (laughs) You know what I mean? So I figured not to tell people how to make it until at least I had a body of work. And once I had the body of work, people started seeing what I made and I had people asking how to do it on the Internet, there’s this whole DIY thing… so I thought ‘I should just embrace it’. And then that whole fear of being copied just went away. It was also kind of nice to open all up too and to teach it made it something like ‘I don’t have to fear anybody copying me because I already have given it to everybody’. And it no longer would be me and one other person doing it. And there are all these kids and schools doing it. It’s good because I’m sharing, I’m doing workshops and it’s great. And at the same time I maintained it, I mean, I don’t own it but I’ve created sort of a grid and taught how to do a lot of things; even commercial brands would use it. But still I kind of own it not by owning it but just by creating a body of work, by the amount of work I’ve produced so far.

What’s your source of inspiration?

Since my work is about the streets my inspiration is usually about knowing the city that I’m in. That inspires the work I think. I don’t usually come in to a city with an idea of what I’m going to make. Even if I do, once I get there, it changes. It’s kind of like the walking around and get the whole feel of the city inspires. I prefer not to come into a city with ideas already inspired by stuff.

What was the most unusual place that you placed one of your sculptures?

The one I put in the water was interesting because I’m always trying to figure out where to put the head because I don’t do skin, basically. The one I put in the water had balloons coming out of the back. But it was very difficult because I had to put clear plastic and coke bottles to keep it floating. It was interesting too because normally when people see something on the street they can examine it but this one you just had a guy floating dead in the river with balloons coming out of his back; so there wasn’t a possibility to really inspect the work. It was pretty cool.

Do you think that NOVA has allowed you to explore a different facet of your work?

This thing that I’ve done, setting the work on fire was pretty cool. It’s a new thing; I’ve never done it before. It’s something I’ve wanted to do, take the sculpture and wrap it in wire and then set it on fire and this way you’re left only with the wire, a wire cast. I think it’s probably the newest thing that I’ve done and it’s pretty cool.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Mark Jenkins pertence à um raro grupo de artistas que tem sua própria técnica e obras que já foram vistas em diversas cidades do mundo. Ele não tem nenhum problema em compartilhar e ensinar como seu trabalho é feito e está constantemente lembrando o público de que street art não se resume à estêncil e grafite. Muito simpático, Mark falou com so vast is art sobre o espaço urbano, arte de rua e suas oficinas. Divirta-se!

Você pode falar um pouco sobre sua experiência e como acabou fazendo esculturas com fitas adesivas?

Eu comecei a usar fita adesiva em 2003, quando eu estava morando no Rio de Janeiro. Eu só estava tentando descobrir uma maneira de fazer moldes de corpo ou moldes de qualquer coisa mesmo. Eu comecei experimentando. Eu já estava interessado em arte de instalação e eu comecei a fazer instalações na praia, nas ruas do Rio de Janeiro. Antes eu estava envolvido com música e escrita, mas não me balançava tanto quanto a escultura balançou. Em dois meses fazendo essas esculturas eu já tive exposições em galerias. Foi muito fácil para mim.

Você se considera um artista de rua?

Eu acho que sim, porque a idéia de fazer arte na rua tem muito a ver com as pessoas que vi no Chile, quando eu estava viajando pela América do Sul. Tinha pessoas fazendo malabarismo nas ruas, pessoas contando piadas ou fazendo qualquer coisa. Isso foi antes de eu saber sobre arte de rua, Banksy e tudo o mais. Então, eu me considero um artista de rua no sentido de que eu faço as coisas na rua, mas não faço parte deste conglomerado de Street Art como entendemos hoje. Quer dizer, eu me considero parte disso, talvez uma parte até importante, porque todo mundo faz estêncil e grafite; e fazer algo fora da parede é uma parte importante desse movimento. Mas ao mesmo tempo, essa cultura de skate e essa coisa toda de cultura jovem que é arte de rua apela um pouco, eu não gosto muito disso. Porque às vezes eu sinto que as pessoas não levam a sério a arte de rua com todas essas marcas se apropriado disso e fazendo exposições só para ter volume de gente. Acho que meu trabalho tem a capacidade de ir além dessa bolha.

Quando você cria o seu trabalho, você primeiro acha um local e, em seguida, cria algo para ele ou você tem a escultura pronta e tenta encontrar um local que encaixe?

Eu costumo ter primeiro a ideia. A maioria das esculturas que eu fiz cabem em qualquer lugar. Elas não são específicas para o local. Como a escultura que sai de uma lata de lixo… há um monte de latas de lixo por aí, entende? Ou como o cara enfiando na parede, há um monte de paredes por aí. (risos)

Você pensa sobre como o público vai reagir com a suas esculturas?

Acho que posso prever o que a maioria das pessoas vai fazer, mas eu não posso prever o que aquela uma pessoa vai fazer. E há sempre aquela uma pessoa. Cem pessoas podem passar por uma escultura e uma pessoa vai rir e outra pessoa só vai olhar, e outra pessoa vai tirar seu telefone ou câmera do bolso… Mas tem sempre uma pessoa que faz algo que você não esperava. Isso pode ser pegar a escultura e jogá-la por cima de uma cerca dizendo “Eu não quero isso na minha cidade”. Esse é o tipo de força que rola contra o trabalho às vezes, é essa pessoa. Mas essa pessoa também pode ser uma criança de quatro anos de idade que diz “Olha! Eu posso aguentar esse homem maior que eu” e ela sai andando na rua com a escultura na mão. Mas com o trabalho que faço é bem teatral, eu lido bem com isso. Uma vez que a escultura é colocada na rua, tudo pode acontecer e é parte do ciclo de vida do trabalho, entende? E tudo bem.

Então, qual é o tempo de vida das suas esculturas nas ruas?

Normalmente as peças nas ruas duram apenas alguns dias.

Você acha que todas as cidades que você visita influenciam o seu trabalho?

Não. De certa maneira talvez… viajar mantém a idéia de cidade sempre fresca e posso ver as cidades sempre de uma perspectiva diferente. Uma cidade que você está acostumado, você não tende a ver como algo novo. Minha idéia de cidade é continuamente fresca e assim eu posso comparar com outras cidades. Tipo, como é o metrô em São Paulo em relação ao de Washington, em comparação ao de Nova York ou outro qualquer. Eu tenho essa referência de 60 cidades… que tipo de lixo elas podem ter, como é a sinalização, como a polícia é, o que a polícia faz… Eu tenho todos esses dados, o que é muito legal.

Suas oficinas são uma grande parte de seu processo. Você pode falar um pouco sobre isso?

Inicialmente, quando comecei a fazer as esculturas de fita adesiva eu não queria contar pras pessoas como eu fazia porque outros artistas iriam fazer também. Quero dizer, quem inventou papel machê? Quem é o Sr. Papel Machê? Ele está no MOMA? (risos) Você entende? Então eu percebi que eu não deveria dizer às pessoas como fazer até que eu tivesse um corpo de trabalho, pelo menos. E uma vez com o corpo de trabalho pronto, as pessoas começaram a ver o que eu fazia e começaram a perguntar como fazer na internet, e tem toda essa coisa de faça você mesmo também… então eu pensei “Vou abraçar a cause de uma vez”. E então esse medo todo de ser copiado foi embora. Foi bom também para abrir tudo e ensinar, isso me fez pensar “eu não tenho que ter medo de me copiarem, porque eu já ensinei tudo”. E também não seria só eu e uma outra pessoa usando essa técnica. Tem todas essas crianças e escolas usando o método também. É bom porque eu estou compartilhando. E ao mesmo tempo eu me mantive como dono da técnica, quero dizer, eu não sou dono; mas eu criei uma espécie de grade e ensinei como fazer um monte de coisas, até mesmo marcas comerciais usam esse tipo de trabalho. Mas ainda assim eu meio que possuo isso, mas só porque eu criei um bom corpo de trabalho, pela quantidade de trabalho que tenho produzido até agora.

Qual é a sua fonte de inspiração?

Como o meu trabalho é sobre as ruas, a minha inspiração vem normalmente de conhecer a cidade que eu estou, isso inspira. Eu não costumo vir para uma cidade com uma ideia pronta do que vou fazer. Mesmo que eu tenha uma ideia, quando eu chego na cidade sempre muda. É caminhar e começar a sentir toda a cidade que inspira. Eu prefiro não chegar em uma cidade com ideias já inspiradas por outras coisas.

Qual foi o lugar mais inusitado que você colocou uma de suas esculturas?

A que eu coloquei na água foi interessante, porque eu sempre estou tentando descobrir onde colocar a cabeça porque eu não faço a pele. A escultura que eu coloquei na água tinha balões saindo das costas. E foi muito difícil porque eu tive que colocar plástico e garrafas de coca para manter a peça flutuando. Foi interessante também, porque normalmente quando as pessoas vêem algo na rua, elas podem examinar de perto, mas nessa só tinha um cara morto boiando no rio com balões saindo de suas costas, e não havia a menor possibilidade de inspecionar o que era aquilo. Foi bem legal.

Você acha que NOVA permitiu que você explorasse um aspecto diferente do seu trabalho?

Essa escultura que eu coloquei fogo foi muito legal. É uma coisa nova, eu nunca fiz isso antes. É algo que eu sempre quis fazer: pegar a escultura e envolvê-la em arame, e em seguida, tocar fogo; sobrando apenas o arame, um molde de arame. Eu acho que é provavelmente a coisa mais nova que eu fiz e foi muito legal.

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão

Interview with Mulheres Barbadas!

Henrique Lima and Julio Zukerman have beards, used to be art directors, they draw and are the heads and hands behind a vast work of drawings that many illustrators might envy. Henrique hates talking on the phone and Julio is a fan of deliveries. Ladies and Gentleman, Mulheres Barbadas.

How did you meet and decide to do the project together?

Henrique: We were Art Directors and worked together. We liked to draw and started drawing just for fun, just for drawing really; we didn’t have a goal with it…

Julio: We were drawing because the work was boring…

Henrique: At the beginning we used to draw on the computer. We had some ideas, came up with a website, created a name, put some silly stuff there, the website went online and we started to have some really good feedback. We worked for a couple of years in the Advertising agency while working on Mulheres Barbadas as a side project. But we liked more Mulheres Barbadas than our real job so we quit the agency in the first opportunity we had.

Julio: Even before we left the agency, there was already a lot going on for Mulheres Barbadas. We made some exhibitions but it was very limited and hard work because we had our shift in the agency and we would work night hours and weekends for Mulheres Brabadas. It was good in a way; we didn’t have to rely on the project to gain money so we had the chance to really go in the direction we wanted.

When you start drawing, do you have an idea ready or a printed reference maybe?

H: We always think about what we want to do, if it will be abstract or not… and this is the most striking difference between the drawings, at least when it’s a work where we’re free to do what we want. When we have clients, they give us the direction. But basically this is what we think when starting a new drawing.

J: Sometimes there’s kind of theme. At the Cinemateca last year we did only explosions and it was pretty cool.

H: But our standard is to have characters and forms all mixed together… if we don’t plan something in advance, that’s it. At NOVA, we usually do abstract. David left it free for us in the first edition that we did and it was very good. The abstract has the face of NOVA. But there’s also that thing, when we do too much characters it makes we want to make abstract, when we do a lot of abstract, we feel like doing characters and so it goes; back and forth. We also did some animation last year and we plan on doing more. We just do what we feel like doing.

Mostly the drawings are black and white?

J: Yeah. If we could choose they would all be black and white. In NOVA last year had no walls, there was only this cube that was painted in red so we drew in black over red. We don’t really care about drawing on top of other colors but one thing we will never so is fill in the elements with color.

H: Black and white makes the drawing not so childish, it mixes and integrates more the elements. The idea is that is all mixed up, even a bit confusing and color takes away this feeling. And also, we started doing black and white so it has to be black and white. People ask us for color and we go “No. It has to be black and white”. It has to be our way.

So how is the separation between a commercial project and an artistic project?

H: We try to be the most faithful to our style as possible. We try to make a commercial drawing as closer as possible to an artistic one. We take these jobs for the money. But we always end up with restrictions, when working with advertising there are rules and laws to followed. In art we play and explore more. And that’s where the work really evolves and in a future commercial work we have more background to create.

J: Some times the commercial project ends up boring because of the restrictions. But we still manage to work freely in some of these projects.

In one of your commercial projects you did a drawing on a car, right?

H: It was actually a private project but this was the crucial project for us to when we decided to quit our jobs. This project was nice because we do a lot of walls so we find it interesting to work on different objects. Hussein (Hussein Jarouche) of Micasa is very nice and very open, we go in to the store and see an amazing object and just pick it to draw. It’s pretty cool.

J: We also did a horse for him at São Paulo Fashion Week.

How do you deal with collaboration? You’re working on a sculpture of Mark Jenkins now…

J: This collaboration was something that we wanted to do.

H: We already knew Mark and his work, and we like the way he thinks and not only his work. There was one of his sculptures that was painted in white and we had the idea to draw over it. But not all collaborations are successful and it’s all right. We were supposed to work with Koen (Koen Delaere) but he came here with his work nearly so it didn’t happen.

J: We thought about doing some collaboration with the Good Wives and Warriors.

H: But that would have been very difficult because among the artists here, they are the closest to our work. It works best when the works are more distant or opposite.

J: What Momo did on our work on the first NOVA was pretty cool. Probably because it had nothing to do with our piece. He did some geometric shapes on top of our drawing. With the Good Wives and Warriors it wouldn’t be collaboration, it would be more of an intervention on their work.

H: But even if we didn’t do something together we had a great exchange of ideas with the girls. Even if the public can’t see it, it’s there.

And is it okay for you the fact that the drawings will be painted over and the work will no longer exist?

J: It’s okay. (laughs) We’re used to it.

H: It’s a bit painful depending on how long it has been exhibited. (laughs) But we aren’t bothered by it.

J: We had an incentive of MIS. Once NOVA was finished there, they painted all the walls but left some of our work. Sometimes we have this good surprise. In Recife it happened that they left the work exhibited for a longer period.

H: It happened at Micasa too. They were supposed to demolish our wall but it’s been three years since it’s there!

And what has changed in your work since you started?

H: I think our lines are more refined. At first we did different lines and time went by and our lines became more similar. There’s even some that say that it doesn’t seem to be two people doing the drawings. We draw better today. It is natural that it will improve with practice.

J: The compositions are also better.

H: At first we just drew on the computer. Then we started to make paper and then walls, objects…

J: We still use Photoshop, especially for commercial work. And to try some new stuff is pretty good too. We don’t use printed reference when you’re drawing; it’s all in our heads. But now we’re trained for it, so for new things we do some tests in Photoshop, it gives us the chance to refine the drawing or even learn something new.

So you have an idea of what you’re doing ready when you start the work?

H: No.

J: We’ve been doing this for so long that we no longer have to think about what to do. We have something that is standard and will thereafter add or remove elements. We create on the spot.

H: Yeah, there’s a lot of stuff that is standard, which always appears in the works but we always invent on top of what already has been done.

The corny question: What inspires you?

J: …

H: We’re always updated on what other people are doing. I think boredom is inspiring. Doing nothing inspires you to invent something to do. And just the fact of being called to do a project works as an inspiration. Deadlines also inspire. The exchange between artists inspires us a lot. We made our first animation because of a project we were in, we didn’t do the animation for the project itself because we were doing the mural, but we did it after, alone. It is this willingness to experiment that is inspiring.

You’ve been working with David for some time now; can you talk a bit about the experience of NOVA?

H: The coolest thing about NOVA is that it has a lot of people doing things together at the same time so this exchange in between artists really happens. There are many people in NOVA that we already know and are friends with but there’s always new people arriving with a work that you don’t expect and it is always interesting. After NOVA, we started to do more projects where we have contact with the public, but NOVA was one of the firsts that had artists working in a place where the public could see and interact. I associate this way of working a lot with NOVA.

J: It’s a way that the public who doesn’t really know to relate to our work in a cool way. I think all of the institutions where NOVA has taken place have an educational program. And it’s really cool because that’s when the most unusual questions happen! The way children see our work is very funny. I think that children have more patience to stare and enjoy our drawings than adults have. It’s great fun.

H: And we take part in NOVA because it’s really interesting. Interesting for us, for NOVA, for the public… we wouldn’t be here just to be here, it’s not worth it.

What’s playing on your iPod?

H: I don’t know… Battles. It’s pretty good. Their last album, Dross Glop is pretty cool.

J: I have very little music… What I really hear is Podcast. (laughs) One I like is Doug Benson - I Love Movies and Jack White’s latest album is damn good too.

And if you weren’t in the Mulheres Barbadas project, what would you be doing?

J: Probably we would be in the agency still. Earning a lot of money but very unhappy. (laughs)

H: Unfortunately. Or not. (laughs)

J: No. Fortunately our second option is very good.

So can you shave your beard?!

J&H: No. Never.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Interview with Ryoichi Kurokawa

Ryoichi Kurokawa has an outstanding audiovisual work hard to put into words. Hard even for him. Shy but extremely friendly, Ryoichi talked to me just before his presentation at NOVA, which is far away from being simple.

How would you describe your work?

I work with audiovisual and I present it as a concert with screen work in different formats. I often present my work in museums, Art projects and Media projects. It’s a mix.

I read some of your press releases and I understand that you don’t separate the image from the sound in your work. You see it as one thing.

I didn’t study any kind of Art. I make sound and video just by using the computer. So for me it’s only data and the data from the sound and image are kind of the same thing.

How did you get involved in audiovisual?

At first I did it just for pleasure and to share something with my friends. Then it evolved and became my job.

Can you tell us a bit about the work you will present tonight?

Today’s work is quite simple. I will use only two videos and play the sounds. Basically I don’t have a very strong concept on this. It’s a simple work and I don’t consider it conceptual. It’s just audiovisual.  

When doing your live, does the atmosphere of the place and audience influence the presentation?

No. I have planned everything in advance.

What inspires you?

My work is inspired by nature. Nature is the source of inspiration for my ideas and to create something new. I use only digital mediums, I don’t paint and I don’t play any instrument so nature is an inspiration because it is completely different from the digital world. I have many influences of nature in form, color and movement.

How are you enjoying NOVA?

I like it. I know David (David Quiles Guilló – curator) for three years now. I like his direction. It’s quite mixed: contemporary art, media art, design; it’s very well considered and has a lot to do with the art of nowadays.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Ryoichi Kurokawa é dono de um trabalho monstruoso difícil de colocar em palavras. Difícil até para ele. Tímido mas extremamente simpático, Ryoichi conversou comigo pouco antes de sua apresentação no NOVA, que de simples, não tem nada.

Como você descreveria o seu trabalho?

Eu trabalho com audiovisual e eu apresento sob a forma de um concerto com um trabalho de projeções em diferentes formatos. Eu costumo apresentar meu trabalho em museus, projetos de arte e projetos de mídia. É uma mistura.

Eu li alguns de seus releases e entendi que você não separa a imagem do som em seu trabalho. Você vê como uma coisa só.

Eu não estudei nada de Artes. Eu faço som e vídeo usando apenas o computador. Então, pra mim se trata apenas de dados e os dados de som e imagem são quase a mesma coisa.

Como você se envolveu em audiovisual?

No início fazia apenas por prazer e para poder compartilhar algo com os meus amigos. E acabou evoluindo até que se tornou o meu trabalho.

Você pode contar um pouco sobre o trabalho que você vai apresentar hoje à noite?

O trabalho de hoje é bastante simples. Vou usar apenas dois vídeos e reproduzir os sons. Basicamente, eu não tenho um conceito muito forte sobre isso. É um trabalho simples e eu não considero conceitual. É apenas audiovisual.

Quando você se apresenta ao vivo, a atmosfera do lugar e/ou o público influenciam a apresentação?

Não. Tenho tudo planejado com antecedência.

Onde busca sua inspiração?

Meu trabalho é inspirado pela natureza. A natureza é a fonte de inspiração para as minhas ideias e para criar algo novo. Eu uso apenas mídias digitais, eu não pinto e eu não toco nenhum instrumento, então a natureza é uma inspiração porque é completamente diferente do mundo digital. Eu tenho muitas influências da natureza quanto à forma, cor e movimento.

O que você está achando do NOVA?

Eu gosto bastante. Eu conheci o David (David Quiles Guilló - curador) há três anos. Eu gosto do seu direcionamento. É bem misto: arte contemporânea, arte digital, design; é muito bem pensado e tem muito a ver com a arte de hoje em dia.

 Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão

Interview with Optical Machines

Rikkert Brok and Maarten Halmans are the names behind the outrageous project Optical Machines. so vast is art talked to the duo just before they performed at NOVA.  

How did you get together and decide to create this project?

Rikkert: We started out together about 20 years ago making electronic music together, quite a while. We did shows together and at a certain point I started to study sound and image in university and Maarten was studying electronics; we both went separate ways. After our graduation we were thinking about doing things together again but we wanted to do something different. During my studies I got really interested in moving images so we wanted to combine sound and image together. So we started to collaborate again.

Maarten: The project we are showing today is not our first collaboration in sound and image. We did one before that was actually called Optical Machines and this is our second presentation; it’s called Shift. These two presentations although completely different are still based in the same sort of idea. The generation of both image and sound are equally important to create an installation that you can take part in as a visitor. So it’s not only a performance but also an installation.

So would you describe your work as an audiovisual installation?

M: Yes. And we also perform within the audiovisual installation. The installation could also run on its own but we prefer to do it in real time and try to find out where it will take us. It’s more like playing instruments instead of just an installation or just a performance. It’s somewhere in between.

This is probably the question you are asked the most. How did you come up with the projector, the machine itself?

R: We started with this small idea. It was based on trial and error. We would try things and add stuff, skip stuff until it started evolving. That’s how it was created but we always wanted to keep it sort of like an open construction so that the spectator can see not only the image but also where it comes from. But it’s always a work in progress. We are always changing stuff.

M: We start with a very basic idea and it evolves. It keeps changing. It becomes more complex and stuff is added to it and then it sort of starts to become a performance and from then on it’s sort of trial and error forever.

When performing, do you have the whole presentation ready or is it intuitive and you change it according to the response of the public?

R: More or less. We know the starting point and the end point but in between anything can happen. It also depends on the audience and the location. If you’re in a complete white hall, the ambience is completely different because you would have also reflections of the installation in the hall and this also changes and influences the performance.

Can you talk a bit about the presentation you’re doing tonight?

R: It’s called Shift and it’s about the lights shifting the image obviously. In a way it refers to a cinematic experience that is suggesting movement but there isn’t movement at all. It’s just the position of the lamps that change. It works best with abstract images because they overlap each other and you get a kind of interfering patterns; the effect works best with abstract forms. We did an installation for a theater play that had more figurative images. But we still prefer abstract images because it works better. For me, is more powerful otherwise we would be telling a story besides the projector itself and we want to avoid that as much as possible. The machine has to have a story of its own.

M: And also the spectator has a big role in what kind of thing he or she sees and how they feel it and what they make up. As soon as you use real images it sort of fills in the spectator with ready-made ideas that come from that image. There is less to the imagination.

But is there something you want to provoke on the spectator?

M: No. Not really. It’s only about sitting, watching and listening. That’s it.

R: The moment we perform we just try to make the best out of it.

M: It’s hard work because we’re also juggling with the stuff around and we have to keep it all going while making the changes.

R: And there are also a lot of parameters that can differ. The position of the sheet, for example, or the movement of the sheets can make a huge difference on the projection. There’s always this tension because I use paper sheets and they’re very light, fragile and are likely to tip over… I like the tension of it and I like to bring that tension into the audience. I try to, I do my best for the sheets not to tip over but sometimes it happens and it’s part of performing live.

Do you do collaboration with other kinds of Art?

M: We did it for ROJO.

R: Sometimes. We did a few things for theater companies and last year we did two collaborations for ROJO with other artists. But we are really a duo. We love to perform as Optical Machines. In a way we are trained to do this, you know? For me it’s best if we collaborate just the two of us because in this way I can really get into it.

When developing your project does the image or the sound come first?

R&M: No.

R: When we created Shift, image and sound were together. We both worked on the sound, the installation and the image… We’re now working on a new sequence for Shift and we both come up with the ideas and how it should be designed. Maarten is more like the technical brain and I try to bring in the creative input.

What inspires you?

M: It can be anything but mostly small things. Something small you see or something strange that is happening. Like when you’re lying down in your bedroom and you have the shades in a certain position and a car drives by and some real strange thing happens… That’s really inspiring. It’s not only about high-tech stuff; it’s mostly low-tech and really easy things. Things that are simple but really effective.

R: When I was studying I was really inspired by abstract computer generated imagery. I wanted to do this in my own way without using computers and try to get this abstract patterns working and do it in a large scale. For me it’s a big influence, I really love abstract computer generated images.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Rikkert Brok e Maarten Halmans são os nomes por trás do audacioso projeto Optical Machines. so vast is art conversou com a dupla pouco antes de eles se apresentarem no NOVA.

Como vocês se juntaram e decidiram criar o projeto?

Rikkert: Nós começamos a trabalhar juntos cerca de 20 anos atrás fazendo música eletrônica, já faz um bom tempo. Nós nos apresentávamos juntos e em um dado momento eu comecei a estudar som e imagem na universidade enquanto Maarten estudava eletrônica; nós dois seguimos caminhos separados. Depois da nossa formatura, a gente pensou em fazer coisas juntos de novo, mas nós queríamos fazer algo diferente. Durante meus estudos, eu fiquei extremamente interessado por imagens em movimento, então nós resolvemos combinar som e imagem juntos. Então começamos a trabalhar juntos novamente.

Maarten: O projeto que vamos apresentar hoje não é a nossa primeira colaboração em som e imagem. Nós fizemos um antes que chamava Optical Machines mesmo e esta é a nossa segunda apresentação, que se chama Shift. Essas duas apresentações, embora completamente diferente, são baseadas no mesmo tipo de idéia. A geração de imagem e som são igualmente importantes para criar uma instalação que você pode participar como visitante. Então não é só uma performance, é também uma instalação.

Então você descreveria o seu trabalho como uma instalação audiovisual?

M: Sim. E nós também fazemos uma performance na instalação audiovisual. A instalação também pode ser executada por conta própria, mas preferimos fazer em tempo real e tentar descobrir onde isso vai nos levar. É mais como tocar instrumentos ao invés de ser apenas uma instalação ou apenas uma performance. É algo que está aí no meio.

Esta é provavelmente a pergunta que vocês mais ouvem. Como surgiu o projetor que vocês mesmos desenvolveram?

R: Começamos com essa idéia pequena. Foi tudo baseado em tentativa e erro. Fomos testando coisas e adicionando outras, deixando outros elementos para trás até que a idéia começou a evoluir. Foi criado assim, mas sempre quisemos mantê-lo como uma espécie de construção aberta para que o espectador podssa ver não apenas a imagem, mas também de onde ela vem. Mas é sempre um trabalho em andamento. Estamos sempre mudando coisas.

M: Nós começamos com uma idéia muito básica que evolui. E está sempre mudando. Torna-se mais complexo, vamos adicionando materiais até que de repente começa a se transformar em uma performance e a partir daí é uma espécie de tentativa e erro para sempre.

Quando se apresentam, vocês tem toda a apresentação pronta ou é intuitivo e vocês mudam de acordo com a resposta do público?

R: Mais ou menos. Sabemos o ponto de partida e o ponto final, mas entre eles tudo pode acontecer. Também depende do público e do lugar. Se você estiver em uma sala totalmente branca, o ambiente é completamente diferente de uma teatro, por exemplo. Porque você tem reflexos da instalação no espaço e isso muda e influencia a performance.

Você pode falar um pouco sobre a apresentação desta noite?

R: Chama-se Shift e é sobre mudança de luz e imagem, obviamente. De certa forma, se parece com uma experiência cinematográfica que sugere movimento, mas não há movimento algum. É apenas a posição das lâmpadas que muda. E funciona melhor com imagens abstratas, porque as imagens se sobrepõem e você ganha um tipo de padrão de interferência, o efeito funciona melhor com formas abstratas. Fizemos uma instalação para uma peça de teatro que tinha imagens figurativas. Mas nós ainda preferimos imagens abstratas, simplesmente porque funciona melhor. Pra mim, fica muito mais poderoso, senão estamos contando uma história além do próprio projetor e queremos evitar isso ao máximo. A máquina, projetor tem que ser sua própria história.

M: E o espectador também tem um grande papel no tipo de coisa que vê, sente e como interpreta o que está sendo passado. Quando você usa imagens reais o espectador já é preenchido com idéias prontas que vêm junto dessa imagem. Sobra menos para a imaginação.

Mas há algo que vocês querem provocar no espectador?

M: Não. É apenas sentar, assistir e ouvir. É isso.

R: E no momento em estamos ali, damos o nosso melhor.

M: É um trabalho difícil porque também estamos fazendo malabarismos com os materiais que usamos  e temos que manter a apresentação rolando enquanto fazemos as mudanças.

R: E há também uma série de parâmetros que podem mudar a projeção. A posição da folha, por exemplo, ou o movimento das folhas podem fazer uma grande diferença na proteção. Há sempre essa tensão porque eu uso folhas de papel e elas são muito leves, frágeis e tendem a tombar… Eu gosto dessa tensão e gosto de levar a tensão para a platéia. Eu tento, eu faço o meu melhor para que as folhas não tombem, mas às vezes acontece e é parte de se apresentar ao vivo.

Você faz colaboração com outros tipos de arte?

M: Nós fizemos para a ROJO.

R: Às vezes fazemos sim. Nós fizemos algumas coisas para peças de teatro e no ano passado fizemos duas colaborações para a ROJO com outros artistas. Mas nós somos mesmo um duo. Nós amamos atuar como Optical Machines. De certa forma somos treinados para fazer isso, entende? Pra mim é melhor se nós colaboramos apenas entre nós dois, aí eu posso entrar de cabeça mesmo.

Ao desenvolver seus projetos, a imagem ou o som surge primeiro?

R&M: Não.

R: Quando criamos o Shift, a imagem e o som estavam juntos. Nós dois trabalhamos no som, na instalação e na imagem… Nós estamos trabalhando agora em uma nova seqüência para a o Shift e nós dois temos as ideias e como devem ser concebida. Maarten é o cérebro técnico e eu tento contribuir com a parte criativa.

O que inspira vocês?

M: Pode ser qualquer coisa, mas as coisas são na sua maioria muito pequenas. Pode ser uma coisa pequena que você vê ou algo estranho que está acontecendo. Tipo quando você está deitado no seu quarto e você está com as cortinas em uma determinada posição e passa um carro e algo estranho acontece, isso me inspira muito. Não se trata de inspiração que partem de coisas de alta tecnologia, a maioria é de baixa tecnologia são coisas fáceis. Coisas que são simples mas muito eficazes.

R: Quando eu estava estudando eu era sempre inspirado por imagens abstratas geradas por computador. Eu queria fazer isso do meu próprio jeito, sem o uso de computadores e tentar obter esses padrões abstratos e em grande escala. Pra mim isso é uma grande influência, eu amo imagens abstratas geradas por computador.

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão