so vast is art...

Marina Abramovic's MANIFESTO

Thu, 28 Feb 2013 08:06:42 -0400

1. An artist’s conduct in his life:

– An artist should not lie to himself or others
– An artist should not steal ideas from other artists
– An artist should not compromise for themselves or in regards to the art market
– An artist should not kill other human beings
– An artist should not make themselves into an idol
– An artist should not make themselves into an idol
– An artist should not make themselves into an idol

2. An artist’s relation to his love life:

– An artist should avoid falling in love with another artist
– An artist should avoid falling in love with another artist
– An artist should avoid falling in love with another artist

3. An artist’s relation to the erotic:

– An artist should develop an erotic point of view on the world
– An artist should be erotic
– An artist should be erotic
– An artist should be erotic

4. An artist’s relation to suffering:

– An artist should suffer
– From the suffering comes the best work
– Suffering brings transformation
– Through the suffering an artist transcends their spirit
– Through the suffering an artist transcends their spirit
– Through the suffering an artist transcends their spirit

5. An artist’s relation to depression:
– An artist should not be depressed
– Depression is a disease and should be cured
– Depression is not productive for an artist
– Depression is not productive for an artist
– Depression is not productive for an artist

6. An artist’s relation to suicide:

– Suicide is a crime against life
– An artist should not commit suicide
– An artist should not commit suicide
– An artist should not commit suicide

7. An artist’s relation to inspiration:

– An artist should look deep inside themselves for inspiration
– The deeper they look inside themselves, the more universal they become
– The artist is universe
– The artist is universe
– The artist is universe

8. An artist’s relation to self-control:

– The artist should not have self-c ontrol about his life
– The artist should have total self-control about his work
– The artist should not have self-control about his life
– The artist should have total self-control about his work

9. An artist’s relation with transparency:

– The artist should give and receive at the same time
– Transparency means receptive
– Transparency means to give
– Transparency means to receive
– Transparency means receptive
– Transparency means to give
– Transparency means to receive
– Transparency means receptive
– Transparency means to give
– Transparency means to receive

10. An artist’s relation to symbols:

– An artist creates his own symbols
– Symbols are an artist’s language
– The language must then be translated
– Sometimes it is difficult to find the key
– Sometimes it is difficult to find the key
– Sometimes it is difficult to find the key

11. An artist’s relation to silence:

– An artist has to understand silence
– An artist has to create a space for silence to enter his work
– Silence is like an island in the middle of a turbulent ocean
– Silence is like an island in the middle of a turbulent ocean
– Silence is like an island in the middle of a turbulent ocean

12. An artist’s relation to solitude:

– An artist must make time for the long periods of solitude
– Solitude is extremely important
– Away from home
– Away from the studio
– Away from family
– Away from friends
– An artist should stay for long periods of time at waterfalls
– An artist should stay for long periods of time at exploding volcanoes
– An artist should stay for long periods of time looking at the fast running rivers
– An artist should stay for long periods of time looking at the horizon where the ocean and sky meet
– An artist should stay for long periods of time looking at the stars in the night sky

13. An artist’s conduct in relation to work:

– An artist should avoid going to the studio every day
– An artist should not treat his work schedule as a bank employee does
– An artist should explore life and work only when an idea comes to him in a dream or during the day as a vision that arises as a surprise
– An artist should not repeat himself
– An artist should not overproduce
– An artist should avoid his own art pollution
– An artist should avoid his own art pollution
– An artist should avoid his own art pollution

14. An artist’s possessions:

– Buddhist monks advise that it is best to have nine possessions in their life:
1 robe for the summer
1 robe for the winter
1 pair of shoes
1 begging bowl for food
1 mosquito net
1 prayer book
1 umbrella
1 mat to sleep on
1 pair of glasses if needed
– An artist should decide for himself the minimum personal possessions they should have
– An artist should have more and more of less and less
– An artist should have more and more of less and less
– An artist should have more and more of less and less

15. A list of an artist’s friends:

– An artist should have friends that lift their spirits
– An artist should have friends that lift their spirits
– An artist should have friends that lift their spirits

16. A list of an artist’s enemies:

– Enemies are very important
– The Dalai Lama has said that it is easy to have compassion with friends but much more difficult to have compassion with enemies
– An artist has to learn to forgive
– An artist has to learn to forgive
– An artist has to learn to forgive

17. Different death scenarios:

– An artist has to be aware of his own mortality
– For an artist, it is not only important how he lives his life but also how he dies
– An artist should look at the symbols of his work for the signs of different death scenarios
– An artist should die consciously without fear
– An artist should die consciously without fear
– An artist should die consciously without fear

18. Different funeral scenarios:

– An artist should give instructions before the funeral so that everything is done the way he wants it
– The funeral is the artist’s last art piece before leaving
– The funeral is the artist’s last art piece before leaving
– The funeral is the artist’s last art piece before leaving

Marina Abramovic

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1. a conduta de vida do artista:
- o artista nunca deve mentir a si próprio ou aos outros
- o artista não deve roubar idéias de outros artistas
- os artistas não devem comprometer seu próprio nome ou comprometer-se com o mercado de arte
- o artista não deve matar outros seres humanos
- os artistas não devem se transformar em ídolos
- os artistas não devem se transformar em ídolos
- os artistas não devem se transformar em ídolos

2. a relação entre o artista e sua vida amorosa:
- o artista deve evitar se apaixonar por outro artista
- o artista deve evitar se apaixonar por outro artista
- o artista deve evitar se apaixonar por outro artista

3. a relação entre o artista e o erotismo:
- o artista deve ter uma visão erótica do mundo
- o artista deve ter erotismo
- o artista deve ter erotismo
- o artista deve ter erotismo

4. a relação entre o artista e o sofrimento:
- o artista deve sofrer
- o sofrimento cria as melhores obras
- o sofrimento traz transformação
- o sofrimento leva o artista a transcender seu espírito
- o sofrimento leva o artista a transcender seu espírito
- o sofrimento leva o artista a transcender seu espírito

5. a relação entre o artista e a depressão:
- o artista nunca deve estar deprimido
- a depressão é uma doença e deve ser curada
- a depressão não é produtiva para os artistas
- a depressão não é produtiva para os artistas
- a depressão não é produtiva para os artistas

6. a relação entre o artista e o suicídio:
- o suicídio é um crime contra a vida
- o artista não deve cometer suicídio
- o artista não deve cometer suicídio
- o artista não deve cometer suicídio

7. a relação entre o artista e a inspiração:
- os artistas devem procurar a inspiração no seu âmago
- Quanto mais se aprofundarem em seu âmago, mais universais serão
- o artista é um universo
- o artista é um universo
- o artista é um universo

8. a relação entre o artista e o autocontrole:
- o artista não deve ter autocontrole em sua vida
- o artista deve ter autocontrole total com relação à sua obra
- o artista não deve ter autocontrole em sua vida
- o artista deve ter autocontrole total com relação à sua obra

9. a relação entre o artista e a transparência:
- o artista deve doar e receber ao mesmo tempo
- transparência significa receptividade
- transparência significa doar
- transparência significa receber
- transparência significa receptividade
- transparência significa doar
- transparência significa receber
- transparência significa receptividade
- transparência significa doar
- transparência significa receber

10. a relação entre o artista e os símbolos:
- o artista cria seus próprios símbolos
- os símbolos são a língua do artista
- e a língua tem que ser traduzida
- Às vezes, é difícil encontrar a chave
- Às vezes, é difícil encontrar a chave
- Às vezes, é difícil encontrar a chave

11. a relação entre o artista e o silêncio:
- o artista deve compreender o silêncio
- o artista deve criar um espaço para que o silêncio adentre sua obra
- o silêncio é como uma ilha no meio de um oceano turbulento
- o silêncio é como uma ilha no meio de um oceano turbulento
- o silêncio é como uma ilha no meio de um oceano turbulento

12. a relação entre o artista e a solidão:
- o artista deve reservar para si longos períodos de solidão
- a solidão é extremamente importante
- Longe de casa
- Longe do ateliê
- Longe da família
- Longe dos amigos
- o artista deve passar longos períodos de tempo perto de cachoeiras
- o artista deve passar longos períodos de tempo perto de vulcões em erupção
- o artista deve passar longos períodos de tempo olhando as corredeiras dos rios
- o artista deve passar longos períodos de tempo contemplando a linha do horizonte onde o oceano e o céu se encontram
- o artista deve passar longos períodos de tempo admirando as estrelas
no céu da noite

13. a conduta do artista com relação ao trabalho:
- o artista deve evitar ir para seu ateliê todos os dias
- o artista não deve considerar seu horário de trabalho como o de funcionário de um banco
- o artista deve explorar a vida, e trabalhar apenas quando uma idéia se revela no sonho, ou durante o dia, como uma visão que irrompe como uma surpresa
- o artista não deve se repetir
- o artista não deve produzir em demasia
- o artista deve evitar poluir sua própria arte
- o artista deve evitar poluir sua própria arte
- o artista deve evitar poluir sua própria arte

14. as posses do artista:
- os monges budistas entendem que o ideal na vida é possuir nove objetos:
1 roupão para o verão
1 roupão para o inverno
1 par de sapatos
1 pequena tigela para pedir alimentos
1 tela de proteção contra insetos
1 livro de orações
1 guarda-chuva
1 colchonete para dormir
1 par de óculos se necessário
- o artista deve tomar sua própria decisão sobre os objetos pessoais que deve ter
- o artista deve, cada vez mais, ter menos
- o artista deve, cada vez mais, ter menos
- o artista deve, cada vez mais, ter menos

15. a lista de amigos do artista:
- o artista deve ter amigos que elevem seu estado de espírito
- o artista deve ter amigos que elevem seu estado de espírito
- o artista deve ter amigos que elevem seu estado de espírito

16. os inimigos do artista:
- os inimigos são muito importantes
- o Dalai Lama afirmou que é fácil ter compaixão pelos amigos; porém, muito mais difícil é ter compaixão pelos inimigos
- o artista deve aprender a perdoar
- o artista deve aprender a perdoar
- o artista deve aprender a perdoar

17. a morte e seus diferentes contextos:
- o artista deve ter consciência de sua mortalidade
- Para o artista, como viver é tão importante quanto como morrer
- o artista deve encontrar nos símbolos da sua obra os sinais dos diferentes contextos da morte
- o artista deve morrer conscientemente e sem medo
- o artista deve morrer conscientemente e sem medo
- o artista deve morrer conscientemente e sem medo

18. o funeral e seus diferentes contextos:
- o artista deve deixar instruções para seu próprio funeral, para que tudo seja feito segundo sua vontade
- o funeral é a última obra de arte do artista antes de sua partida
- o funeral é a última obra de arte do artista antes de sua partida
- o funeral é a última obra de arte do artista antes de sua partida

Marina Abramovic

Happy Valentine's Day

Thu, 14 Feb 2013 08:24:00 -0400

Jeff Koons

Hanging Heart (Red/Gold), 1994-2006

Welcome Ai Weiwei!

Mon, 04 Feb 2013 16:51:00 -0400

Couldn’t be happier! 2013 already feels like an amazing year for arts, culture, design and what else makes our lives brighter and smarter! Here in São Paulo it is time to welcome Ai Weiwei’s first exhibition ever in Brazil at MIS (Museum of Image and Sound).

Ai Weiwei Interlacing presents photographs, videos and texts that were produced by Ai in between 1983 and 2011. For the first time, these works will be exhibited outside Europe and will give the brazilians a chance to get in touch with one of the most influential artists of our time and his controversial social activist works. Too bad we won’t be seeing a lot of Ai around. He is currently held under house arrest in China. #freeaiweiwei

Text Juliana D Chohfi

Images World Wide Web

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Não podia estar mais feliz! 2013 já tem sabor de um grande ano para as artes, cultura, design e tudo o mais que alimenta a alma e faz a vida mais feliz. Aqui em São Paulo, chegou a vez de dar as boas vindas à primeira exposição de Ai Weiwei no Brasil, que acontecerá no nosso querido MIS.

Ai Weiwei Interlacing apresentará fotos, vídeos e textos que Ai produziu entre 1983 e 2011. Pela primeira vez esses trabalhos serão exibidos fora da europa dando a chance aos brasileiros de estarem em contato com a obra de um dos artistas mais influentes de nossos tempos. Trabalhos controversos e socialmente ativos, que a gente ama. Infelizmente não vamos ter o ar da graça de Ai que está sob prisão domiciliar na China. #freeaiweiwei

Texto Juliana D Chohfi

Fotos Divulgação

★ Seasons Greetings ★

Mon, 24 Dec 2012 18:03:00 -0400

Yes, 2012 was a busy year. Great projects, great artists, great art, great interviews and great people that made it all possible. I honestly thought that the blog would only be updated next year with the new layout and design thing going on, but something very special made me change my mind. I received this beautiful card from one of my favorite artists, two actually: Becky and Louise a.k.a. The Good Wives and Warriors. Such a simple, old school and cute gesture that makes me believe it is indeed all worth it. Thank you so much girls! And thank you all for following so vast is art! See you next year and lets spread Art!

Juliana D Chohfi

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2012 foi um ano bem movimentado. Grandes projetos, grandes artistas, muita arte, muitas entrevistas e repleto de pessoas especiais que tornaram tudo isso possível. Sinceramente, pensei que o blog só seria atualizado ano que vem já com o novo layout, mas algo muito especial me fez mudar de idéia. Recebi esse lindo cartão de umas das minhas artistas preferidas, as britânicas Becky e Louise; a.k.a. The Good Wives and Warriors. Um gesto tão simples, tão old school e especial que me faz acreditar que sim, vale a pena! Obrigada meninas! E muito obrigada à todos que seguem o so vast is art! Feliz Natal! Nos vemos em 2013 para continuar espalhando muita arte!

Juliana D Chohfi

Hi guys! As some of you may have noticed, so vast is art hasn’t been updated lately....

Tue, 25 Sep 2012 22:22:00 -0300

Hi guys! As some of you may have noticed, so vast is art hasn’t been updated lately. I’m sorry about that. I’ve been re-thinking the blog’s layout and decided it is time to freshen up. I’ll be back in January with much more Art and a brand new blog design. Meanwhile you can follow the blog on instagram and twitter @sovastisart, and on facebook as well! If you have any suggestions get in touch. See you soon!

Juliana D Chohfi

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Alô, seguidores do so vast is art! Como alguns já perceberam, o blog não está atualizado como de costume. Peço desculpas, mas estive repensando o layout da página e decidi que está na hora de uma mudança total. Em janeiro estarei de volta com muita Arte e design novinho em folha. Enquanto isso você pode acompanhar o so vast no instagram e twitter seguindo @sovastisart e, no facebook também! Sugestões são sempre bem-vindas. Até jajá!

Juliana D Chohfi

Interview with Cristopher Cichocki

Fri, 10 Aug 2012 11:23:49 -0300

Cristopher Cichocki creates multi-sensory works that intersect art, science and nature. His works depict beautiful neon desert landscapes, fascinating underwater frontiers and a vast range of topographies that mix reality and imagination. Here you find Cristopher’s words about life, art and work. Immerse yourself!

Can you talk a bit about a beautiful paradox I find in your work: the desert and the underwater.

I live and work in the desert of Southern California’s Coachella Valley, an area that was submerged underwater thousands of years ago. This region is now one of hottest places on earth. Much of the desert’s cacti and tumbleweeds are the surviving seeds of the ancient ocean. The wide-open terrain of this “desert abyss” is an extension of my studio. I create ephemeral sculptures, paintings and installations that can be discovered when least expected in the middle of nowhere. Many of these site-specific works only last for days or moments, while others have a much longer life span. My video and photography documents these actions of flux and transformation.

In your work what references do you incorporate from the area where you live?

The neon-fluorescent colors in my work accent environmental transformation and hazard. I live near the Salton Sea, California’s largest inland body of water. The fish that you see in my work are found on the shore of the sea where thousands of fish wash up dead each year due to the sea’s unbalanced ecosystem. Scientists estimate 30 years until the Salton Sea becomes a dead sea blowing cancerous dust around Southern California. This would leave endless bird species and indigenous wildlife to face extinction. Unless action is taken soon to prevent this pending catastrophe much of Southern California will be uninhabitable in 30 years. The Salton Sea is an ecological nightmare taking place right before our eyes, yet we neglect the reality and repercussions it will induce down the road. However, this portrayal of nature in collision with man-made decay and abandonment transcends far beyond a regional topic. People interpret my neon fish representing: oil spills, toxic waste and radioactive contamination.

You mix quite a few medias. Is there one that you like the most?

When I create an installation all of the mediums work together as a hybrid entity. My installation environments generate a multi-sensory feast for the senses where sight, sound, touch, smell, and occasional taste intersect. Because these installations involve all aspects of my work they tend to be the most exciting to produce.

How does your creative process start?

It differs from day to day; project to project as to how I begin my process. At times I’m completely immersed in a project and the work continues in my dreams. Sometimes the starting point is simply created by exploring new environments or switching up the routine. Every experiment needs its’ variables.

What developments are you finding in your practice as time goes by?

For the past few years I’ve been incorporating black lights in my work. The technical term for the glowing effect produced from a black light is “ultra violet radiation.” The intensity of color and optical perception in my work has entered into a new realm with this lighting. Historically, black lights and neon colors have been associated with music posters, 80’s fashion, rave culture, etc.. The colors have always been related to some product or manufactured festivity. I believe my use of black lights and fluorescent/neon are exploring new territories and associations.

How do want or expect the public to react to your work?

My narrative is open to interpretation. However most of my audience ends up having parallel perceptions of what I had intended. I’m taking archetypes of nature and industry, twisting them into new levels of perception. There’s a familiar face to the mutation. I find that people connect with the work regardless of prior art history of training because the work reflects our environment from the beginning of time to present day.

If you could teach one thing to the world, what would that be?

It would be amazing to work with scientists and explore the undiscovered depths of the ocean. To date, we have discovered less than 5 percent of the ocean. The ocean covers 70 percent of the planet’s surface. I would love to incorporate newly discovered elements of the ocean into my art practice.

Text Juliana D Chohfi

Photo cristophersea.com

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Cristopher Cichocki cria obras multi-sensoriais que cruzam ciência, arte e natureza. Suas obras apresentam lindas paisagens de néon no deserto, fronteiras submarinas fascinantes e uma vasta gama de topografias que misturam realidade e imaginação. Aqui você encontra algumas palavras de Cristopher sobre vida, arte e trabalho, claro. É só mergulhar!

Você pode falar um pouco sobre um lindo paradoxo que eu vejo no seu trabalho: o deserto e a vida debaixo d’água.

Eu moro e trabalho no deserto do sul da Califórnia no Vale de Coachella, uma área que estava submersa em águas há milhares de anos atrás. Esta região é hoje um dos lugares mais quentes da Terra. Muitos dos cactos do deserto e alguns tipos de ervas são as sementes sobreviventes do antigo oceano. Todo esse terreno aberto, esse “deserto abismo” é uma extensão do meu estúdio. Eu crio esculturas efêmeras, pinturas e instalações que podem ser descobertas quando menos se espera, no meio do nada. Muitos desses trabalhos que são criados especialmente para o deserto, duram apenas dias ou momentos, enquanto outros têm uma vida útil muito mais longa. Meus vídeo e fotografias documentam essas ações de fluxo e transformação.

Quais referências do lugar onde mora você incorpora no trabalho?

As cores neon e fluorescentes marcam uma transformação ambiental e um certo risco no meu trabalho. Eu vivo perto do Mar Salton, a maior reserva de água em terra da Califórnia. Os peixes que você vê no meu trabalho são encontrados na costa do mar, onde aparecem milhares de peixes mortos todo ano devido ao ecossistema desequilibrado. Os cientistas estimam 30 anos até que o Mar Salton torne-se um mar morto soprando uma poeira cancerosa em torno sul da Califórnia. Isto faria com que intermináveis espécies de aves e animais selvagens entrassem em extinção. Se não se agirmos logo para evitar essa catástrofe o Sul da Califórnia será inabitável em 30 anos. O mar Salton é um pesadelo ecológico acontecendo diante dos nossos olhos, mas nós negligenciamos a realidade e as repercussões ao longo dessa estrada. No entanto, esse confronto da natureza com o homem-feito e decadente transcende muito além de um tema regional. As pessoas interpretam o meu peixe neon como derrames de petróleo, resíduos tóxicos e contaminação radioativa.

Você mistura um bom número de mídias e materiais. Existe algum que você mais gosta?

Quando eu crio uma instalação, todos os meios trabalham em conjunto como uma entidade híbrida. Meus ambientes geram uma festa para os sentidos, onde visão, audição, tato, olfato e paladar se cruzam. Por isso, acho que o envolvimento de todos os aspectos e mídias no meu trabalho tendem a ser o mais interessante mesmo.

Como começa o seu processo criativo?

É diferente a cada dia; de projeto para projeto. Às vezes eu estou completamente imerso em um projeto e o trabalho continua nos meus sonhos. Às vezes, o ponto de partida é simplesmente criado por novos ambientes ou a mudança na rotina. Todo experimento precisa de suas variáveis.

Quais os avanços que você vem encontrando na sua prática artística com o passar do tempo?

Nos últimos anos eu venho incorporando a luz negra no meu trabalho. O termo técnico para o efeito brilhante produzido a partir da luz negra é “radiação ultra-violeta”. A intensidade da cor e a percepção óptica em meu trabalho entrou em um novo nível com esta iluminação. Historicamente, a luz negra e as cores néon têm sido associadas com cartazes de música dos anos 80, moda, a cultura rave, etc. As cores sempre estiveram relacionadas a algum produto fabricado ou a uma festa. Creio que o meu uso de luz negra e cores neon e fluorescentes começam a explorar novos territórios e associações.

Como você quer ou espera que o público a reaja diante do seu trabalho?

Minha narrativa está aberta à interpretação. Entretanto, a maioria do meu público acaba tendo percepções paralelas ao que eu pretendia. Eu estou tomando os arquétipos da natureza e da indústria e distorcendo-os em novos níveis de percepção. Há um rosto familiar para a mutação. Acho que as pessoas se conectam com o trabalho, independentemente da história da arte, do treinamento, porque o trabalho reflete nosso ambiente desde o início do tempo até hoje.

Se você pudesse escolher alguma coisa para mudar no mundo, o que seria?

Seria maravilhoso trabalhar com cientistas e explorar as profundezas desconhecidas do oceano. Até hoje, nós descobrimos algo inferior à 5 por cento do oceano e o oceano cobre 70 por cento da superfície do planeta. Eu adoraria incorporar elementos recém-descobertos do oceano em minha prática artística.

Texto Juliana D Chohfi

Foto cristophersea.com

Ai Weiwei: Never Sorry

Fri, 03 Aug 2012 12:57:00 -0300

Ai Weiwei, needs no big introductions, China’s most famous international artist is well and worldly known for his artwork against censorship, authority and silence. Ai has also raised great awareness to his matter since the Chinese authorities have shut down his blog, beat him up, destroyed his studio, and secretly held him hostage.

Great art, great artist, great story that is now put together in Alison Klayman’s debut film Ai Weiwei: Never Sorry. Klayman gained unprecedented access to Ai while working as a journalist in China and the film reveals details of a contemporary China staring one of its most compelling public figures.

The movie depicts Ai Weiwei, or Ai God as his chinese fans call him, not only as an activist-artist but also as a father, a joker, a random man that is just not sorry and won’t stop until he reaches what he thinks is possible. The film’s opening starts today all around Europe and U.S. Not to be missed!

Text Juliana D Chohfi

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Ai Weiwei, que dispensa grandes apresentações, é o mais famoso artista internacional chinês e é mundialmente conhecido por sua arte contra a autoridade, censura e o silêncio. Ai vem levantando grande consciência para a sua causa desde que as autoridades chinesas fecharam seu blog, destruíram seu estúdio e, secretamente, o mantiveram refém.

Grande arte, grande artista, grande história que é agora apresentada sob a óptica de Alison Klayman em seu primeiro filme Ai Weiwei: Never Sorry (Ai Weiwei: Nunca Arrependido). Klayman ganhou acesso sem limites à Ai enquanto trabalhava como jornalista na China e no filme, revela detalhes de uma China contemporânea estrelando uma de suas figuras públicas mais atraentes e controversas de todos os tempos.

O filme retrata Ai Weiwei, ou Ai God – como seus fãs chineses costumam chamá-lo, não só como ativista e artista, mas também como pai, piadista, um homem comum que não se arrepende e que não vai parar até que atinja o que ele acredita ser possível. A estréia do filme começa hoje em toda a Europa e EUA. Não dá pra perder!

Texto Juliana D Chohfi

Crazy art: Los Carpinteros

Tue, 24 Jul 2012 14:55:04 -0300

Los Carpinteros is the duo project formed by Marco Antonio Castillo Valdés (Cuba, 1971) and Dagoberto Rodríguez Sánchez (Cuba, 1969). Their collaborative pieces begin in watercolors that work as a platform of communication between the two artists. Their absurd drawings and watercolors that mark the initial state of the process are actually sculptures and installations to be.

Architecture and design are themes that serve the artworks as means to explore socio-political issues. Their works often use humor and play around similarities between local and universal, and the contradictions between form and function, practicality and usefulness, reality and absurdity. so vast is art likes!

Text Juliana D Chohfi

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Los Carpinteros é o projeto da dupla formada por Marco Antonio Castillo Valdés (Cuba, 1971) e Rodríguez Dagoberto Sánchez (Cuba, 1969). Suas peças feitas em colaboração começam nas aquarelas que funcionam como uma plataforma de comunicação entre os dois artistas. Seus desenhos e aquarelas absurdas que marcam o estado inicial do processo são, na verdade, o embrião de esculturas e instalações.

Arquitetura e design são temas que servem às obras de arte como meio de explorar questões políticas e sociasis. Suas obras costumam usar humor e brincar com semelhanças entre o local e o universal, com as contradições entre forma e função, praticidade e utilidade, absurdo e realidade. so vast is art likes!

Texto Juliana D Chohfi

Marina Abramovic: The artist is present

Thu, 12 Jul 2012 18:28:00 -0300

I feel like a teenager waiting for the latest Twilight movie! OK. Maybe that’s a bit too far away but the truth is I’m dying to see Marina Abramovic’s documentary: The artist is Present! As a huge fan of her work I might even camp all night outside the projection rooms just to possibly see her on the big screen; like fans did all across the world…

I’m getting a bit intense here, yeap, Abramovic feelings! Jokes and emotions aside, Marina Abramovic: The Artist is Present is a must see to performance art lovers. The brilliant documentary done by the hands of Matthew Akers depicts the day by day of the “grandmother of performance art” preparing herself to sit still for three months in a performance at the New York Museum of Modern Art. The whole prepping took nothing less than a year, 2010 precisely.

The piece is the longest-duration solo work of Marina’s career and is said to be by far the most physically and emotionally demanding performance she has ever attempted. Strong images and tension are obviously present in the documentary specially when Ulay (Marina’s greatest love) comes into scene and the public is taken down the memory lane… so vast is art recommends and just can’t wait to see the iconic self-punishing performer turning her own life into performance.

Text Juliana D Chohfi

Eu me sinto como uma adolescente esperando o último filme Crepúsculo! OK. Talvez tenha ido um pouco longe, mas a verdade é que eu estou inquieta pra assistir o documentário Marina Abramovic: The Artist is Present (O Artista está presente)! Como grande fã do trabalho dela eu poderia até passar noites acampada do lado de fora das salas de projeção só para vê-la na telona em primeira mão, como fizeram seus fãs ao redor do mundo…

Estou ficando um pouco intensa aqui, é, Abramovic feelings! Mas piadas e emoções à parte, Marina Abramovic: The Artist is Present é um must see para os amantes da performance. O brilhante documentário feito pelas mãos de Matthew Akers retrata o dia-a-dia da “avó da arte da performance” se preparando para ficar sentada e imóvel por três meses em uma performance no Museu de Arte Moderna de Nova York. Todo esse preparo levou nada menos do que um ano, o de 2010 mais precisamente.

O documentário é o trabalho solo de maior duração da carreira de Marina e diz-se ser de longe o que mais exigiu da artista fisica e emocionalmente. Imagens fortes e tensão estão, obviamente, presentes no documentário, especialmente quando Ulay (grande amor de Marina) entra em cena; e o público é levado pelos cantos da memória das maiores performances da história… so vast is art recomenda e mal pode esperar para ver o ícone da performance em mais uma superação de limites onde a performance se torna a própria vida.

Texto Juliana D Chohfi

Must see: Francesca Woodman @Mendes Wood

Fri, 06 Jul 2012 12:05:04 -0300

Today’s post is specially dedicated to those in São Paulo. A Friday post to those who are staying in town and wondering what to do during the weekend. My suggestion is a must see exhibition going on at one of my favorite galleries in São Paulo, Mendes Wood.

Mendes Wood is now hosting a beautiful exhibition of Francesca Woodman, rare photographs to be seen around here, it’s actually the first time that her work is showcased in Brazil.

The thirty photographs on view at the gallery were taken between 1972 and 1980 and include one of the artist’s first self-portraits, naked and wandering in the forest.

Woodman’s photographs were mostly captured at a slow shutter speed in long exposures and the longer her shutter stayed open, the blurrier and more transparent bodies appeared, until at last they disappeared.

Her work is a converging point of poetry, beauty and mystery; depicting transformation and some kind of supernatural feelings throughout smoothness and yet great force. so vast is art loves and recommends!

* Mendes Wood: Rua da Consolação, 3358, Jardins, São Paulo, SP

Text Juliana D Chohfi

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O post de hoje é especialmente dedicado aos paulistanos. Um post de sexta-feira para aqueles que ficam na cidade nesse feriado e procuram o que fazer durante o fim de semana. Minha sugestão é uma exposição must see que está em uma das minhas galerias favoritas em São Paulo, a Mendes Wood.

A Mendes Wood está agora com a exposição de tirar o fôlego de Francesca Woodman, fotografias raras por aqui, é na verdade a primeira vez que o trabalho de Francesca Woodman é exibido no Brasil.

As trinta fotografias em exibição na galeria foram feitas entre 1972 e 1980 e incluem um dos primeiros auto-retratos nus da artista vagando pela floresta.

As fotografias de Woodman foram em sua maioria capturadas em uma velocidade lenta em longas exposições e quanto mais seu obturador ficava aberto, mais os corpos se desfocavam e mais transparentes apareciam, até finalmente desaparecerem.

Seu trabalho é um ponto de convergência entre beleza, poesia e mistério; retratando sempre uma transformação e algum tipo de sentimento sobrenatural com suavidade e muita, muita força. so vast is art adora e recomenda!

* Mendes Wood: Rua da Consolação, 3358, Jardins, São Paulo, SP

Texto Juliana D Chohfi

Inspiration: artist Chantal Joffe

Thu, 05 Jul 2012 17:05:00 -0300

Chantal Joffe is a British artist based in London and is well-known for her large-scale paintings that often present children and women as its main subject.

She uses oil as her main medium and the support usually varies in between canvas, board and gesso. Joffe is inspired by family photos, advertising, fashion magazines, and a bit of pornography; besides some great inspiration on the work of photographer Diane Arbus.

“I really love painting women. Their bodies, their clothes – it all interests me.”

Joffe’s paintings are kind of rude in a certain way and that’s probably what I like most of it. Maybe rude isn’t the word I was looking for…lets say: simplicity. A certain simplicity or childishness. So simple that she even leaves some previous strokes and outlines or drips and blobs showing.

Chantal Joffe has been awarded by the Royal Academy of Arts and selected thirty of the most important female artists of all time. so vast is art agrees!

Text Juliana D Chohfi

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Chantal Joffe é uma artista britânica sediada em Londres e é conhecida por suas pinturas em grande escala que apresentam crianças e mulheres como seu tema principal.

Ela usa óleo como seu principal meio e seu suporte costuma variar entre madeira, tela e gesso. Joffe se inspira em fotos da família, imagens de propaganda, revistas de moda e um pouco de pornografia, além de grande parte de sua inspiração vir do trabalho da grande fotógrafa Diane Arbus.

“Eu amo pintar mulheres. Seus corpos, suas roupas - Tudo isso me interessa”

As pinturas de Joffe são até grosseiras de uma certa maneira e é provavelmente isso o que eu mais gosto no seu trabalho. Talvez rude não seja a palavra… vamos dizer: simples. Há uma certa simplicidade ou infantilidade no seu traço. Tão simples que ela ainda deixa alguns traços e contornos anteriores e pingos e manchas visíveis no final.

Chantal Joffe foi premiada pela Royal Academy of Arts e escolhida 30 das artistas mais importantes de todos os tempos. so vast is art concorda!

Texto Julian D Chohfi

Wired art: David Oliveira

Wed, 04 Jul 2012 15:57:00 -0300

I’m usually intrigued and fascinated by artists that have some sort of optical illusion or fool our eyes and brain with their artworks. David Oliveira is definitely one of those.

Portuguese artist from Lisbon, David’s work beautifully confuses the spectators. What seems to be ink or charcoal on canvas or paper is in fact a wire sculpture. David uses a wiring technique of his own and prefers working on site of his exhibitions.

His interest in wire started while he was at university, he graduated from Lisbon’s College of Fine Arts in Sculpture, where he learnt that wires were meant to support ceramics sculptures. Fascinated with the material, he took it to a whole new level in which experimentation is mandatory.

Unfortunately I’ve never seen his works live but it’s said that his exhibitions feel like something from another dimension. Details like line, shadows, volume are as carefully thought as a drawing itself. So vast is art is so in love with his work. Bravo!

Text Juliana D Chohfi

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Eu normalmente fico intrigada e fascinada com artistas que têm algum tipo de ilusão de óptica ou enganam nossos olhos e cérebro com suas obras de arte. David Oliveira é definitivamente um deles.

Artista português de Lisboa, o trabalho de David confunde maravilhosamente os espectadores. O que parece ser feito de tinta ou carvão sobre tela ou papel é na verdade uma escultura de arame. David usa uma técnica de fiação própria e prefere trabalhar no local de suas exposições.

Seu interesse em arame começou ainda na universidade, ele é graduado pela Faculdade de Lisboa de Belas Artes em Escultura, onde aprendeu que os fios de metal eram para servir de suporte à esculturas de cerâmica. Fascinado com o material, David levou a tal fiação para um outro patamar onde a experimentação é obrigatória.

Infelizmente eu nunca vi os seus trabalhos ao vivo, mas dizem por aí que suas exposições parecem ser algo de outra dimensão. Detalhes como linha, sombras e volume, são tão cuidadosamente pensado como num desenho em si. So vast is art está so in love pelo seu trabalho. Bravo!

Texto Juliana D Chohfi

Interview with Bosques de Mi Mente

Tue, 03 Jul 2012 12:37:41 -0300

Ignacio Nieto Carvajal – a.k.a. Nacho – is the name behind the project Bosques de Mi Mente and responsible for driving his listeners down the memory lane throughout beautiful and strong notes. Hard not to be touched by his compositions. Here he speaks to so vast is art about his work.

How would you describe your work?

It is hard to describe one self’s work. I would say my artistic output is made of minimalist pieces that attempt to bring back old memories from childhood and set some emotional moods and feelings that are buried deep inside us due to our daytime routine.

What inspires you?

As my artistic name says, I find most of my inspiration deep inside the forests of my mind. Lost memories from my childhood, feelings of things that have already passed, experiences of my early life, some places were I grew up… Sometimes something from the outside gets my attention so powerfully that inspires me, but I think it is more of a reflection of what I have inside. I try to express all this with the only language I can think of: music.

Can you tell us about the mood of your work at NOVA?

The show at NOVA is really minimalistic. My set usually involves some string players, and very colorful visuals of old footage by a VJ I work with here in Madrid. At NOVA, working with Karl, the set was a lot more laid back, intimate and quiet. It is just the piano, the wonderful visuals of Karl dancing on the screen and the quiet hall. It is really powerful in a way, and allows me to use silence in a more striking and dramatic way.

As an artist do you prefer working on your own in collaboration?

I have worked in a bunch of great projects, in collaboration with wonderful artists, but with “Bosques de mi Mente”, I have always preferred to work alone, because the music is strongly linked with my own feelings and memories and I have always thought it would be hard to involve someone else in such a personal process.

What’s the most rewarding thing about being an artist?

For me, it is all about sharing your music for free with the rest of the world. My whole working process is based on the idea that art, culture and music in general are something that belong to the people, that enrich our lives, and that if we all share our little contribution with the rest, as Aristotle said: “The whole is greater than the sum of the parts”. Every time I receive an email saying “Hey, thanks for your music, it made me remember of something I thought it was lost”, that moment alone makes it all worth for me.

What do you love?

Simple things. Sharing time with my couple, practicing some sports, enjoying a good walk, and a good conversation, wandering off the point, and listening to good music. As I grow older, I feel the need for peace and quiet… and that also reflects in my music. That’s maybe my reaction to the stress of life, work, routine, rush… I fight it all with a moment of silence.

What’s playing on your iPod at the moment?

I used to be very aware of new artist in the experimental/ambient/postrock/whatever scene some years ago, but nowadays I’m getting back to the classics, so you can find a lot of Arvo Pärt, Satie, Rachel’s and Debussy on my iPod and when I need something modern/noisy, Radiohead, Los Planetas (a spanish indie band) or Epic45 come to the fore.

What’s next for you?

Even though Bosques de mi Mente has always been something very personal for me, nowadays I am planning to start collaboration with a string quartet in a permanent basis, so we can build music differently, in a more communal way. Also, after “Colores”, I am really interested in something more electronic, I would like to experiment and see what happens.

Text Juliana D Chohfi

Ignacio Nieto Carvajal - a.k.a. Nacho - é o nome por trás do projeto Bosques de Mi Mente e responsável por conduzir os seus ouvintes pelos obscuros caminhos da memória através de lindas notas e de uma força indescritível. Difícil não ser tocado por suas composições. Aqui, ele fala ao so vast is art sobre seu trabalho.

Como você descreveria o seu trabalho?

É difícil descrever seu próprio trabalho. Eu diria que a minha produção artística é feita de peças minimalistas que tentam trazer de volta velhas lembranças da infância e definir alguns e sentimentos e emoções que estão profundamente enterradas dentro de nós devido à nossa rotina durante o dia.

O que te inspira?

Como o meu nome artístico diz, eu acho a maior parte da minha inspiração dentro de profundas florestas da minha mente. Lembranças perdidas da minha infância, sentimentos de coisas que já passaram, experiências de minha infância, alguns lugares onde eu cresci… Às vezes, algo de fora chama a minha atenção de forma tão poderosa que me inspira, mas eu acho que é mais uma reflexão do que eu tenho aqui dentro. Eu tento expressar tudo isso com a única linguagem que eu posso pensar: a música.

Você pode falar um pouco sobre o seu trabalho no NOVA?

O show no NOVA foi extremamente minimalista. Meu set geralmente envolve alguns músicos de cordas e efeitos visuais muito coloridas de imagens antigas feitas por um VJ que trabalha aqui em Madrid. No NOVA, trabalhei com Karl e o conjunto ficou muito mais descontraído, íntimo e tranquilo. Foi apenas o piano, as imagens maravilhosas de Karl dançando na tela e a sala silenciosa. Foi extremamente poderoso de certa forma, e me permitiu usar o silêncio de uma forma mais marcante e dramática ainda.

Como artista, você prefere trabalhar por conta própria ou em colaboração?

Eu trabalhei em um monte de grandes projetos em colaboração com artistas maravilhosos. Mas com “Bosques de mi Mente” eu sempre prefiro trabalhar sozinho, porque a música está fortemente ligada com os meus próprios sentimentos e memórias, e eu sempre achei difícil envolver alguém em tal processo pessoal.

Qual é a coisa mais gratificante de ser um artista?

Para mim, é tudo sobre o compartilhamento de músicas de graça com o resto do mundo. Meu processo inteiro de trabalho está baseado na idéia de que arte, cultura e música em geral são coisas que pertencem ao povo, que enriquecem nossas vidas. E que se todos nós compartilhamos nossa contribuição com o os outros… como disse Aristóteles: “o todo é mais do que a soma de suas partes’”. Toda vez que eu recebo um e-mail dizendo: “Ei, obrigado pela sua música, isso me fez lembrar de algo que eu pensei que estava perdido”, esse momento faz com que tudo valha a pena para mim.

O que você ama?

As coisas simples. Compartilhar meu tempo com os outros, a prática de alguns esportes, desfrutar de uma boa caminhada, e uma boa conversa, vagar por aí e ouvir uma boa música. À medida que envelheço, sinto a necessidade de paz e sossego… e isso também se reflete na minha música. Essa é talvez a minha reação ao estresse da vida corrida, da rotina de trabalho… Eu luto contra isso tudo com um momento de silêncio.

O que está tocando no seu iPod no momento?

Eu costumava ser muito antenado com artistas novo de experimental/ambient/postrock ou qualquer outra cena há alguns anos, mas hoje eu estou de volta aos clássicos, assim você pode encontrar um monte de Arvo Pärt, Satie, Rachel’s and Debussy em meu iPod e quando eu preciso de algo moderno/barulhento, Radiohead, Los Planetas (uma banda indie espanhola) ou Epic45 vêm à tona.

O que vem por aí pra você?

Apesar de Bosques de mi Mente sempre ter sido algo muito pessoal para mim, hoje eu estou planejando para iniciar a colaboração com um quarteto de cordas em uma base permanente, para que possamos construir música diferente, de uma forma mais comunitária. Além disso, após “Colores”, eu estou realmente interessado em algo mais eletrônico, eu gostaria de experimentar e ver o que acontece.

Texto Juliana D Chohfi

Interview with Karl Kliem

Mon, 02 Jul 2012 15:02:00 -0300

Karl Kliem is known for his minimalist musical visualizations. Besides videos, Kliem has several works in the areas of multimedia, web design, TV, soundtrack production, films and interactive installations. And has recently been in Brazil for his wonderful presentation at NOVA.

How would you describe your work?

Making visual representations of musical works.

What inspires you?

Nature, math and physics. The internet. Travelling.

Can you tell us about the mood of your work for NOVA?

At NOVA I was invited to work together with Bosques de mi Mente. As his music is mostly melancholic, piano music; I worked with subtle movements of white dots or lines projected on a black fabric. I think it fitted the mood of the music quite well.

As an artist do you prefer working on your own or in collaboration?

It depends. There are different degrees of collaboration. When doing visuals for music, usually the music has been done before and I am sitting in my office building a visual representation for it without any feedback of the artist at first. If the outcome withstands my taste I would send it to the musician. Sometimes they like it the way it is. Sometimes I would adjust it.

What’s the most rewarding thing about being an artist?

In general I would say the freedom to fiddle with things that you like to think about and want to explore. Not being dependent on someone else’s duties. And it’s a privilege being able to learn. But I think as soon as you would have to make a living with art you get into similar dependencies as in any other profession.

What do you love?

Cycling along a sunny shore with a breeze.

What’s playing on your iPod at the moment?

An audio book of author Thomas Bernhard: Ein Kind (A Child).

What’s next for you?

Updating the automated visuals for Mouse on Mars. Finding opportunities to play in concerts with Bosques de mi Mente. I’m also redesigning my Website. And thinking about the next Killerapp, besides doing a lot of administrative tasks.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Karl Kliem é conhecido por suas visualizações musicais minimalistas. Além dos vídeos, Kliem possui diversos trabalhos na área de multimídia, web design, TV, produção de trilhas sonoras, filmes e instalações interativas. Karl esteve recentemente no Brasil para uma apresentação memorável no NOVA.

Como você descreveria o seu trabalho?

Faço representações visuais de obras musicais.

O que te inspira?

Natureza, matemática e física. Internet e viajar.

Você pode falar um pouco sobre o seu trabalho para o NOVA?

No NOVA eu fui convidado para trabalhar em conjunto com Bosques de mi Mente. Como sua música é melancólica; música de piano, eu trabalhei com movimentos sutis de pontos brancos ou linhas projetadas em uma tela preta. Eu acho que se encaixou muito bem com o clima da música.

Como artista, você prefere trabalhar por conta própria ou em colaboração?

Depende. Existem diferentes níveis de colaboração. Quando faço projeções para música, geralmente a música é feita antes enquanto eu estou sentado no meu estúdio construindo uma representação visual para ela, sem qualquer feedback do artista inicialmente. Se o resultado me agrada, eu então envio para o músico. Às vezes, eles gostam do jeito que está. Às vezes eu tenho que fazer ajustes.

Qual é a coisa mais gratificante de ser um artista?

Em geral, eu diria que a liberdade de mexer com coisas que você gosta de pensar e quer explorar. Não ser dependente de funções de outras pessoas. E é um privilégio ser capaz de aprender. Mas eu acho que assim que você tem que ganhar a vida com arte, você entra nas dependências semelhantes de qualquer outra profissão.

O que você ama?

Andar de bicicleta ao longo de uma praia ensolarada com uma brisa.

O que está tocando no seu iPod no momento?

Um livro-áudio do autor Thomas Bernhard: Ein Kind (A Criança).

O que vem por aí pra você?

Estou atualizando as projeções automatizadas para Mouse on Mars. Estou buscando oportunidades para tocar em concertos com Bosques de mi Mente. E também estou redesenhando o meu site. E pensando na próxima Killerapp, além de fazer um monte de tarefas administrativas.

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão

Interview with Clemens Behr

Wed, 27 Jun 2012 15:32:00 -0300

German artist, Clemens Behr uses the simplest materials to create complex, architectural and ephemeral forms. Imagine folding and origami. Now imagine galleries taken by these massive structures… Behr uses recycled materials and basic geometric forms to shape his imagination into installations that blur the boundaries between 2D painting and 3D objects.

What drew you to get involved in Arts in the first place?

I got involved in art throughout my early experience with graffiti. It then developed from letters to characters and then further to abstract works and three-dimensional installations, which in the beginning where holding a lot of the graffiti elements.

Can you tell us about the mood of your work for NOVA?

Well, the mood always adapts to the space I work in, as well as colors and shapes. I guess the mood also always depends on the colors I use. If it is a neon rainbow colored piece, or a grey piece with loads of sharp edges. But in general NOVA is always a kind of fun improvisation for me.

What inspires you?

Music, nice and interesting corners in cities and walks through hardware-centers.

What are your main influences?

Well, first of all I would say my friends. But further I would say Matta Clark, Schwitters as well as Dada and Cubism.

How does your creative process start?

Depends, considering an installation in the street for example, I see the spot I want to work on and then spend sometime thinking about the work, considering colors and shapes… then I just get all the stuff together and let the piece grow like a collage. If it were a work in blank environment of course I’d prefer to come up with a concept but after that I just start and let it build up as well.

How do you know your work is ready?

If I think there is nothing more to add. But I often add too much. These days I like to work on things that can be constantly changed by the visitor. I don’t like the idea of perfect finished work. In the end they all add up to the process.

What does art mean to you?

Sometimes more sometimes less.

What’s playing on your iPod at the moment?

Hauschka-Salon des Amateurs.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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O artista alemão Clemens Behr usa os mais simples materiais para criar complexas formas arquitetônicas e efêmeras. Pense em dobraduras e origami. Agora imagine galerias tomadas por essas gigantes estruturas…para tais criações, Behr usa materiais reciclados e formas geométricas básicas, que materializam sua imaginação em instalações que borram os limites entre a pintura 2D e objetos 3D.

Como você se envolveu com Artes?

Eu me envolvi com artes durante a minha primeira experiência com grafite. Em seguida, fui desenvolvendo o trabalho, as letras se tornaram caracteres e depois passei para obras abstratas e instalações tridimensionais, que no início, tinham muitos de elementos do graffiti.

Você pode falar um pouco sobre o seu trabalho para o NOVA?

A peça sempre se adapta ao espaço em que trabalho, bem como cores e formas. Eu acho que o trabalho também varia muito de acordo com as cores que eu uso. Pode ser um trabalho tipo um arco-íris de néon colorido, ou algo cinzento com arestas duras. Mas, em geral, no NOVA é sempre um trabalho de improvisação que é muito divertido para mim.

O que te inspira?

Música, cantos de cidades agradáveis e interessantes e caminhadas em centros de eletrônicos e hardware.

Quais são suas principais influências?

Bem, em primeiro lugar eu diria que os meus amigos. Mas, além disso, eu diria Matta Clark, Schwitters, e até Dadá e Cubismo.

Como começa o seu processo criativo?

Depende, considerando uma instalação na rua por exemplo, eu vejo o ponto que eu quero trabalhar e, em seguida, passo algum tempo pensando sobre o trabalho, considerando cores e formas… então coloco todas as peças juntas e deixo o trabalho crescer como uma colagem. Se for um trabalho em ambiente branco ou neutro, é claro que eu prefiro criar um conceito, mas depois que eu começo, eu deixo o trabalho se construir.

Como você sabe que o trabalho está pronto?

Quando eu acho que não há mais nada a acrescentar. Mas muitas vezes eu acrescento muito. Atualmente eu prefiro trabalhar com coisas que podem ser constantemente alteradas pelo espectador. Eu não gosto da idéia de trabalho com um acabamento perfeito. No final, todos contribuem para o processo.

O que a arte significa para você?

Às vezes mais, às vezes menos.

O que está tocando no seu iPod no momento?

Hauschka-Salon des Amateurs.

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão

Blissful paintings: Will Cotton

Fri, 22 Jun 2012 17:54:00 -0300

Delightful, delicious, blissful and sweet are a few words that come to mind (at least my mind!) when presented to Will Cotton’s paintings. Born in 1965, in Massachusetts, Cotton’s hyperrealist work symbolizes habits of consumption, of appetite and its indulgence throughout images of candy in between landscapes made out of sugar products of all kinds.

It seems that Cotton evokes abundance, celebration and infinite riches in his works through the use of doughnuts, pastry, and tarts mixed with female figures in what he calls a ‘Candy Forest’. And yet, according to the artist, it’s not all about beauty and lust; the sugar and extrasensorial overdose in his works are actually meant to both attract and repulse our stomachs.

Either attractive or repulsive, I couldn’t help but imagine his studio space… a kid’s dream of candy… something like Willy Wonka & the Chocolate Factory… Yum! I would definitely be up for a ride!

Text Juliana D Chohfi

Photo www.willcotton.com

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Delicioso, saboroso, apetitoso e doce são algumas palavras que vêm à cabeça (pelo menos pra mim) quando vejo as pinturas de Will Cotton. Nascido em 1965, em Massachusetts, o trabalho hiper-realista de Cotton simboliza os hábitos de consumo, de apetite e indulgência dos americanos, sempre sob a forma de doces entre paisagens feitas de produtos derivados de açúcar de todos os tipos.

Parece que Cotton evoca riquezas infinitas, celebração e abundância em suas obras através do uso de donuts, tortas, biscoitos, balas e pirulitos misturados à figuras femininas retratados em um lugar que ele chama de “Candy Forest”. Mas, segundo o artista, nem tudo é doce e bonito, a overdose de açúcar e de sensações em suas obras são na verdade tanto para atrair e repelir nossos estômagos.

Atraente ou não, não pude deixar de imaginar como seria seu estúdio…um sonho de criança…algo como Willy Wonka e a Fantástica Fábrica de Chocolates…Hum! Eu com certeza iria atrás do tal bilhete dourado para entrar nesse passeio!

Texto Juliana D Chohfi

Foto www.willcotton.com

instagraming art!

Thu, 21 Jun 2012 19:37:00 -0300

Exhibition: Patchbox Project

Wed, 20 Jun 2012 11:25:00 -0300

Imagine an art exhibition where the works are sent in digital format, printed by the curators, and yet are still considered art. Sounds crazy but that’s the idea behind the PATCHBOX project that is happening in Pigneto, artsy neighborhood of Rome, since May 17.

The project was especially conceived by the creative studio elsewhere factory for CARGO, a hybrid space that works as an art gallery, bar and club, and is an exclusive meeting point for artists, musicians, designers, DJs and art lovers. The exhibition brings together more than 50 artists invited from all around the world and proves that digital prints can be considered art despite its endless possibilities of replicas.

The works of PATCHBOX are numbered, stamped and signed by the curators and sold by the symbolic amount of 10 euros each. When buying an artwork and taking it home, the public collaborates with the constant transformation of the exhibition; the space of the artwork that was bought remains empty for 48 hours until a new work takes its place. The progressive changes are documented and communicated through the official website of the project and other social medias.

Highlights of featured in the exhibition are the illustrations and collages of the Belgian Hervé Dieudonné; collages with textures of the Chilean Jose Romussi; illustrations by Italian Crisitina Gardumi; illustrations and photography of British artist Amy Ellis; works by Polish artist Lukasz Wierzbowski and works by Italian artist Lisa Gelli. More than a dynamic and very unpretentious exhibition, the PATCHBOX still preaches the love of art for art, all the income collected on sales will be reversed in the book-catalog of the exhibition.

The exhibition is up to July 17 at Cargo - Via Del Pigneto 20, Rome. More information on www.patchboxproject.com

Text Juliana D Chohfi

Photo courtesy of the artists - top clockwise: Cristina Gardumi; Hervé Dieudonné; Jose Romussi; Amy Ellis. Bottom: Lukasz Wierzbowski; Lisa Gelli

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Imagine uma exposição de arte onde as obras são enviadas em formato digital, são impressas pelos curadores, e mesmo assim são consideradas arte. Parece loucura mas essa é a ideia por trás do projeto PATCHBOX que acontece em Pigneto, bairro artsy de Roma, desde 17 de Maio.

A ideia do projeto foi concebida pelo estúdio criativo elsewhere factory especialmente para o CARGO, um espaço híbrido de arte que funciona como galeria, bar e clube, e é ponto de encontro exclusivo de artistas, músicos, designers, DJs e amantes da arte. A exposição reúne mais de 50 artistas convidados de todo o mundo e prova que peças digitais podem sim ser arte apesar de sua matriz que permite réplicas infinitas.

As obras do PATCHBOX são numeradas, carimbadas, assinadas pelos curadores e vendidas à um preço simbólico de 10 euros cada. Ao comprar uma obra de arte e levá-la consigo, o público colabora com a constante transformação da exposição, o espaço da peça comprada fica vazio por 48 horas até que uma nova obra tome o seu lugar. Essas mudanças progressivas são documentadas e comunicadas através do site oficial do projeto e de mídias sociais.

Obras em destaque do projeto são as ilustrações com colagens do belga Hervé Dieudonné, as colagens com texturas do chileno Jose Romussi, ilustrações da italiana Crisitina Gardumi, ilustrações e fotografia da britânica Amy Ellis, fotografias do polonês Lukasz Wierzbowski e as ilustrações da italiana Lisa Gelli. Mais do que um projeto dinâmico e extremamente despretensioso, o PATCHBOX ainda prega o amor da arte pela arte, toda a renda arrecadada nas vendas será revertida no livro-catálogo da exposição.

A exposição fica até dia 17 de Julho no Cargo – Via Del Pigneto 20, Roma. Mais informações no www.patchboxproject.com

Texto Juliana D Chohfi

Foto cortesia dos artistas - topo sentido horário: Cristina Gardumi; Hervé Dieudonné; Jose Romussi; Amy Ellis. Duas últimas: Lukasz Wierzbowski; Lisa Gelli

Last week of NOVA 2012...

Wed, 06 Jun 2012 14:46:00 -0300

The past week was NOVA’s last week and we celebrated in great style. On Wednesday, May 30, the theater of SESC received the public for a night nearly classical, a night of a certain silence and introspection. Bosques de Mi Mente presented his piano solos accompanied by digital sound interference alongside Karl Kilem, responsible for the visual projections. The pair couldn’t be better. Perfect synchronization of sound and image, it even seemed that everything was done by the same hands.

Still on Wednesday evening, Eluvium, Abstract Birds and Quayola did a beautiful show. Unlike Bosques de Mi Mente, Eluvium came on stage with a bit of a base in his music. A delicate and profound base. Although the images projected by Abstract Birds and Quayola had harsh forms, they were still in harmony with the sound. Eluvium’s notes seemed to be generated from the light reflected on the metalic geometric shapes on the screen. Just beautiful!

On Thursday, May 31, the audience officially said goodbye to NOVA on a night of pure fun and great music at the choperia of SESC. Hess is More had the audience dancing, smiling and clapping with their Disco-Punk-Folk-Pop-Jazz-World-Party sound and style! To close the night and NOVA, nothing better than NOIA, the band, that set the stage on fire with their Pop-Rock-Electronic sound. What a blast!

It’s been almost a week that the NOVA Festival is over… and nearly two months of intense work, art and good music are now starting to be transformed into memory, good memories! Good memories that will leave a feeling of ‘encore’ in our minds until the other edition comes up. Thank you so much all of you who participated with us in this great festival. And we, here at NOVA, we carry on following Hess is More’ philosophy: “Creation Keeps the Devil Away”. See you next time!

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Semana passada, última semana de NOVA (snif!), fechamos o festival com chave de ouro. Na quarta-feira, 30 de Maio, o teatro do SESC recebeu o público para uma noite quase que erudita, de um certo silêncio e introspecção. Bosques de Mi Mente apresentou seus solos de piano acompanhados de interferências sonoras digitais ao lado de Karl Kilem, responsável pelas projeções visuais. A dupla não podia ter dado mais certo. Sincronia perfeita de som e imagem, parecia até que tudo era feito pelas mesmas mãos.

Se apresentaram também na noite de quarta-feira, Eluvium, Abstract Birds e Quayola. Diferente de Bosques de Mi Mente, Eluvium entrou com uma base. Base delicada e profunda. Embora as imagens projetadas por Abstract Birds e Quayola tivessem formas duras, ainda assim casaram com o som. As notas de Eluvium pareciam ser geradas a partir da luz refletida nas formas geométricas de metal projetas no telão. Lindo!

Na quinta-feira, 31 de Maio, o público se despediu oficialmente do NOVA em uma noite de pura animação na choperia do SESC. Hess is More fez o público dançar, sorrir e aplaudir com seu som Disco-Folk-Pop-Punk-Jazz-World-Party e com muito estilo! Para fechar a noite e o NOVA, nada melhor do que a banda NOIA, que incendiou o palco com seu som Pop-Rock-Eletrônico. Pura explosão!

É, faz quase uma semana que o NOVA Festival acabou… e quase dois meses intensos de trabalho, arte e muita música boa começam a se transformar em lembrança, e põe lembrança nisso! Lembranças boas que deixaram a sensação de “quero mais” até que venha outra edição. Deixamos aqui o nosso imenso agradecimento ao público e à todos os envolvidos que participaram com a gente deste grande festival. E nós aqui, do NOVA, vamos seguindo sob a filosofia de Hess is More “Creation keeps the Devil away”. Até a próxima!

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão

Interview with Byetone!

Tue, 05 Jun 2012 18:28:53 -0300

I was granted the chance to talk to Olaf Bender a.k.a. Byetone on a quick cigarette break just before he went on stage at NOVA. I say granted because, yes, I am an electronic music lover and a great fan of his work. Press play!

I would like to start with how you got involved with electronic music in the first place.

It was a long time ago, in East Germany during the 80s… At that time we already tried to do some kind of electronic music. Artists like Lauri Andersen and The Residents and even artists from the new wave influenced us a lot. We were trying to do electronic music without any synthesizers so we worked a lot with tape loops. I think today my main background is that I was never trained in a traditional way to do music. And only the machines and computers gave us the chance to create music without real knowledge. When I was 18 I wasn’t really interested in learning proper instruments.

Did you use DAT tapes?

Not at that time, these tapes came later. At that time we used old analog tapes. We cut it and glued it; it was really old school. We did everything without the technology of nowadays.

How would you describe your sound?

I cannot really describe it. I’m not a very intellectual person so I prefer to feel the music. I always look for intensity in my music. I like music that can shut up your brain, the music that goes through the body. I look for the physical touch in the music so I don’t know what style it is. Electronic music was in the beginning very influenced by black music and the first techno records came from producers from Chicago and Detroit… what I really like about electronic music and what is really interesting for me is how much you can take out of the music and hold on to that energy. For example, if you listen to Disco music from the 70s, the breaks are the best part of it, not the chorus. And I’m a white guy from East Germany and I had to bring my influences into the music and when I started I thought ‘Okay, we are white, we are not so sexy or whatever and we are engineers, serious engineers’ and this is what I try to combine in my music: my nature with something shamanic. Basically, I try to use the technology in a very shamanic way.

Would you say music is a universal language?

Yes. I think music is the last universal language we own. The language itself is a bit difficult. A lot of words are use for advertisement or whatever and it gets superficial while music goes into the end of your brain. And this is what I really like. (laughs) Music doesn’t have a weight, it isn’t physical; even if you collect music in the end you only have notes. This is what I think is really interesting in music because you cannot hang music, you have to listen to it and it’s exactly in this moment where you really enjoy it.

What inspires you?

Almost everything from outside the music. I was really influenced by films. I did a lot of experiments with film. São Paulo is inspiring me because there are a lot of colors and you don’t see this kind of colorful environment in Germany. Anything outside of music inspires me; even a wave in the ocean can serve as inspiration. It’s stupid in the end but it’s all about moments.

I understand you have a record label back in Berlin. Would you like to talk a bit about it?

The label runs for 16 years now. We now have everything under control. Back there when we started, everything was much easier to be done. The same machine that did the music worked for doing the visuals… You didn’t have to spend millions of Euros to build up a business. The main thing behind the label was to have control over everything we did and the other thing was that we needed so much help from companies to do our work and I think that you can’t compromise yourself too much when it comes to art. So that’s why we founded the label. And it ended up being more like a platform for artists. All the artists in our label are kind of members of the company as well. They have a lot of freedom to do what they want to do. This is the idea behind, to become free.

Do you have a favorite club?

Oh yes. There are a lot of clubs I really like but one of my favorites is Berghain. I like Berghain during the week. I think the guys there really respect music and they could take out much more profit but they always look first into the music. There’s another club I really like in Kyoto and it’s a 120 people audience only but the concept is exactly the same as I was saying. I don’t know how they finance it but they have an incredible sound system, they do great bookings and they always surprise people. They just serve what they think is good. It’s like a good radio station; you never know the next song and they surprise you; they don’t serve the songs you already know. They show music that you don’t know but you still like it.

Were you upset that Bar25 was shut down?

Yes. I mean I’m upset that the whole area is owned by O2 and everything was shut down. It was a good party place. You could go there on a Friday evening and maybe you would leave on Sunday evening, it was really nice. It was always celebrating the weekend kind of in a flower power times (laughs) but in a nice modern way. But I would still prefer Berghain because I’m not a big fan of this beautiful beach party mood. I like the darkness of the night.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Eu tive a chance de conversar com Olaf Bender a.k.a. Beytone durante uma rápida pausa para um cigarro minutos antes dele subir ao palco do NOVA. Eu diria até que tive a sorte de conversar com ele. Porque, sim, sou amante da música eletrônica e mais do que isso, sou fã do trabalho dele. Dá play!

Eu gostaria de começar com como você se envolveu com música eletrônica.

Foi há um tempo atrás, na Alemanha Oriental durante os anos 80… Naquela época a gente já tentava fazer algum tipo de música eletrônica. A gente foi muito influenciado por artistas como Lauri Andersen e The Residents e até mesmo artistas de new wave. A gente estava tentando fazer música eletrônica sem sintetizadores e usava muito fitas em loop. Eu acho que hoje minha principal formação é justamente eu não ter sido treinado de uma forma acadêmica para fazer música. E somente as máquinas e computadores nos permitiram criar música sem um conhecimento real. Quando eu tinha 18 anos eu não estava muito interessado em aprender instrumentos de verdade.

Você usava fitas DAT?

Não naquela época, essas fitas vieram mais tarde. Naquela época, a gente usava fitas analógicas antigas. A gente cortava e colava na mão mesmo, bem old school. Fizemos tudo sem a tecnologia de hoje.

Como você descreveria o seu som?

Eu não consigo descrever. Eu não sou uma pessoa muito intelectual por isso prefiro sentir a música. Eu sempre olho para a intensidade na minha música. Eu gosto de música que faz parar o seu cérebro, a música que passa dentro do corpo. Eu olho para algo físico na música, então eu não sei que estilo é. A música eletrônica foi no início muito influenciada pela música black e os primeiros discos do Techno vieram de produtores de Chicago e Detroit… o que eu realmente gosto sobre a música eletrônica e o que é realmente interessante para mim é o quanto você pode tirar da música e manter sob a forma de energia. Por exemplo, se você ouvir música Disco dos anos 70, os breaks são a melhor parte, não o refrão. E eu sou um cara branco da Alemanha Oriental e eu tinha que trazer as minhas influências pra música e quando eu comecei eu pensei “Ok, nós somos brancos, não somos tão sexy mas somos engenheiros, engenheiros sérios” e isso é o que eu tento combinar na minha música. Combina a minha natureza com algo xamânico. Basicamente, eu tento usar a tecnologia de uma forma xamânica.

Você diria que a música é uma língua universal?

Sim. Acho que a música é a última língua universal que possuímos. A própria linguagem já é um pouco difícil. Um monte de palavras são usadas em propaganda ou o que quer seja e acabam ficando superficial, enquanto a música vai lá no final do seu cérebro. E é isso que eu gosto mesmo. (risos) A música não tem um peso, não é física, mesmo se você colecionar música, no final você só tem notas. Isso é o que eu acho muito interessante na música, porque você não pode pendurar a música, você tem que ouvir e é exatamente neste momento em que você realmente entende.

O que te inspira?

Quase tudo fora da música. Eu fui muito influenciado por filmes. Eu fiz um monte de experimentos com filme. São Paulo me inspira, porque tem um monte de cores e você não vê esse tipo de atmosfera colorida na Alemanha. Qualquer coisa fora da música me inspira, até mesmo uma onda no mar pode servir como inspiração. Parece bobo mas tem muito a ver com momentos.

Você tem uma gravadora em Berlim. Gostaria de falar um pouco sobre isso?

A label já existe há uns 16 anos. Agora temos tudo sob controle. Lá atrás, quando começamos, tudo era muito mais fácil de ser feito. A mesma máquina que fazia música servia para fazer as imagens… Você não tinha que gastar milhões de euros para construir um negócio. A principal coisa por trás da label era ter controle sobre tudo o que fazíamos e a outra coisa era que precisávamos de muita ajuda de empresas para fazer nosso trabalho e acho que você não pode se comprometer muito quando se trata de arte. Então é por isso que fundamos a gravadora. E acabou virando uma plataforma para artistas. Todos os artistas em nossa label são tipo membros da empresa também. Eles têm muita liberdade para fazer o que eles querem fazer. Esta é a idéia por trás, se tornar livre.

Você tem um clube preferido?

Ah, sim. Tem um monte de clubes que eu gosto bastante, mas um dos meus preferidos é a Berghain. Eu gosto da Berghain durante a semana. Eu acho que os caras lá respeitam de verdade a música e eles poderiam lucrar muito mais, mas sempre colocam a música em primeiro lugar. Tem outro clube que eu gosto bastante, é em Kyoto e é só cabe 120 pessoas, mas o conceito é exatamente o mesmo que eu estava falando. Eu não sei como eles financiam aquele lugar, eles têm um sistema de som incrível, sempre tem grandes nomes se apresentando e eles sempre surpreendem as pessoas. Eles só tocam o que eles acham que é bom. É como uma estação de rádio boa, você nunca sabe a próxima música e é surpreendido. Eles tocam música que você não conhece, mas você gosta mesmo assim.

Você ficou chateado que o Bar25 foi fechado?

Sim. Quer dizer, eu fiquei chateado porque toda a área virou propriedade da O2 e tudo foi foi fechado. Era um lugar bom. Você podia ir lá numa noite de sexta-feira e talvez você só saísse na noite de domingo, era muito bom. Lá sempre era celebrado fim de semana tipo o Flower Power de antigamente (risos) mas de uma maneira moderna. Mas ainda eu prefiro a Berghain, porque eu não sou um grande fã dessa festas bonitas na beira da praia. Eu gosto do dark da noite.

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão