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Interview with Mulheres Barbadas!

Henrique Lima and Julio Zukerman have beards, used to be art directors, they draw and are the heads and hands behind a vast work of drawings that many illustrators might envy. Henrique hates talking on the phone and Julio is a fan of deliveries. Ladies and Gentleman, Mulheres Barbadas.

How did you meet and decide to do the project together?

Henrique: We were Art Directors and worked together. We liked to draw and started drawing just for fun, just for drawing really; we didn’t have a goal with it…

Julio: We were drawing because the work was boring…

Henrique: At the beginning we used to draw on the computer. We had some ideas, came up with a website, created a name, put some silly stuff there, the website went online and we started to have some really good feedback. We worked for a couple of years in the Advertising agency while working on Mulheres Barbadas as a side project. But we liked more Mulheres Barbadas than our real job so we quit the agency in the first opportunity we had.

Julio: Even before we left the agency, there was already a lot going on for Mulheres Barbadas. We made some exhibitions but it was very limited and hard work because we had our shift in the agency and we would work night hours and weekends for Mulheres Brabadas. It was good in a way; we didn’t have to rely on the project to gain money so we had the chance to really go in the direction we wanted.

When you start drawing, do you have an idea ready or a printed reference maybe?

H: We always think about what we want to do, if it will be abstract or not… and this is the most striking difference between the drawings, at least when it’s a work where we’re free to do what we want. When we have clients, they give us the direction. But basically this is what we think when starting a new drawing.

J: Sometimes there’s kind of theme. At the Cinemateca last year we did only explosions and it was pretty cool.

H: But our standard is to have characters and forms all mixed together… if we don’t plan something in advance, that’s it. At NOVA, we usually do abstract. David left it free for us in the first edition that we did and it was very good. The abstract has the face of NOVA. But there’s also that thing, when we do too much characters it makes we want to make abstract, when we do a lot of abstract, we feel like doing characters and so it goes; back and forth. We also did some animation last year and we plan on doing more. We just do what we feel like doing.

Mostly the drawings are black and white?

J: Yeah. If we could choose they would all be black and white. In NOVA last year had no walls, there was only this cube that was painted in red so we drew in black over red. We don’t really care about drawing on top of other colors but one thing we will never so is fill in the elements with color.

H: Black and white makes the drawing not so childish, it mixes and integrates more the elements. The idea is that is all mixed up, even a bit confusing and color takes away this feeling. And also, we started doing black and white so it has to be black and white. People ask us for color and we go “No. It has to be black and white”. It has to be our way.

So how is the separation between a commercial project and an artistic project?

H: We try to be the most faithful to our style as possible. We try to make a commercial drawing as closer as possible to an artistic one. We take these jobs for the money. But we always end up with restrictions, when working with advertising there are rules and laws to followed. In art we play and explore more. And that’s where the work really evolves and in a future commercial work we have more background to create.

J: Some times the commercial project ends up boring because of the restrictions. But we still manage to work freely in some of these projects.

In one of your commercial projects you did a drawing on a car, right?

H: It was actually a private project but this was the crucial project for us to when we decided to quit our jobs. This project was nice because we do a lot of walls so we find it interesting to work on different objects. Hussein (Hussein Jarouche) of Micasa is very nice and very open, we go in to the store and see an amazing object and just pick it to draw. It’s pretty cool.

J: We also did a horse for him at São Paulo Fashion Week.

How do you deal with collaboration? You’re working on a sculpture of Mark Jenkins now…

J: This collaboration was something that we wanted to do.

H: We already knew Mark and his work, and we like the way he thinks and not only his work. There was one of his sculptures that was painted in white and we had the idea to draw over it. But not all collaborations are successful and it’s all right. We were supposed to work with Koen (Koen Delaere) but he came here with his work nearly so it didn’t happen.

J: We thought about doing some collaboration with the Good Wives and Warriors.

H: But that would have been very difficult because among the artists here, they are the closest to our work. It works best when the works are more distant or opposite.

J: What Momo did on our work on the first NOVA was pretty cool. Probably because it had nothing to do with our piece. He did some geometric shapes on top of our drawing. With the Good Wives and Warriors it wouldn’t be collaboration, it would be more of an intervention on their work.

H: But even if we didn’t do something together we had a great exchange of ideas with the girls. Even if the public can’t see it, it’s there.

And is it okay for you the fact that the drawings will be painted over and the work will no longer exist?

J: It’s okay. (laughs) We’re used to it.

H: It’s a bit painful depending on how long it has been exhibited. (laughs) But we aren’t bothered by it.

J: We had an incentive of MIS. Once NOVA was finished there, they painted all the walls but left some of our work. Sometimes we have this good surprise. In Recife it happened that they left the work exhibited for a longer period.

H: It happened at Micasa too. They were supposed to demolish our wall but it’s been three years since it’s there!

And what has changed in your work since you started?

H: I think our lines are more refined. At first we did different lines and time went by and our lines became more similar. There’s even some that say that it doesn’t seem to be two people doing the drawings. We draw better today. It is natural that it will improve with practice.

J: The compositions are also better.

H: At first we just drew on the computer. Then we started to make paper and then walls, objects…

J: We still use Photoshop, especially for commercial work. And to try some new stuff is pretty good too. We don’t use printed reference when you’re drawing; it’s all in our heads. But now we’re trained for it, so for new things we do some tests in Photoshop, it gives us the chance to refine the drawing or even learn something new.

So you have an idea of what you’re doing ready when you start the work?

H: No.

J: We’ve been doing this for so long that we no longer have to think about what to do. We have something that is standard and will thereafter add or remove elements. We create on the spot.

H: Yeah, there’s a lot of stuff that is standard, which always appears in the works but we always invent on top of what already has been done.

The corny question: What inspires you?

J: …

H: We’re always updated on what other people are doing. I think boredom is inspiring. Doing nothing inspires you to invent something to do. And just the fact of being called to do a project works as an inspiration. Deadlines also inspire. The exchange between artists inspires us a lot. We made our first animation because of a project we were in, we didn’t do the animation for the project itself because we were doing the mural, but we did it after, alone. It is this willingness to experiment that is inspiring.

You’ve been working with David for some time now; can you talk a bit about the experience of NOVA?

H: The coolest thing about NOVA is that it has a lot of people doing things together at the same time so this exchange in between artists really happens. There are many people in NOVA that we already know and are friends with but there’s always new people arriving with a work that you don’t expect and it is always interesting. After NOVA, we started to do more projects where we have contact with the public, but NOVA was one of the firsts that had artists working in a place where the public could see and interact. I associate this way of working a lot with NOVA.

J: It’s a way that the public who doesn’t really know to relate to our work in a cool way. I think all of the institutions where NOVA has taken place have an educational program. And it’s really cool because that’s when the most unusual questions happen! The way children see our work is very funny. I think that children have more patience to stare and enjoy our drawings than adults have. It’s great fun.

H: And we take part in NOVA because it’s really interesting. Interesting for us, for NOVA, for the public… we wouldn’t be here just to be here, it’s not worth it.

What’s playing on your iPod?

H: I don’t know… Battles. It’s pretty good. Their last album, Dross Glop is pretty cool.

J: I have very little music… What I really hear is Podcast. (laughs) One I like is Doug Benson - I Love Movies and Jack White’s latest album is damn good too.

And if you weren’t in the Mulheres Barbadas project, what would you be doing?

J: Probably we would be in the agency still. Earning a lot of money but very unhappy. (laughs)

H: Unfortunately. Or not. (laughs)

J: No. Fortunately our second option is very good.

So can you shave your beard?!

J&H: No. Never.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Interview with Ryoichi Kurokawa

Ryoichi Kurokawa has an outstanding audiovisual work hard to put into words. Hard even for him. Shy but extremely friendly, Ryoichi talked to me just before his presentation at NOVA, which is far away from being simple.

How would you describe your work?

I work with audiovisual and I present it as a concert with screen work in different formats. I often present my work in museums, Art projects and Media projects. It’s a mix.

I read some of your press releases and I understand that you don’t separate the image from the sound in your work. You see it as one thing.

I didn’t study any kind of Art. I make sound and video just by using the computer. So for me it’s only data and the data from the sound and image are kind of the same thing.

How did you get involved in audiovisual?

At first I did it just for pleasure and to share something with my friends. Then it evolved and became my job.

Can you tell us a bit about the work you will present tonight?

Today’s work is quite simple. I will use only two videos and play the sounds. Basically I don’t have a very strong concept on this. It’s a simple work and I don’t consider it conceptual. It’s just audiovisual.  

When doing your live, does the atmosphere of the place and audience influence the presentation?

No. I have planned everything in advance.

What inspires you?

My work is inspired by nature. Nature is the source of inspiration for my ideas and to create something new. I use only digital mediums, I don’t paint and I don’t play any instrument so nature is an inspiration because it is completely different from the digital world. I have many influences of nature in form, color and movement.

How are you enjoying NOVA?

I like it. I know David (David Quiles Guilló – curator) for three years now. I like his direction. It’s quite mixed: contemporary art, media art, design; it’s very well considered and has a lot to do with the art of nowadays.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Ryoichi Kurokawa é dono de um trabalho monstruoso difícil de colocar em palavras. Difícil até para ele. Tímido mas extremamente simpático, Ryoichi conversou comigo pouco antes de sua apresentação no NOVA, que de simples, não tem nada.

Como você descreveria o seu trabalho?

Eu trabalho com audiovisual e eu apresento sob a forma de um concerto com um trabalho de projeções em diferentes formatos. Eu costumo apresentar meu trabalho em museus, projetos de arte e projetos de mídia. É uma mistura.

Eu li alguns de seus releases e entendi que você não separa a imagem do som em seu trabalho. Você vê como uma coisa só.

Eu não estudei nada de Artes. Eu faço som e vídeo usando apenas o computador. Então, pra mim se trata apenas de dados e os dados de som e imagem são quase a mesma coisa.

Como você se envolveu em audiovisual?

No início fazia apenas por prazer e para poder compartilhar algo com os meus amigos. E acabou evoluindo até que se tornou o meu trabalho.

Você pode contar um pouco sobre o trabalho que você vai apresentar hoje à noite?

O trabalho de hoje é bastante simples. Vou usar apenas dois vídeos e reproduzir os sons. Basicamente, eu não tenho um conceito muito forte sobre isso. É um trabalho simples e eu não considero conceitual. É apenas audiovisual.

Quando você se apresenta ao vivo, a atmosfera do lugar e/ou o público influenciam a apresentação?

Não. Tenho tudo planejado com antecedência.

Onde busca sua inspiração?

Meu trabalho é inspirado pela natureza. A natureza é a fonte de inspiração para as minhas ideias e para criar algo novo. Eu uso apenas mídias digitais, eu não pinto e eu não toco nenhum instrumento, então a natureza é uma inspiração porque é completamente diferente do mundo digital. Eu tenho muitas influências da natureza quanto à forma, cor e movimento.

O que você está achando do NOVA?

Eu gosto bastante. Eu conheci o David (David Quiles Guilló - curador) há três anos. Eu gosto do seu direcionamento. É bem misto: arte contemporânea, arte digital, design; é muito bem pensado e tem muito a ver com a arte de hoje em dia.

 Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão

Interview with Optical Machines

Rikkert Brok and Maarten Halmans are the names behind the outrageous project Optical Machines. so vast is art talked to the duo just before they performed at NOVA.  

How did you get together and decide to create this project?

Rikkert: We started out together about 20 years ago making electronic music together, quite a while. We did shows together and at a certain point I started to study sound and image in university and Maarten was studying electronics; we both went separate ways. After our graduation we were thinking about doing things together again but we wanted to do something different. During my studies I got really interested in moving images so we wanted to combine sound and image together. So we started to collaborate again.

Maarten: The project we are showing today is not our first collaboration in sound and image. We did one before that was actually called Optical Machines and this is our second presentation; it’s called Shift. These two presentations although completely different are still based in the same sort of idea. The generation of both image and sound are equally important to create an installation that you can take part in as a visitor. So it’s not only a performance but also an installation.

So would you describe your work as an audiovisual installation?

M: Yes. And we also perform within the audiovisual installation. The installation could also run on its own but we prefer to do it in real time and try to find out where it will take us. It’s more like playing instruments instead of just an installation or just a performance. It’s somewhere in between.

This is probably the question you are asked the most. How did you come up with the projector, the machine itself?

R: We started with this small idea. It was based on trial and error. We would try things and add stuff, skip stuff until it started evolving. That’s how it was created but we always wanted to keep it sort of like an open construction so that the spectator can see not only the image but also where it comes from. But it’s always a work in progress. We are always changing stuff.

M: We start with a very basic idea and it evolves. It keeps changing. It becomes more complex and stuff is added to it and then it sort of starts to become a performance and from then on it’s sort of trial and error forever.

When performing, do you have the whole presentation ready or is it intuitive and you change it according to the response of the public?

R: More or less. We know the starting point and the end point but in between anything can happen. It also depends on the audience and the location. If you’re in a complete white hall, the ambience is completely different because you would have also reflections of the installation in the hall and this also changes and influences the performance.

Can you talk a bit about the presentation you’re doing tonight?

R: It’s called Shift and it’s about the lights shifting the image obviously. In a way it refers to a cinematic experience that is suggesting movement but there isn’t movement at all. It’s just the position of the lamps that change. It works best with abstract images because they overlap each other and you get a kind of interfering patterns; the effect works best with abstract forms. We did an installation for a theater play that had more figurative images. But we still prefer abstract images because it works better. For me, is more powerful otherwise we would be telling a story besides the projector itself and we want to avoid that as much as possible. The machine has to have a story of its own.

M: And also the spectator has a big role in what kind of thing he or she sees and how they feel it and what they make up. As soon as you use real images it sort of fills in the spectator with ready-made ideas that come from that image. There is less to the imagination.

But is there something you want to provoke on the spectator?

M: No. Not really. It’s only about sitting, watching and listening. That’s it.

R: The moment we perform we just try to make the best out of it.

M: It’s hard work because we’re also juggling with the stuff around and we have to keep it all going while making the changes.

R: And there are also a lot of parameters that can differ. The position of the sheet, for example, or the movement of the sheets can make a huge difference on the projection. There’s always this tension because I use paper sheets and they’re very light, fragile and are likely to tip over… I like the tension of it and I like to bring that tension into the audience. I try to, I do my best for the sheets not to tip over but sometimes it happens and it’s part of performing live.

Do you do collaboration with other kinds of Art?

M: We did it for ROJO.

R: Sometimes. We did a few things for theater companies and last year we did two collaborations for ROJO with other artists. But we are really a duo. We love to perform as Optical Machines. In a way we are trained to do this, you know? For me it’s best if we collaborate just the two of us because in this way I can really get into it.

When developing your project does the image or the sound come first?

R&M: No.

R: When we created Shift, image and sound were together. We both worked on the sound, the installation and the image… We’re now working on a new sequence for Shift and we both come up with the ideas and how it should be designed. Maarten is more like the technical brain and I try to bring in the creative input.

What inspires you?

M: It can be anything but mostly small things. Something small you see or something strange that is happening. Like when you’re lying down in your bedroom and you have the shades in a certain position and a car drives by and some real strange thing happens… That’s really inspiring. It’s not only about high-tech stuff; it’s mostly low-tech and really easy things. Things that are simple but really effective.

R: When I was studying I was really inspired by abstract computer generated imagery. I wanted to do this in my own way without using computers and try to get this abstract patterns working and do it in a large scale. For me it’s a big influence, I really love abstract computer generated images.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Rikkert Brok e Maarten Halmans são os nomes por trás do audacioso projeto Optical Machines. so vast is art conversou com a dupla pouco antes de eles se apresentarem no NOVA.

Como vocês se juntaram e decidiram criar o projeto?

Rikkert: Nós começamos a trabalhar juntos cerca de 20 anos atrás fazendo música eletrônica, já faz um bom tempo. Nós nos apresentávamos juntos e em um dado momento eu comecei a estudar som e imagem na universidade enquanto Maarten estudava eletrônica; nós dois seguimos caminhos separados. Depois da nossa formatura, a gente pensou em fazer coisas juntos de novo, mas nós queríamos fazer algo diferente. Durante meus estudos, eu fiquei extremamente interessado por imagens em movimento, então nós resolvemos combinar som e imagem juntos. Então começamos a trabalhar juntos novamente.

Maarten: O projeto que vamos apresentar hoje não é a nossa primeira colaboração em som e imagem. Nós fizemos um antes que chamava Optical Machines mesmo e esta é a nossa segunda apresentação, que se chama Shift. Essas duas apresentações, embora completamente diferente, são baseadas no mesmo tipo de idéia. A geração de imagem e som são igualmente importantes para criar uma instalação que você pode participar como visitante. Então não é só uma performance, é também uma instalação.

Então você descreveria o seu trabalho como uma instalação audiovisual?

M: Sim. E nós também fazemos uma performance na instalação audiovisual. A instalação também pode ser executada por conta própria, mas preferimos fazer em tempo real e tentar descobrir onde isso vai nos levar. É mais como tocar instrumentos ao invés de ser apenas uma instalação ou apenas uma performance. É algo que está aí no meio.

Esta é provavelmente a pergunta que vocês mais ouvem. Como surgiu o projetor que vocês mesmos desenvolveram?

R: Começamos com essa idéia pequena. Foi tudo baseado em tentativa e erro. Fomos testando coisas e adicionando outras, deixando outros elementos para trás até que a idéia começou a evoluir. Foi criado assim, mas sempre quisemos mantê-lo como uma espécie de construção aberta para que o espectador podssa ver não apenas a imagem, mas também de onde ela vem. Mas é sempre um trabalho em andamento. Estamos sempre mudando coisas.

M: Nós começamos com uma idéia muito básica que evolui. E está sempre mudando. Torna-se mais complexo, vamos adicionando materiais até que de repente começa a se transformar em uma performance e a partir daí é uma espécie de tentativa e erro para sempre.

Quando se apresentam, vocês tem toda a apresentação pronta ou é intuitivo e vocês mudam de acordo com a resposta do público?

R: Mais ou menos. Sabemos o ponto de partida e o ponto final, mas entre eles tudo pode acontecer. Também depende do público e do lugar. Se você estiver em uma sala totalmente branca, o ambiente é completamente diferente de uma teatro, por exemplo. Porque você tem reflexos da instalação no espaço e isso muda e influencia a performance.

Você pode falar um pouco sobre a apresentação desta noite?

R: Chama-se Shift e é sobre mudança de luz e imagem, obviamente. De certa forma, se parece com uma experiência cinematográfica que sugere movimento, mas não há movimento algum. É apenas a posição das lâmpadas que muda. E funciona melhor com imagens abstratas, porque as imagens se sobrepõem e você ganha um tipo de padrão de interferência, o efeito funciona melhor com formas abstratas. Fizemos uma instalação para uma peça de teatro que tinha imagens figurativas. Mas nós ainda preferimos imagens abstratas, simplesmente porque funciona melhor. Pra mim, fica muito mais poderoso, senão estamos contando uma história além do próprio projetor e queremos evitar isso ao máximo. A máquina, projetor tem que ser sua própria história.

M: E o espectador também tem um grande papel no tipo de coisa que vê, sente e como interpreta o que está sendo passado. Quando você usa imagens reais o espectador já é preenchido com idéias prontas que vêm junto dessa imagem. Sobra menos para a imaginação.

Mas há algo que vocês querem provocar no espectador?

M: Não. É apenas sentar, assistir e ouvir. É isso.

R: E no momento em estamos ali, damos o nosso melhor.

M: É um trabalho difícil porque também estamos fazendo malabarismos com os materiais que usamos  e temos que manter a apresentação rolando enquanto fazemos as mudanças.

R: E há também uma série de parâmetros que podem mudar a projeção. A posição da folha, por exemplo, ou o movimento das folhas podem fazer uma grande diferença na proteção. Há sempre essa tensão porque eu uso folhas de papel e elas são muito leves, frágeis e tendem a tombar… Eu gosto dessa tensão e gosto de levar a tensão para a platéia. Eu tento, eu faço o meu melhor para que as folhas não tombem, mas às vezes acontece e é parte de se apresentar ao vivo.

Você faz colaboração com outros tipos de arte?

M: Nós fizemos para a ROJO.

R: Às vezes fazemos sim. Nós fizemos algumas coisas para peças de teatro e no ano passado fizemos duas colaborações para a ROJO com outros artistas. Mas nós somos mesmo um duo. Nós amamos atuar como Optical Machines. De certa forma somos treinados para fazer isso, entende? Pra mim é melhor se nós colaboramos apenas entre nós dois, aí eu posso entrar de cabeça mesmo.

Ao desenvolver seus projetos, a imagem ou o som surge primeiro?

R&M: Não.

R: Quando criamos o Shift, a imagem e o som estavam juntos. Nós dois trabalhamos no som, na instalação e na imagem… Nós estamos trabalhando agora em uma nova seqüência para a o Shift e nós dois temos as ideias e como devem ser concebida. Maarten é o cérebro técnico e eu tento contribuir com a parte criativa.

O que inspira vocês?

M: Pode ser qualquer coisa, mas as coisas são na sua maioria muito pequenas. Pode ser uma coisa pequena que você vê ou algo estranho que está acontecendo. Tipo quando você está deitado no seu quarto e você está com as cortinas em uma determinada posição e passa um carro e algo estranho acontece, isso me inspira muito. Não se trata de inspiração que partem de coisas de alta tecnologia, a maioria é de baixa tecnologia são coisas fáceis. Coisas que são simples mas muito eficazes.

R: Quando eu estava estudando eu era sempre inspirado por imagens abstratas geradas por computador. Eu queria fazer isso do meu próprio jeito, sem o uso de computadores e tentar obter esses padrões abstratos e em grande escala. Pra mim isso é uma grande influência, eu amo imagens abstratas geradas por computador.

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão

Interview with E*Rock!

E*Rock’s interview is probably one of the most unusual so far. I talked to Eric after his gig at NOVA. The scenery? Rua Augusta, one of the famous underground streets in Sao Paulo known for its bars and red light houses – lets put it this way. We had a great chat sitting on the street while enjoying our caipirinhas. Cheers!

How would you define your music?

I usually try not to describe it because I don’t really even know where to go. A lot of stuff I was playing tonight is out of my last record but I feel like that record is a bit more moody, sci-fi electronic music… but for lives a try to pump it up a little and make it a little more dancing. I try to make it more social. I feel like the record is a bit antisocial. (laughs)

Antisocial in what way?

I recorded this album mostly in the winter, it was raining everyday and I was spending a lot of time by myself. Too much time alone and had my mind not going in the zone so… Portland is kind of a depressing place in the winter. I wanted to make this sort of like a cyber-punk record in a way, it sounds corny I guess but anyways… I wanted to make this cyber-punk record but it has so many elements. I used to do a lot of mellow music. I was djing a lot so I was kind of trying to bring a lot of these base elements into the music. I mostly just use a lot of old 70s synthesizers when I’m recording. For me a lot of electronic music is about composing on your own. And I guess part of this antisocial thing is not talking about it as well. (laughs) There are still some playful moments and stuff. The record has a big insert of sci-fi in it, there’s a short fiction piece in it. A friend of mine who’s a science fiction writer, he is like the sci-fi guy in the art scene, he did a piece for me and I was really excited about that. I just try to bring different elements in the production. I also did some painting when I was recording this album last winter when I was staying in LA. And this studio house I was painting in got burned down when I went on tour. So the record is kind of what’s left now. It’s cool. (laughs) I don’t care about the objects so much. I play in a lot of bands; I have different projects and a record label also… I kind of try to be systematic about where I want my music to go but in the end is always an abstract idea. You get your tools and you start playing around, kind of like painting. You pick your colors and you just keep moving things around until it starts to make sense. I don’t have a genre when I go in to production. It’s more like a feeling that I want to express something.

Would you say the cities you visit have an influence on your production?

Yeah. I really like to travel and there’s something my dad told me when I was younger, like ‘the best education is travelling and going to different places’. I didn’t know what he meant until I started doing it. My parents were always very supportive but they were also like ‘Whatever you do, don’t major in Arts’. And of course that’s all I ever wanted to do. It’s what I did. (laughs) My brother and sister ended up doing the same thing. But then everyone did really well and they’re very supportive. It’s cool. It’s a really nice lifestyle. I haven’t had a real job in years. (laughs) I do freelance design sometimes. I did animation for a long time and did music videos. I worked as a buyer in a record store for ten years. I did a lot of stuff so it’s hard for me to be really focused. That’s why NOVA really goes with my work. I’ve been really lucky and terribly blessed for having this lifestyle. (laughs) I have no complaints.

What came first, painting or music?

I guess the visuals came first. When I was in school I studied painting, printmaking, graphic design and 3D animation. I wasn’t really focused. I quit painting for a long time but then one of my friends that lives in Los Angeles, he’s a really good painter and he had a big influence on me, he was kind of the reason I stared painting again. We did some collaborative painting and he sold it a month later and we took all the money and bought a pile of blank t-shirts and started a t-shirt label. For me all this kind of stuff is connected in a way, is part of your process as an artist. For me is like having a band with him but we make t-shirts instead of music. It’s funny because all of these different elements lead you to a place that you never expect.  You start doing things and the next thing you know is you’re sitting in a street in Brazil, drinking a caipirinha and doing an interview! (laughs) For me it’s about the journey, the final product can vary in several ways.

You mentioned this collaboration with your friend in painting and the t-shirt label. Do you do collaboration in music as well?

Yes. I played in rock bands and noise bands. The band I moved to Portland with, they all moved back to NY and my side project became my main project in a way. For me the record label became kind of collaboration because I’ve been doing stuff solo for so long. I finally started playing in bands again. I have two active bands in Portland right now, one is all about synths; it’s a psychedelic synth project, it’s like three guys playing synthesizers. It’s awesome. And I have another band kind of more like a dance performance. I’ll leave it to that. I’m waiting for the videos to make out because they can explain a lot more than I could.

What about your creative process? How does that work?

Every project is kind of like a weird thing, you get obsessed with an idea or something, it could be a style, a music, what certain notes sound together or how instruments sound and in my mind I have this kind of thing ‘this synthesizer is like a palace made out of crystal’ and I try to figure out how to make a 40 minute version of this but it takes me for ever because I’m not really a musician. (laughs) But still, the real musicians I know, some of my friends, they kind of work in the same way as I do. They just keep working with whatever they are excited with. It’s a process where you experiment, then you take the best bits out of it and then you do a collage of it… To me everything is like a collage at this point, especially in this digital age. You can do collage with almost everything, video, audio, animation… the medium becomes so much secondary, you’re just playing with these ideas, sounds, colors, lights or whatever. But in the end it doesn’t matter; you realize it’s all about sharing ideas. It’s cool that all these ideas don’t really have to be an object in this digital age; you can share things so much easier. You have so much access to music just with your laptop on your table but I’d say that this digital thing going on is good and bad. I mean it gets so disposable at some point. There are some tracks that you don’t really even listen to, there’s no effort in it. I got to a point where I had three thousands CDs next to my bed and I was in my computer and I wanted to listen to this record and I would be like ‘I can go over there and find the CD I paid for, it will take me like 10-15 minutes or I can download it illegally for free and I’ll have it in like 35 seconds’. This is ridiculous! (laughs) I don’t know if this is the best thing ever or the worst thing ever!

Since you worked in a record shop, don’t you miss that feeling of taking a record out of the sleeve, the smell of it or just the fact that you had all that caution and love for the object itself?

I do, yes. And also the smell of that crappy incense they used to burn in the shop. Everyone knew the records they bought from our shop because they smelled like nag champa. The thing that I actually miss the most isn’t the act of taking a record and playing it, I still do this all the time but it’s me being in this community. When you work in a record shop and you have people coming in like ‘What’s new? What do I have to hear?’ and you would like ‘I’m really excited about this’ and if that wasn’t enough you would like ‘What have you been listening to?’ and according to the answer you would have to go and find kind of the next step of it. You know the steps and where you are going. And I met so many people at the shop that became long time friends. I really miss that. I miss the community aspect of the record store, that’s what I miss the most; the interaction with people. I like having conversations about music with people. I have a hard time connecting with the audience when playing solo. Jason (Jason Forrest) is like the wizard of that!

Are you concerned with what’s commercial or mainstream when putting your sets together?

No. Not really. I feel like I just have to create something interesting to bring people in and have them intrigued… maybe present something a little bit weirder than what they expect. Djing to me is like doing design work. You have to feed the crowd and figure out how to keep the fun through the night and try not to drop the ball and have people dancing all the time. You have to pay attention but I have a hard time doing that with my own music. I feel that when I do this I just end up compromising the performance, the audience feels the vibe. You just need to have a good time and people will get that.

What’s next for you?

I’m working on those two bands I mentioned, it’s something I’m really excited about. One is called $kull$ and is sort of the dance band I was telling you about. It’s basically me and two other friends: a good friend of mine, he’s a musician and a contemporary dancer. We’re trying to make something like ‘future-traditional-americana’, this is maybe the easiest way I can explain it. (laughs) And the other band I’m working on is called Regular Music and it’s about the synthesizers I mentioned earlier. It will be fun to be back home. We have a $kull$ show in a couple of days so…yeah.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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A entrevista com E*Rock foi provavelmente uma das mais diferentes e excêntricas até agora. Eu conversei com Eric depois da sua apresentação no NOVA. O cenário? Rua Augusta. Foi uma conversa delícia, sentados na calçada enquanto tomávamos umas caipirinhas, claro. Cheers!

Como você definiria a sua música?

Eu normalmente tento não definir, porque eu não sei mesmo pra onde estou indo. Um monte de música que toquei hoje é do meu último disco, mas eu sinto que esse disco é um pouco mais pra baixo, uma mistura de música eletrônica com sci-fi… mas eu tento dar uma animada e deixar o som mais dançante quando toco ao vivo . Eu tento deixar o som mais social. Eu sinto que o disco é um pouco anti-social. (risos)

Anti-social em que sentido?

Eu gravei esse álbum basicamente no inverno, chovia todos os dias e eu estava passando muito tempo sozinho. Muito tempo sozinho e conseguia focar muito da maneira que queria. Portland é um lugar meio deprimente no inverno. Eu queria fazer um disco tipo um cyber-punk, pode soar piegas, mas enfim… Eu queria fazer este disco cyber-punk, mas acabou tendo muitos elementos. Eu costumava fazer música mais suave antes. Eu gosto de usar principalmente um monte de sintetizadores antigos dos anos 70 quando estou produzindo. Para mim, música eletrônica é compor por conta própria. E eu acho que parte dessa coisa anti-social é não falar sobre isso também. (risos) Mas rola uns momentos mais lúdicos e com interação. O disco bastante som de ficção cientifica, tem uma “composição de ficção feita especialmente pra esse disco. Um amigo meu que é um escritor de ficção científica, ele é tipo o cara da ficção científica no cenário da arte, ele fez uma composição pra mim e me animei muito com essa pegada. Eu apenas tento trazer elementos diferentes pra minha produção. Eu também fiz algumas pinturas quando eu estava gravando o álbum no inverno passado em Los Angeles. E esse estúdio onde eu estava pintando pegou fogo quando eu saí em turnê. Então, acho que esse disco é uma espécie do que restou de todo esse processo. É legal. (risos) Eu não me importo tanto com objetos, coisas materiais. Eu toco em algumas bandas, tenho projetos diferentes e uma gravadora também… Eu meio que tento ser sistemático sobre onde quero chegar com a minha música, mas no final é sempre uma idéia abstrata. Você começa o processo com suas ferramentas e começa a brincar, como na pintura. Você escolhe suas cores e vai fazendo formas até que algo comece a fazer sentido. Eu não tenho um gênero específico quando eu começo a produzir. É mais como um sentimento que quero expressar.

Você diria que as cidades que visitou influenciam a sua produção?

Sim. Eu gosto muito de viajar e há algo que meu pai me disse quando eu era mais jovem, ele disse “A melhor educação que você pode ter é viajando, ir à lugares diferentes”. Eu não sabia o que ele queria dizer até que eu comecei viajar. Meus pais sempre me apoiaram, mas eles também diziam “Faça o que fizer, não se forme em Artes Plásticas”. E é claro isso se tornou tudo que eu sempre quis fazer. E foi o que eu fiz. (risos) Meu irmão e minha irmã acabaram fazendo a mesma coisa. Todo mundo se saiu muito bem e eles acabaram apoiando a gente. É legal. É um estilo de vida muito bom. Eu não tenho um trabalho de verdade há anos! (risos) Eu faço uns freelas de design, às vezes. Eu trabalhei com animação por muito tempo e fiz vídeos de música. Eu trabalhei como buyer em uma loja de discos por dez anos. Eu fiz um monte de coisas por isso é difícil eu ser focado em uma única coisa. É por isso que o NOVA encaixa perfeito com o meu trabalho. Eu tenho tido muita sorte e sou muito abençoado por ter esse estilo de vida. (risos) Não posso me queixar.

O que veio primeiro, a pintura ou música?

Eu acho que artes visuais vieram em primeiro lugar. Quando eu estava na faculdade, eu estudei pintura, gravura, design gráfico e animação 3D. Eu não era muito focado. Eu parei de pintar por um longo tempo até que um amigo meu que mora em Los Angeles, ele é um pintor muito bom, ele me influenciou a pintar de novo. A gente fez uma pintura em colaboração e ele vendeu a tela um mês depois, a gente pegou todo o dinheiro e comprou um monte de camisetas e começou uma marca de camisetas. Pra mim, está tudo ligado, é parte do seu processo como um artista. É como se eu tivesse uma banda com ele, mas a gente faz camisetas ao invés de música. É engraçado porque todos esses elementos diferentes levam a gente para um lugar que você nunca esperaria. Você começa a fazer coisas e de repente está sentado em uma rua no Brasil, tomando uma caipirinha e dando uma entrevista! (risos) Pra mim, o que vale é a jornada, o produto final pode variar muito.

Você mencionou a colaboração com seu amigo na pintura e na marca de camisetas. Você faz  colaboração na música também?

Sim. Eu toquei em bandas de rock e bandas de noise. A banda que me mudei junto para Portland voltou para NY e meu projeto paralelo se tornou o principal. Pra mim, a gravadora se tornou um tipo de colaboração, porque eu já estava fazendo coisas sozinho por muito tempo. Eu finalmente comecei a tocar em bandas de novo. Eu tenho duas bandas ativas em Portland agora, uma é sobre sintetizadores, é um projeto synth-psicodélico, são três caras tocando sintetizadores. É incrível. E eu tenho uma outra banda que é mais como uma performance de dança. Vou deixar assim. Estou esperando os vídeos ficarem prontos, acho que eles podem explicar melhor do que eu.

E o seu processo criativo? Como funciona?

Cada projeto é algo bem estranho, você fica obcecado com uma idéia ou algo assim, pode ser um estilo musical, uma música, como certas notas soam juntas ou como funciona o som de um instrumento e na minha mente eu tenho essa ideia “este sintetizador é como um palácio feito de cristal” e aí tento descobrir como fazer uma versão disso em 40 minutos, mas eu demoro muito porque eu não sou um músico de verdade. (risos) Mas mesmo assim, os músicos de verdade que conheço, alguns são meus amigos, eles trabalham da mesma maneira que eu. Eles ficam trabalhando enlouquecidos em cima de alguma coisa que estão entusiasmados. É um processo onde você experimenta, aí você pega as melhores partes e então faz uma colagem… Pra mim tudo é como uma colagem, especialmente nesta era digital. Você pode fazer colagem com quase tudo, vídeo, áudio, animação… o meio vira secundário, você está apenas brincando idéias, sons, cores, luzes ou qualquer outra coisa. Mas no final não importa, você percebe que é tudo sobre o compartilhamento de idéias. É muito legal o fato de que essas idéias não tenham que ser um objeto na era digital, você pode compartilhar as coisas muito mais fáceis. Você tem acesso à muita música apenas com o seu laptop na em cima da mesa, mas eu diria que essa coisa digital pode ser boa e ruim. Quero dizer, algum momento tudo fica um pouco descartável. Existem algumas faixas que você não escuta mesmo, não rola nenhum esforço. Eu já cheguei a ponto de ter três mil CDs ao lado da minha cama e eu estar trabalhando no meu computador quando tive vontade de ouvir tal disco e eu pensei “Eu posso ir lá e procurar o CD que eu paguei, isso vai levar de 10 a 15 minutos ou eu posso baixá-lo ilegalmente, grátis e isso vai levar tipo 35 segundos”. Isso é ridículo! (risos) Eu não sei se isso é a melhor ou a pior coisa do mundo digital!

E você que trabalhou em uma loja de discos não sente falta de pegar um disco na mão, tirar da capa, ter todo aquele cuidado e apego pelo objeto mesmo?

Sinto falta, sim. Sinto saudades até do cheiro de incenso barato que eles acendiam na loja. Todo mundo sabia quais discos compraram na nossa loja porque cheirava a nag champa. A coisa que mais sinto falta não é o ato de pegar o disco não mão e tocar, eu ainda faço isso o tempo todo, mas é pertencer à essa comunidade. Quando você trabalha em uma loja de discos, tem pessoas que entram na loja o tempo todo falando “O que chegou de novo? O que eu tenho de ouvir?” E você fala “Eu to curtindo muito isso” e se essa resposta não for suficiente, você manda “O que você tem escutado?” E de acordo com a resposta você tem que encontrar tipo o próximo passo do que o cara estava escutando. Você sabe os passos e onde vai chegar. E eu conheci muitas pessoas na loja que viraram amigos de longa data. Eu sinto muita falta disso. Sinto falta do aspecto de comunidade da loja de discos, é o que eu mais sinto falta; a interação com as pessoas. Eu gosto de conversar sobre música com as pessoas. Eu acho difícil me conectar com o público quando me apresento sozinho. O Jason (Jason Forrest) é tipo o mago disso!

Você se preocupa com o que é comercial ou mainstream quando monta seus sets?

Não. Não mesmo. Eu sinto que eu tenho que criar alguma coisa interessante para atrair as pessoas e intrigar o público… talvez eu apresente algo que seja um pouco mais estranho do que eles esperam. Ser DJ pra mim é como trabalhar com design. Você tem que alimentar a multidão e descobrir como manter a diversão durante toda a noite e tentar não deixar a bola cair e fazer a galera dançar o tempo todo. Você tem que prestar atenção, mas eu acho difícil fazer isso com a minha própria música. Eu sinto que quando eu faço isso eu acabo comprometendo o meu desempenho, o público sente a vibe. Você só precisa curtir e as pessoas vão sentir isso.

E o que vem por aí pra você?

Estou trabalhando nessas duas bandas que eu falei, estou muito animado. Uma delas chama $kull$ e é a banda de dança que eu estava falando.  Sou eu e outros dois amigos: um grande amigo meu, músico e uma dançarina contemporânea, basicamente. Estamos tentando fazer algo tipo “futuro-tradicional-americana”, essa é talvez a maneira mais fácil de explicar. (risos) E a outra banda que eu estou trabalhando no momento chama Regular Music e é a dos sintetizadores que mencionei antes. Vai ser divertido voltar pra casa. Temos um show da $kull$ dentro de alguns dias!

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão

NOVA @SESC Pompéia - three weeks later

Last week was a week of completion of works for the visual artists of NOVA at SESC. The duo Mulheres Barbadas finished their illustrations on the panel of the foyer and Mark Jenkins finalized his last week of workshops spreading around his great sculptures that felt very much integrated with the different environments of SESC.

The feeling of ‘we’re getting closer the end of the project’ almost hit us. I say almost because the audio-visual shows and the good music are still bursting.

Last week the German duo Optical Machines did a breathtaking performance! Rikkert Brok and Maarten Halmans, responsible for the project, made the theater tremble with their analog projector that generates stunning images and sounds mixed live. At the end of the presentation the duo answered questions from the public about the super “gadget” that they developed themselves. The Japanese Ryoichi Kurokawa left the audience awestruck with his presentation, an unworldly sensorial experience based on the synchronization of sound and image. In this same week, the choperia stage received  the 80s sound of Catscars, School Tour and the heavy but very dancing performance of the German Olaf Bender a.k.a. Byetone to the delight of electronic music lovers.

The last week of NOVA is still promising (a lot!) with shows that will burn down the house and a lot to celebrate! Not to be missed.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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A semana passada foi uma semana de finalização de trabalhos dos artistas visuais do NOVA lá no SESC. A dupla Mulheres Barbadas finalizou suas ilustrações no painel do foyer e Mark Jenkins encerrou a última semana de workshop, espalhando suas esculturas que se integraram com os diferentes ambientes do SESC.

A sensação de “estamos chegando ao fim do projeto” quase bateu, já que os shows audiovisuais e a boa música ainda estão rolando à todo vapor! Na semana passada se apresentaram no teatro do SESC, a dupla alemã Optical Machines com uma performance de tirar o fôlego. Rikkert Brok e Maarten Halmans, responsáveis pelo projeto, fizeram tremer o teatro com seu projetor analógico que gera imagens e sons arrebatadores mixados ao vivo. Ao final da apresentação a dupla ainda respondeu perguntas do público sobre a super “engenhoca” que eles mesmos desenvolveram. O japonês Ryoichi Kurokawa deixou o público boquiaberto com sua apresentação alucinante, uma experiência sensorial de outro mundo baseada na sincronização de som e imagem. Nessa mesma semana ainda, o palco da choperia recebeu o som com pegada anos 80 de Catscars e School Tour e o eletrônico pesado mas bem dançante do alemão Olaf Bender a.k.a. Byetone, para alegria dos amantes da música eletrônica.

A última semana do NOVA ainda promete (e muito!) com shows de arrepiar e muito para comemorar! Imperdível.

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão

Interview with Jason Forrest

Jason Forrest is a very pleasant guy and has no problem being interviewed. Very talkative and funny he spoke to so vast is art before he went on stage at NOVA. As he warned me, I did see a completely different man performing on stage that night. Donna Sumer’s force maybe? Whatever that is, we like them both, on and off stage. Thank you Jason.

How did you get involved with music in the first place?

It’s funny because people never ask me this question. I’ve been in a lot of interviews but it’s the first time someone asks me that. I was a visual artist at first. My degree is actually in Photography. When I was in art school I was really interested in music and I was involved in the university radio station. I was really into it but I had no musical talent. And there was this guy who also didn’t have any talent but he started producing this band and the guys were good but he would give them funny outfits and they made these weird films and project it over them and made these incredible posters! I still remember them vividly! This guy was a producer and he made ideas for the band as opposed to being the band. This had a really, really huge impact on me when I was a freshman at college. Six years after I graduated I was an artist and I was an art critic working for a newspaper and all that stuff. I had a friend that was also an artist, he taught in Atlanta and he said ‘We have this sound lab, come over and play around’. I went ‘Wow! Amazing! This sound is amazing! Is hurting my brain!” And he asked me if I wanted a software. I was like ‘What?’ and he gave me the software on a floppy disk and I just couldn’t believe it! It was basically the same thing as what I was saying before; I realized that I didn’t need the band. I realized that I was the band; that I had ideas that I could express with this tool in a computer. It took me a long time to make good music. I made shit music for a long time! It was really bad!

Basically your band is you and your computer. How does that work?

I’m not famous but I’m really widely well known. I can basically go anywhere in the world and have 50 people show up. Anywhere. I’m a non traditionally good-looking man and I have a very weird set of skills and if you kind of describe what I do; it sounds retarded, it sounds stupid but I’m amazing at it! I’m really good at it! It’s not an ego thing. I’m just really confident about it. And what I do is… well, just before I answer this question… I played in this music festival in Denmark maybe about a year ago and there was this woman there; a girlfriend of somebody and she was a contemporary dancer. After I played, she came up and she was like ‘You realize you’re pretty much a contemporary dancer too’ and I was like ‘You’re kind of right! I am kind of a dancer’. So with this background information, what I do is I internalize my music and I push that energy into the crowd. But what you’re really seeing is me jumping around behind a laptop. There was this guy once that said that the only other guy that can do that is Iggy Pop. Jesus Christ! That’s crazy! But then I actually saw Iggy Pop on the following weekend and I was like ‘in a way he’s right’. So that’s what I do. I have the ability to kind of channel music. And now I actually do think of it as a kind of dance performance in a way and it’s a very unlikely dance performance. It is not graceful. (laughs) It works somehow.

What has changed since you started your career?

I was completely ignorant at first, as you should be. I didn’t know anything, literally. What I did know was a lot about contemporary art. I was an art critic and was really, really dedicated as an artist and learning about not only craft but theories that were going on internationally. So when I started, it was kind of just like fun; I was an artist that made some music. And I started doing a little less art and a little more music. My whole goal was to release a 7” on a small Brooklyn label; I really thought that I would do that record and quit. I didn’t think I would be a musician. I thought I was going to be an artist. (laughs) Then that 7” was played on John Peel’s show and I realized that my side project had already surpassed my art career! By far! So I got really serious about it. I got better.

Can you tell me a bit about your alias ‘Donna Summer’?

I understand that Dona Summer just actually died today. I still don’t know anything about it. David (David Quiles Guilló – curator) just told me in the car! I have to say that I’m actually pretty shaken up about it. She knew who I was. Every Donna Summer blog has something about me on their blog, like ‘We don’t know why this guys named himself Dona Summer; it’s weird but is kind of OK’. She never sued me and I had many journalists that tried to put us together but I always said that it was OK and that I really didn’t want to talk to her but I had such a respect for her! I named myself Donna Summer as a tribute to the power of the music that she made. Ok. It all started when I was an artist and I was making a lot of stuff about appropriation and people were playing around with all these aliases like Wevie Stonder instead of Stevie Wonder and I thought it was just kind of lame. You should just be that person! And it’s always been a problem with electronic music and women; somehow women never fully embrace the creative aspect of it. Maybe it’s changing now… I hope it is… So I thought well, lets just kind of force it. So I thought ‘Well, OK if we’re not going to have a super strong black lady in electronic music; lets just fake it’. It was brilliant marketing! I thought it was just fun but then here I am eleven years later talking about it and I’m sure I’m going to have emails waiting for me to quote something about it.

How would you describe your sound?

It’s funny. My mom would always say like ‘He’s a techno DJ’ and I was always kind of like ‘I make kind of weird rock music’. That’s what I said for a long time and now I’m just ‘Yeah. I’m a techno DJ’. (laughs) And I think the reason why is: I just don’t care about it anymore! I just do this really weird thing and I can make normal music too. I’m skilled enough. I’ve done some productions for TV and other stuff. If you want me to do an electro track; I’ll do an electro track. If you want me to write a ballad; I can write a ballad. I’m just a musician and I make this weird prog-rock basically. I guess what I’m trying to say is: when you’re an artist you put all these labels on your work and then you try to fight away all these labels; and now I’m jus like ‘Yeah. I make electronic music and I jump around and it’s kind of rock samples and stuff’. (laughs) The terms just don’t mean anything anymore. That’s it.

How does your creative process start?

It’s been pretty multifaceted over the years. At some point I got very conceptual and I guess that the peak for that was this album called ‘Shamelessly Exciting’ back in 2005. There are two big records for me. The first one had a very lengthy title called ‘The Unrelenting Songs of the 1979 Post Disco Crash’. And the other one was called ‘Shamelessly Exciting’ and Shamelessly Exciting was more conceptual. I did a song called ‘My 36 Favorite Punk Rock Songs’ which I’ll play it tonight where I took my 36 favorite punk rock songs and I edited into one new punk rock song. I was really studying the structure and the semiotics of what it is to be punk song; what is a punk song. Well, it’s about two minutes long it has a certain kind of verse/chorus structure, certain kind of breaks, certain kind of like charging, certain kind of drum beats and I would go through it and just really analyze all these things. Sometimes I would replicate them, sometimes I would replicate it with different kind of sounds, like I would use disco sounds to make a punk song or use a disco song to make a prog rock song, something like that. Just playing around with music genres. And sometimes I would make whole constructions that you wouldn’t really know what it was. Again, it is something very multifaceted. I studied a lot of club music and dance music. Now I’m very, very busy in some non-related projects and now I just show up and do music for fun, it has to be as fast and as immediate as possible.

You mentioned quite a few musical movements. Disco, Punk, Rock… If you could live in another period of time, what would that be?

It’s funny because all of my work has been really marked by the 70s. I thought a lot about it because I was born in 1972, I’m 40 this year and I think that every generation pretty much obsesses about the time in which they were born. For example, kids that were born in the 90s are all about the 90s now. Same thing for the 80s. I think it’s because you kind of remember it in a hazy way where you don’t really remember things properly, something about your past. You remember seeing a TV, but it’s not so clear, a bit weird and scary but you kind of have interested n it. It pops up with generations. And I think my generation is always reminiscing about the 70s. But another thing about the 70s was the development, so many things happened at that time. I don’t really want to live there. I want to live now but all of my work has been marked by the past. If anything, I consider myself that is very much based in the present but constantly evaluating many different trends and ideas and beliefs throughout the media and recent media past.

What inspires you?

Everything. Helicopters! (a helicopter just flew by) I do a lot of stuff. I’m an extremely productive person actually. It’s very funny cause I’m in this very unique moment in my life where I’m really confident and I’m really happy with my life and my two year old boy and wife. Everyone tries to have his or her stamp on the world and I did it, even if in a small way. I’m in the books you know? I did all kinds of crazy shit. I’m talking to you in Brazil and that’s cool!

Do you think that music, art, fashion or whatever, becomes dated and comes back again?

It definitely does. It’s difficult to talk about what’s retro now because we’re inundated with so much information with the Internet and all! But the things that have real power are not diminished by trends. Now, the market place has a big impact on what a trend has to say but the actual power in itself it’s pretty much it’s own thing. And kind of the mark that I made is to say ‘Well, it’s all interesting’.

What’s next for you?

I started an online TV network called networkawesome.com. We made a real online TV network initially based on curating youtube, so we basically go through youtube and curate all types of different movies, documentaries, TV shows and collections of videos on subjects very range. Next week the subject is colors, everyday we have a different color: red day, yellow day… This past week we did a whole week on beliefs, a combination of movies and documentaries about religious movements and cults. We’ve done specials on French filmmakers, Japanese animators, Russian animators, musicians of all types… it’s basically media history. Which is so related to my music as well. It’s a rather large enterprise already, we have 161 people working on it internationally and we’re starting to produce original TV shows now as well. Take a look!

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Jason Forrest é um cara muito agradável e não tem nenhum problema em ser entrevistado. Muito falante e engraçado ele conversou com so vast is art antes de subir ao palco do NOVA. Como ele me avisou, eu realmente vi um homem totalmente diferente daquele que entrevistei se apresentar naquela noite. Força mágica de Donna Sumer, talvez? O que quer que seja, a gente gosta dos dois, dentro e fora do palco. Obrigada Jason.

Como você se envolveu com a música?

Engraçado, nunca me perguntam isso. Eu já fiz um monte de entrevistas, mas é a primeira vez que alguém me pergunta isso. Eu era um artista visual inicialmente. Meu diploma é em Fotografia, na verdade. Quando eu estava na faculdade de Arte, eu me interessei bastante por música e eu estava envolvido na rádio da universidade. Eu curtia muito, mas eu não tinha talento musical. E tinha um cara que também não tinha nenhum talento, mas estava a produzindo uma banda e os caras eram bons, mas ele dava umas roupas engraçadas pros caras e faziam uns filmes estranhos pra projetar nos shows. Eles faziam também uns cartazes incríveis! Eu ainda me lembro como se fosse ontem! Esse cara era um produtor e ele criava ideias para a banda em vez de ser a banda. Isso teve um impacto muito, muito grande em mim quando eu era calouro na faculdade. Seis anos depois que me formei eu era um artista e crítico de arte, eu trabalha para um jornal. Eu tinha um amigo que também era um artista, ele dava aula em Atlanta, e ele disse: “Nós temos um laboratório de som, vem conhecer e brincar com uns sons”. Eu fui e falei “Uau! Incrível! Esse som é incrível! Está machucando meu cérebro!”. E ele me deu um software para criar música em um disquete e eu simplesmente não podia acreditar! Era basicamente a mesma coisa que eu dizia antes, eu percebi que eu não precisava da banda. Eu percebi que eu era a banda, que eu tinha idéias e que eu poderia expressar com esta ferramenta em um computador. Levou muito tempo para eu fazer uma boa música. Eu fiz música ruim por muito tempo! Eu era muito ruim!

Sua banda é você e seu computador, basicamente. Como isso funciona?

Eu não sou famoso, mas eu sou muito conhecido. Eu posso ir à qualquer lugar do mundo e ter 50 pessoas para ver o show. Em qualquer lugar. Eu tradicionalmente não sou um homem muito bonito e eu tenho um conjunto de habilidades muito estranhas e se você for descrever o que eu faço, soa retardado, soa estúpido, mas eu sou incrível nisso! Eu sou realmente bom no que faço! Não é uma coisa do ego, mas eu acredito nisso. E o que eu faço é… bem, só uma coisa antes de eu responder a essa pergunta… Eu toquei num festival de música na Dinamarca, talvez há um ano atrás, e lá tinha essa mulher, namorada de alguém, e ela era uma bailarina contemporânea. Depois eu toquei, ela veio até mim e disse “Você percebe que você também é um dançarino contemporâneo” e eu respondi “Você está meio que certa! Eu sou uma espécie de dançarino”. Então, com esta informação, o que eu faço é: eu internalizo a minha música e empurro essa energia para a multidão. Mas o que você está realmente vendo é: eu pulando igual louco atrás de um laptop. Teve um cara que disse que o único cara que faz isso também é o Iggy Pop. Jesus Cristo! Que loucura! Mas eu vi o Iggy Pop na semana seguinte e de uma certa maneira ele estava certo. Então é isso que eu faço. Eu tenho a capacidade de ser um tipo de canal de música. E agora eu penso nisso como uma espécie de espetáculo de dança de certa forma e é um espetáculo de dança muito estranho. Não é nada gracioso. (risos) Mas funciona.


O que mudou desde que você começou a sua carreira?

Eu era completamente ignorante no início, como deve ser. Eu não sabia nada, literalmente. O que eu sabia muito era sobre arte contemporânea. Eu era um crítico de arte e fui muito, muito dedicado como artista para aprender não só sobre o fazer artístico mas como teorias que estavam acontecendo internacionalmente também. Então, quando eu comecei, era apenas uma espécie de diversão, eu era um artista que fazia algumas músicas. E eu comecei a fazer menos arte e mais música. Meu objetivo era lançar um EP em uma label pequena do Brooklyn, eu pensei que eu iria fazer esse EP e era isso. Eu não achei que eu seria um músico. Eu achava que ia ser um artista. (risos) Então, o EP foi tocado no show de John Peel e eu percebi que o meu projeto paralelo já havia ultrapassado a minha carreira artística! De longe! Então, eu comecei a levar a música a sério. Eu melhorei muito.

Você pode me dizer um pouco sobre seu apelido “Donna Summer”?

Eu ouvi que a Donna Summer acaba de falecer. Eu ainda não sei nada sobre isso. O David (David Quiles Guilló - curador) me disse no carro! Eu tenho que dizer que fiquei muito abalado. Ela sabia quem eu era. Cada blog da Donna Summer tem algo sobre mim, tipo “Nós não sabemos por que esse cara se auto-nomeou Donna Summer, é estranho, mas é OK”. Ela nunca me processou e eu teve muitos jornalistas que tentaram colocar a gente junto, mas eu sempre disse que tudo bem e que eu não queria falar com ela, mas eu tinha muito respeito por ela! O apelido Donna Summer foi como um tributo ao poder da música que ela fez… Na verdade, tudo começou quando eu era artista e eu estava fazendo um monte de coisas com relação à apropriação e as pessoas estavam a brincando com todos esses apelidos como Wevie Stonder, em vez de Stevie Wonder e eu pensei que isso era meio duvidoso. Você tem que apenas ser a tal pessoa! E sempre foi um problema com a música eletrônica e as mulheres, de alguma forma as mulheres nunca abraçam totalmente o aspecto criativo da música. Talvez isso esteja mudando agora… espero que sim… Então eu pensei bem e decidi forçar esse negócio mesmo. E conclui “OK, se não vamos ter uma senhora negra super forte na música eletrônica; eu vou fingir”. Foi uma jogada brilhante de marketing! Eu achava que era só diversão, mas aqui estou eu, onze anos depois falando sobre isso e tenho certeza que têm e-mails à minha espera para comentar algo sobre isso.

Como você descreveria o seu som?

É engraçado. Minha mãe sempre disse “Ele é DJ de Techno” e eu disse “Eu faço um tipo de rock estranho”. Isso é o que eu disse por muito tempo e agora eu digo apenas “É. Eu sou DJ de Techno”. (risos) E eu acho que a razão pela qual eu falo isso é: eu não ligo mais! Eu faço esse som muito estranho mas posso fazer música normal também. Eu sou qualificado o suficiente. Eu fiz algumas produções para TV e outras coisas mais. Se você quer que eu faça uma track de Electro, eu faço uma track de Electro. Se você quer que eu componha uma balada, eu posso compor uma balada. Eu sou apenas um músico e eu faço um prog-rock estranho, basicamente. Acho que o que estou tentando dizer é: quando você é um artista, você coloca todos esses rótulos no seu trabalho e, em seguida, tentar lutar contra todos rótulos, e agora estou digo apenas “Sim. Eu faço música eletrônica e é um tipo de mistura de amostras de rock e outras coisas; e eu pulo muito”. (risos) Os gêneros já não significam nada pra mim.


Como acontece o seu processo criativo?

Tem sido bem multifacetado ao longo dos anos. Em algum momento eu fui muito conceitual e eu acho que o pico foi no álbum chamado “Shamelessly Exciting” de 2005. Há dois álbuns importantes para mim. O primeiro tem um título muito longo chamado “The Unrelenting Songs of the 1979 Post Disco Crash”. E o outro é  “Shamelessly Exciting” e esse aí foi muito conceitual. Eu fiz uma track chamada “My 36 Favorite Punk Rock Songs”, que eu vou tocar hoje à noite, onde peguei minhas 36 músicas de punk rock favoritas e editei em uma nova canção. Eu estudei muito a estrutura e a semiótica do que é ser uma música punk; o que é uma canção punk. Tipo, tem cerca de dois minutos de duração, tem um certo tipo de verso/ refrão na sua estrutura, um certo tipo de pausa, um certo tipo de carga, certo tipo de batidas… eu analisei muito todas essas características. Às vezes, eu reproduzo igual, às vezes eu repito com diferentes tipos de sons, as vezes uso sons de disco para fazer uma canção punk ou uso uma música disco para fazer uma canção de prog-rock, ou algo assim. Eu apenas brinco com os gêneros musicais. E já cheguei a fazer construções inteiras que você não sabe mesmo do que se trata. De novo, é algo muito facetado. Eu estudei um monte de música. Agora eu estou muito, muito ocupado com alguns projetos não relacionados à música e agora eu simplesmente chego e faço música por diversão, tem que ser rápido e imediato.

Você mencionou alguns movimentos musicais. Disco, Punk, Rock… Se você pudesse viver em outro período de tempo, qual seria?

É engraçado porque todo o meu trabalho tem sido muito marcado pelos anos 70. Eu pensei muito sobre isso porque eu nasci em 1972, eu faço 40 este ano. Eu acho que cada geração fica obcecada com o período de tempo em que nasceu. Por exemplo, crianças que nasceram na década de 90 são todos sobre a década de 90 agora. Mesma coisa para os anos 80. Eu acho que é porque você lembra de uma forma muito nebulosa sobre algo de seu passado. Você se lembra de ver uma TV, mas não é muito claro, um pouco estranho e assustador, mas você meio que tem interessado nisso, nessa busca. E eu acho que a minha geração está sempre relembrando os anos 70. E os anos 70 foi um período de desenvolvimento, muitas coisas aconteceram naquela época. Eu não quero viver nesse tempo. Eu quero viver agora, mas todo o meu trabalho tem sido marcado pelo passado. Acima de qualquer coisa, eu me considero muito baseado no presente, mas constantemente avaliando diversas tendências , idéias diferentes e crenças do passado.

O que te inspira?

Tudo. Helicópteros! (um helicóptero sobrevoa a gente) Eu faço um monte de coisas. Eu sou uma pessoa extremamente produtiva. Eu estou num momento muito especial da minha vida onde eu sou muito confiante e estou muito feliz com a vida que tenho com meu filho de dois anos e minha mulher. Todo mundo tenta deixar uma marca no mundo e eu fiz isso, mesmo que de uma forma pequena. Eu estou nos livros, sabe? Eu fiz todos os tipos de coisa. E estou falando com você no Brasil e isso é muito legal!


Você acha que música, arte, moda ou outras formas de expressão, ficam datadas, saem de moda e voltam de novo?

Definitivamente. Mas é difícil falar sobre o que é retrô hoje, porque estamos inundados com tanta informação com a Internet e tudo o mais! Mas as coisas que têm um poder real não são apagadas por tendências. Agora, o mercado tem um grande impacto sobre tendências sim, mas a potência real de uma música ou arte nunca sai de moda. Esse é o tipo de marca que eu fiz.

O que vem por aí para você?

Eu comecei uma rede de TV on-line chamada networkawesome.com. Fizemos uma rede de TV on-line real baseada em curadoria do youtube, basicamente, curamos todos os tipos de filmes diferentes, documentários, programas de TV e coleções de vídeos sobre temas muito diversas que estão hospedados no youtube. Na próxima semana o assunto é cores, todos os dias temos uma cor diferente: dia vermelho, dia amarelo… Na semana passada fizemos uma semana inteira de crenças, uma combinação de filmes e documentários sobre movimentos religiosos e cultos. Fizemos especiais sobre cineastas franceses, animadores japoneses, animadores russos, músicos de todos os tipos… se trata basicamente da história da mídia. Que é bem relacionado com a minha música também. É uma empresa bastante grande já, temos 161 pessoas trabalhando internacionalmente e estamos começando a produzir um seriado também. Dê uma olhada!

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão

Interview with Patrick Kelleher and His Cold Dead Hands

 I spoke to Patrick Kelleher and Gerard Duffy, two of the five names behind the band Patrick Kelleher and His Cold Dead Hands just before they went on stage to play at NOVA. Lovely atmosphere! I felt like chatting with two good friends sitting on a sofa at home. Crackers anyone? Enjoy!

I would like to start with the name of the band. What’s the story behind it?

Patrick: I recorded an album, an EP a few years ago and it was just under my own name ‘Patrick Kelleher’. At that time I needed my friends to help me play my music live so I had to come up with a name for the band and we kind of tried different names. We wanted to sound like a 60s garage band… ‘Patrick Kelleher and his…’; ‘Patrick Kelleher and the…’. We used to change names every show. We were Patrick Kelleher and The Wet Dreams; Patrick Kelleher and The Sick Fucks; Patrick Kelleher and the Beauty School Drop Outs… And Cold Dead Hands came out of Charlton Heston, his kind of like a manly man, a masculine man and he would give speeches like ‘I’ll give you my gun when you take it from my cold, dead hands’ and we thought that was kind of a nice name the band! (laughs)

And so you decided to stick to this name because…

Patrick: It was so much hassle every show coming up with a different name…

Gerard: The record label said we had to stick to one name. The last name we did was The Sick Fucks but His Cold Dead hands was better…Yeah.

When creating your songs, do you start with the lyrics or tunes?

P: Usually the tunes. It depends. But yeah, usually I’m playing around with instruments, drums or keyboards and I come up with a little melody that I like or something like that and I just keep building it. Usually the vocals are the very last thing because my mind is not very fertile for lyrics. I come up with five songs in a year.

Do you have a current theme that goes on your lyrics or is it just random?

P: This album that we’re playing tonight has a lot to do with regression, in a sense that I’m trying to understand something that became a part, like a family that feels broken or something like that. That theme comes up a lot. I talk about heroes on the ground. The first album was more about the coming of age I guess. (laughs)

So what inspires you?

P: Anything.You never really know what’s going to inspire you. Other people’s music inspires me. I kind of steal some ideas from it. If you listen to my previous album you will know that I’ve been listening to Ariel Pink, John Mars, New Order, 80s music…

 Do you guys spend a lot of time in the studio?

P: Not really. I used to spend nearly all my time at my computer playing instruments and editing. All the members of the band are involved in separate projects. So we would record our own projects and then the other people would get involved when we need help to put something together.

G: Patrick himself recorded both albums at home. Mixed and produced by himself. It’s funny because when the name changed from Patrick Kelleher to Patrick Kelleher and His Cold Dead Hands everyone thought that there was a whole band with Patrick. But most of the things are made by Patrick himself, at home.

P: When we recorded the first album we had never played a show, ever. We didn’t know what it was like to do a show. So we started making shows and we’ve learned so much from it. When I was recording the second album I knew that eventually we would be on stage and that helped a lot.

G: Before we would use and bring to the show whatever there was in the house…

P: We would bring like plastic bags and small keyboards to gigs…anything really. (laughs)

G: It was hard to do lives because we had so much gear, cheap Cassio keyboards and cheap sampling keyboards from the 80s…Yeah.

P: When I record at home I still use toys for sampling, they’re sacred.

If you weren’t doing music, what would you do?

P: As a teenager I always wanted to be an actor. I tried for acting school like three times and I never got called back so… Maybe I’m not a good actor. (laughs)

G: That’s how I met Patrick. We went to the same school, I was doing a film course and Patrick was acting.

Do you have any rituals before going on stage?

P: It’s an anti-ritual actually. I try not to drink so much anymore.

G: Yeah. It’s good afterwards. We need that energy, that clarity for playing. We can’t really be mellowed out because the music we play is quite aggressive and dark, so we need that tension.

P: I think that part of the reason you’re drinking is because you’re nervous before the gig. Or maybe because we just drink a lot. (laughs)

G: We need that immediacy.

And speaking of nervous, are you guys nervous for this show?

P: A little because it’s a big room and we don’t usually play in venues with such great sound.

What’s playing on your iPod?

P: Molly Nillson. Gerard’s band – School Tour supported – her two weeks ago in Dublin.

G: She’s Swedish but she lives in Berlin. She’s kind of 80s, real simple but her lyrics are great!

P: And also Ann Steel, not Ann Steel from 79. She’s like a pop star and played at Glastonbury or something.

A memorable gig?

P: We went to Sarajevo last year. We went to Croatia, Bosnia and Serbia. We played in a cinema in Sarajevo, it was a big crowd and there were movies being projected behind us. It was a warm weather and people were very friendly. It was really nice. Really nice tour.

G: By far that was my favorite show! It was Catscars first, then me with School Tour and then finally Patrick. It was great! I just couldn’t stop smiling. It was just perfect. The audience was really great.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Eu conversei com o Patrick Kelleher e Gerard Duffy, dois dos cinco nomes por trás da banda Patrick Kelleher and His Cold Dead Hands pouco antes deles subirem ao palco para tocar no NOVA. Atmosfera deliciosa! Eu me senti conversando com dois bons amigos sentada num sofá de casa. Mais biscoito, alguém? Enjoy!

Eu gostaria de começar com o nome da banda. Qual é a história por trás do nome?

Patrick: Eu gravei um álbum, um EP, há alguns anos e foi apenas com meu próprio nome “Patrick Kelleher”. Naquela época eu precisava da ajuda dos meus amigos pra tocar a minha música ao vivo então eu tive que pensar em nomes de banda e tentei muitos nomes diferentes. Nós queríamos soar como uma banda de garagem dos anos 60… ‘Patrick Kelleher e seus…’ ou ‘Patrick Kelleher e os…’. A gente costumava trocar de nome a cada show. Já fomos Patrick Kelleher and The Wet Dreams; Patrick Kelleher and The Sick Fucks; Patrick Kelleher and the Beauty School Drop Outs… E His Cold Dead Hands saiu de Charlton Heston, ele é um homem viril, um bem homem masculino e ele dava discursos falando “I’ll give you my gun when you take it from my cold, dead hands” (eu vou te dar a minha arma quando você levá-la de minhas mãos frias e mortas) e a gente achou que era um nome legal pra banda! (risos)

E vocês decidiram manter o nome porque…

Patrick: Era tanto aborrecimento, cada show inventar um nome diferente…

Gerard: A gravadora disse que tínhamos usar um único nome. O último nome que usamos foi The Sick Fucks, mas His Cold Dead Hands era melhor…

Ao criar suas músicas, você começa com as letras ou melodias?

P: Geralmente com a melodia. Depende. Mas sim, normalmente eu fico brincando com os instrumentos, bateria e teclados e eu crio uma pequena melodia que eu gosto e eu continuo construindo. Normalmente, os vocais são a última coisa porque minha mente não é muito fértil para letras. Eu crio cinco músicas em por ano.

Você tem um tema em suas letras ou é aleatório?

P: Este álbum que estamos tocando hoje à noite tem muito a ver com regressão, no sentido de que eu estou tentando entender algo que se perdeu, como uma família que se sente dividida ou algo assim. Esse tema surge muito. Eu falo sobre heróis no chão. O primeiro álbum era mais sobre a vinda de idade, eu acho. (risos)

Então, o que te inspira?

P: Qualquer coisa. Você nunca sabe o que vai inspirar você. Música de outras pessoas me inspiram. Eu meio que roubo algumas ideias. Se você ouvir o meu álbum anterior, você vai ver que eu escutei Ariel Pink, John Mars, New Order, música dos anos 80…


Vocês passam muito tempo no estúdio?

P: Na verdade não. Eu costumava passar quase todo o meu tempo no computador  tocando instrumentos e editando. Todos os membros da banda estão envolvidos em projetos separados. Então, nós gravávamos nossos próprios projetos e nos juntamos quando precisamos fazer algo juntos.

G: O próprio Patrick gravou dois álbuns em casa. Mixado e produzido por ele mesmo. É engraçado porque quando o nome mudou de Patrick Kelleher para Patrick Kelleher and His Cold Dead Hands, todo mundo achou que tinha uma banda inteira com Patrick. Mas a maioria das coisas são feitas por Patrick sozinho, em casa.

P: Quando a gente gravou o primeiro álbum que nunca tínhamos feito um show, nunca. Nós não sabíamos o que era para fazer um show. Então começamos a fazer shows e aprendemos muito. Quando eu estava gravando o segundo álbum eu sabia que, eventualmente, estaríamos no palco e pude me preparar melhor.

G: Antes a gente se apropriava e levava para o show qualquer coisa que havia em casa…

P: A gente levava sacos plásticos cheios de tranqueiras para os shows! Qualquer coisa mesmo. (risos)

G: Foi difícil tocar ao vivo porque tínhamos muita tralha, teclados Cassio baratos e teclados de sampling baratos dos anos 80…

P: Quando eu gravo em casa, continuo usando brinquedos para sampling, eles são sagrados.

Se você não estivesse fazendo música, o que você faria?

P: Quando eu era adolescente eu sempre quis ser ator. Eu tentei atuar e fiz umas três audições mas eu nunca fui chamado… Talvez eu não seja um bom ator. (risos)

G: Foi assim que eu conheci o Patrick. A gente estudava na mesma escola, eu estava fazendo um curso de cinema e Patrick estava atuando.

Você tem algum ritual antes de subir no palco?

P: É um anti-ritual, na verdade. Eu tento não beber muito.

G: É. É bom beber depois. A gente precisa dessa energia, uma clareza para tocar. A gente não pode estar relaxado, porque a nossa música é bastante agressiva e obscura, por isso precisamos da tensão.

P: Eu acho que parte do motivo pelo qual você bebe antes de show é porque está nervoso. Ou talvez porque a gente beba muito mesmo. (risos)

G: A gente precisa desse imediatismo.

E por falar em nervoso, vocês estão nervosos para o show de hoje?

P: Um pouco, porque é um espaço grande e não estamos acostumados a tocar em locais com um som tão bom.

O que está tocando no seu iPod?

P: Molly Nillson. A banda do Gerard, School Tour, tocou pra ela duas semanas atrás, em Dublin.

G: Ela é sueca, mas mora em Berlim. Ela é tipo anos 80, bem simples, mas suas letras são ótimas!

P: E tem também Ann Steel. Não é a Ann Steel de 79. Ela é tipo uma pop star e tocou no Glastonbury acho.

Um show memorável?

P: Nós fomos para Sarajevo no ano passado. Fomos para a Croácia, Bósnia e Sérvia. Tocamos em um cinema em Sarajevo, era um público grande e rolou filmes que foram sendo projetadas atrás de nós. O clima estava agradável e as pessoas foram muito simpáticas. Foi muito bom. Uma das melhores mesmo.

G: De longe, esse foi o meu show preferido! Teve Catscars primeiro, depois fui eu com School Tour e, finalmente o Patrick. Foi ótimo! Eu não conseguia parar de sorrir. Foi simplesmente perfeito. O público foi muito bom.

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão

NOVA @SESC Pompéia - two weeks later

Two weeks have passed since NOVA is settled at SESC Pompéia and as expected, the space designed for the project has turned once again into shapes, colors and sounds.

The foyer of SESC was taken by the illustrations of the Brazilian artists Julio and Henrique a.k.a. Mulheres Barbadas and by the illusrations of the British girls Becky and Louise, a.k.a. Good Wives and Warriors. Each duo filled up the massive walls of the foyer with beautiful organic shapes that are breathtaking. The artists are always working live and interacting with the public and visitors that pass by. Mark Jenkins is still working non stop on his adesive tape sculptures and on his weekly workshops that by the way, are a huge success. Clemens Behr completed his installation at the external area of SESC close to the choperia (taproom), and as I always say, it must be seen live.

And speaking of choperia, the stage of SESC received three great shows last week that made the audience take their feet off the ground. On Thursday, May 17^th, E*Rock performed with his delightful electronic set; Patrick Kelleher and His Cold Dead Hands performed with visual projections by Sophie Gateau, and finally, Jason Forrest did a performance hard to put into words, simply amazing!

And that’s not it, last Sunday, May 20^th, we had the opening night of the NOVA in Belo Horizonte with performances by Jason Forrest, Akin and TRA, O.F.A.C., Christopher Scullion, Droid On, Shima and Breno Spangler, (pause for breath) Naomi Assumpção, Turcheti Felipe, Vicente Person and Arthur Miglio.

Time seems to fly by when following this great work in progress! If you haven’t been there yet, go! We still have two weeks left of festival, but unfortunately time flies by, very fast…

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Duas semanas se passaram desde que o NOVA se instalou no SESC Pompéia e como era de se esperar, o espaço ali destinado para o projeto se transformou mais uma vez em formas, cores e sons.

O foyer do SESC foi tomado pelas ilustrações dos brasileiros Julio e Henrique a.k.a. Mulheres Barbadas e pelas ilustrações das britânicas Becky and Louise, a.k.a. Good Wives and Warriors. Cada duo preencheu as paredes nada pequenas do foyer com lindas formas orgânicas de tirar o fôlego, sempre trabalhando ao vivo e interagindo com os espectadores e visitantes que passavam por ali. Mark Jenkins continua trabalhando full on nas suas esculturas de fita adesiva e nos workshops que ele está ministrando semanalmente, que diga-se de passagem, estão sendo um sucesso. Clemens Behr finalizou sua instalação na parte externa do SESC ao lado da choperia e, como eu sempre digo, tem que ver ao vivo.

E falando em choperia, o palco do SESC recebeu na semana passada três shows que fizeram o público tirar o pé do chão. Na quinta-feira, 17 de Maio, se apresentaram E*Rock com seu set  de eletrônico delicioso, Patrick Kelleher and His Cold Dead Hands com projeções visuais de Sophie Gateau, e finalmente, Jason Forrest com uma performance difícil de colocar em palavras, simplesmente fantástico!

E não parou por aí, domingo passado, 20 de Maio, tivemos a noite de abertura do NOVA em Belo Horizonte com apresentações de Jason Forrest, Akin e TRA, O.F.A.C.; Christopher Scullion, Droid On, Shima e Breno Spangler (pausa para respirar), Noemi Assumpção, Felipe Turcheti, Vicente Pessoa e Artur Miglio.

O tempo parece mesmo voar ao acompanhar esse grande work in progress! Se você ainda não foi, vá! Ainda temos duas semanas de festival, mas infelizmente passa rápido, muito rápido…

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão

Interview with the lovely Sophie Gateau

Sophie Gateau studied Architecture and History of Art for eight years in Paris and Berlin before concentrating in graphic design and films. This lovely and talented French girl talked so vast is art just before performing with Patrick Kelleher and His Cold Dead Hands at NOVA.

How did you first get involved with video making and filmmaking?

I studied architecture at university but at some point I realized that wasn’t really fun so I started to do motion graphics. I started as a motion graphic designer, as a graphic artist and then I was already in the film industry. I met some people, some gave me a chance to show my work and now I’m a film director.

So do you usually work in collaboration with music and other kind of arts?

Yes. I’m here to do the visuals for Patrick Kelleher and His Cold Dead Hands and I did two music videos for them, so this is kind of the follow up of the project.

I love the music video that was made in a kind of a cave…Miracle Candle…

Thank you. It’s funny because that place we did the video is actually their studio! Yes. I went to Dublin to shoot them in their studio, in that little cave, their basement.

When creating your pieces, do you have a system that you follow or is it intuitive?

It depends. I would say is more intuitive but sometimes I have visual ideas and I know it will work with this kind of music or another kind…but I always adapt to the music. And of course it’s always good to work with nice bands because they’re very open to creativity and that’s how I can do some cool music videos.

So I presume you don’t have a theme behind your work. It depends on the music?

I wouldn’t say there’s a theme but as a former motion graphic artist I still do a lot of VFX, so in my music videos I try to keep that. It’s all very graphic and the narrative is not so important to me. It’s more about the picture and how graphic it is. I’d say is more or less always about the graphics.

Do you have a favorite artist?

Here in NOVA my favorite artists would be Mulheres Barbadas. Lets say these are my favorite artists for today.

You’ve been in NOVA before. What do you think about the festival?

I think it is a really amazing festival. You meet people from all around the world and you see so many different things. Take me for example, I don’t usually do festivals but David (David Quiles Guilló – curator) is a great curator and he finds all these people and makes this thing happen. It’s a great show with new artists, new people, you meet great people…

Do you have any expectations for the show tonight?

It’s the first time I do visuals live for a band so I have quite a big expectation. (laughs)

Are you nervous?

Not so much. The technicians here at SESC are really good. I was more nervous because of the technical things but it’s all solved and now I’m prepped for my visuals; I’m not so nervous anymore.

What inspires you?

Everything. Working inspires me, specially here where you have graffiti and art everywhere! Going to the movies inspire me. Everything. Going to see art or people, meeting people, listening to music… Everything is a source of inspiration.

You travel a lot for your shows…

Yes, because I’m also doing some films at the moment… I work with Advertising and music videos and I usually travel just for the shootings. I’m going to Los Angeles afterwards.

So do you think that these cities you visit influence your work?

Yes, completely. Definitely. Here the architecture is crazy, is super inventive and influences me a lot!

What is your favorite thing about being a visual artist?

The creative part. Being able to travel, being able to meet new people, to change projects a lot and every day is different. Each day is never the same as the previous one.

What’s playing on your iPod?

What’s playing on my iPod? Patrick Kelleher! A lot! (laughs) Not only because I do their visuals but because their music is really good.

Text Juliana D Chohfi

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Sophie Gateau estudou arquitetura e história da arte por oito anos em Paris e Berlim antes de se concentrar em design gráfico e direção de filmes. Essa francesa querida e talentosa conversou com so vast is art pouco antes de se apresentar com Patrick Kelleher and His COld Dead Hands no NOVA.

Como você se envolveu com vídeo e cinema?

Eu estudei arquitetura na faculdade, mas em algum momento eu percebi que não era muito divertido, então eu comecei a fazer animação. Comecei como designer em animação, como uma artista gráfica e aí eu já estava na indústria cinematográfica. Eu conheci algumas pessoas, algumas me deram a chance de mostrar meu trabalho e agora sou diretora de filmes.

Você costuma trabalhar em colaboração com música e outros tipos de artes?

Sim. Eu estou aqui para fazer a projeção visual para Patrick Kelleher and His Cold Dead Hands. Eu fiz dois vídeos de música para eles, então hoje seria um tipo de follow up do projeto.

Eu amei o vídeo que foi feito em uma espécie de caverna… Miracle Candle.

Obrigada. É engraçado porque aquele lugar que fizemos o vídeo é o estúdio do Patrick Kelleher! Eu fui para Dublin para filmá-los em seu estúdio, isso que parece uma pequena caverna era o porão.

Ao criar seus filmes, você tem um processo pronto a seguir ou é algo intuitivo?

Depende. Eu diria que é mais intuitivo, mas às vezes eu tenho idéias visuais e sei que vai funcionar com um tipo de música ou outro… mas eu sempre acabo adaptando o filme à música. E é claro que é sempre bom trabalhar com bandas legais porque elas são mais abertas à criatividade e é assim que eu consigo fazer alguns vídeos de música bem bacanas.

Então, eu imagino que você não tenha um tema por trás de seu trabalho. Depende da música?

Eu não diria que há um tema, mas como um ex-artista de animação eu ainda uso um monte de VFX nos meus vídeos de música, eu tento manter isso. É tudo muito gráfico e a narrativa não é tão importante pra mim. É mais sobre a imagem e quanto gráfico é. Eu diria que é mais ou menos sempre gráfico.

Você tem um artista perferido?

Aqui no NOVA meus artistas favoritos seriam Mulheres Barbadas. Vamos dizer que estes são os meus artistas favoritos do dia.

Você já esteve no NOVA antes. O que você acha do festival?

Eu acho que é um festival incrível. Você conhece pessoas de todo o mundo e você vê tantas coisas diferentes. Eu, por exemplo, eu não costumo participar de festivais, mas o David (David Quiles Guilló - curador) é um grande curador e ele encontra todas essas pessoas e faz a coisa acontecer. É um grande show com artistas novos, pessoas novas, pessoas fantásticas…

Você tem alguma expectativa para o show desta noite?

É a primeira vez que eu vou fazer projeções visuais ao vivo para uma banda, por isso minha expectativa é bem alta. (risos)

Você está nervosa?

Nem tanto. Os técnicos aqui no SESC são muito bons. Eu estava mais nervosa por causa da parte técnica, mas está tudo resolvido e agora eu estou preparada para o meu show, eu não estou mais tão nervosa.

O que te inspira?

Tudo. Trabalhar me inspira! Especialmente aqui, onde você tem tanto graffiti e arte por toda parte! Ir ao cinema me inspira. Tudo. Ver arte ou pessoas me inspira, conhecer pessoas, ouvir música… Tudo é uma fonte de inspiração.

Você viaja muito à trabalho…

Sim. Eu também estou fazendo alguns outros filmes no momento… Eu trabalho com publicidade e vídeos de música e eu costumo viajar apenas para as filmagens. Estou indo para Los Angeles depois.

E você acha que essas cidades que você visita influenciam o seu trabalho?

Sim, completamente! Definitivamente. Aqui, a arquitetura é uma loucura, é super inventiva e me influencia muito!

Qual é a melhor parte de ser uma artista visual?

A parte criativa. Ser capaz de viajar, de conhecer novas pessoas, e alterar os projetos sempre. E cada dia é diferente. Cada dia nunca é o mesmo que o anterior.

O que está tocando no seu iPod?

O que está tocando no meu iPod? Patrick Kelleher! Muito! (risos) Não só porque eu faço as projeções visuais pra eles, mas porque a música é muito boa.

Texto Juliana D Chohfi

Namastê: interview with Gonjasufi

I was granted the chance to interview Gonjasufi and talked to Sumach, David and John just before they went on stage at NOVA. Sumach is a very straight up kind of guy and owner of a mesmerizing voice full of love and some sort of spiritual energy. Here’s so vast is art big up to Gonjasufi for sharing their thoughts and light with us. Enjoy!

What’s the story behind the name Gonjasufi?

Sumach: Duality. You know? Try to find balance within the self…We’ve got to different worlds and two different sides of the brain battling each other so…it’s like I say all the time: it’s dealing with two to get to one to get back to zero. Does that make sense?

Sort of. How is the name connected to this idea?

Sumach: Sufi is something very holistic, mystic and sacred. And so is the Gonja in a sense. It’s just kind of different sides; Sufi is kind of the invisible thing…I’m still trying to figure this out too. You tell me what it means. (smiles)

You were a Yoga teacher…

Sumach: Still am! I taught Monday!

So how did you get involved with music in the first place?

Sumach: You really want to know that question?

Do you really want to tell me?

Sumach: Well, it all started one day when my father was making love to my mother. I heard the bed shaking and there was this rhythm, this hitting… so I decided to join the crowd and manifest through that sound. So that sound was kind of the first thing and also my mom’s heartbeat has kind of been the BPM when I came to earth and it’s the same thing. I grew up in San Diego with this feeling to be heard, to be felt and to find an answer that wasn’t in a textbook or given to me by my father or my mother in sense, or the school system, you know? Just trying to find my own identity.

How do you define your music, your sound?

Sumach: I’ll leave that up to the listener. Straight up.

What inspires you?

Sumach: Life. My kids. My family. My friends. Going from visualizing, traveling the world and putting the records out. It’s actually doing it and seeing the people that are around me who have been part of this visualization and seeing them visualize the same, you know? What they want and me wanting to aid them in getting into that space…just kind of helping bring everyone else around me, helping bring them along with me. You know? And of course, pain, pain, pain, pain…no more pain pills, just music man!

Do you remember your first show? Were you nervous?

Sumach: I’m nervous right now man! My first show I was eight years old. It was an opera and I played Helios the Sun god. I was nervous but the response from the crowd made it worth it.

Do you have any expectations for the show tonight?

Sumach: No. I step into every show with no expectations. It’s a mistake I made in the past was to expect and take something from it. Now we just come up and give. I’m not expecting anybody to really understand what we’re doing. I expect for us to smash whether or not everyone gets it, it’s on them and it has nothing to do with me. Straight up.

How did you guys get together?

Sumach: I don’t’ know. How did we meet?

David: One of our friends aka Infinity Gauntlet introduced us in San Diego, he was like “This fool wants to meet you” and he was sitting outside some nightclub and I met him. I think we exchanged phone numbers and we were thinking like ten beats and he called me in the morning and eight were already recorded! I thought that was crazy! It was like ten years ago and we’ve been doing our thing since.

John: David introduced us. Me and David, we originally made music together long time ago. We have this group called Scrapes and we produce instrumental, noise beats, and all that stuff. I just met Gonjasufi through David.

What’s playing on your iPod?

Sumach: Iron Man! First album! Iron Man and The Eraser, yeah, Thom Yorke!

David: Broadcast, Autopsy, The 21 Grams and Erock.

John: It’s got Walter Rose, Scrapes and some old school stuff from Masters of the Universe.

Would you like to add anything to the interview?

Sumach: Yeah! Big up to 619, Masters of the Universe, Killowattz,The Knock… agdm, Scrapes, Gonjasufi, Delondeville, IMD, MRR, AGDM. Straight up. Psycopath, Infinity Gauntlet, 21 Grams, Dirty Drums, Javier, Gaslamp Killer, Old English, Crown Killers…What else? Peace to you. Listeners listen to us. Namastê.

Text Juliana D Chohfi

Photo Giselle Galvão

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Eu tive a oportunidade de entrevistar Gonjasufi e conversei com Sumach, David e John pouco antes deles subirem ao palco do NOVA. Sumach é aquele tipo de pessoa que respeita à tudo e todos e é dono de uma voz hipnotizante cheia de amor e de algum tipo de energia espiritual. Fica aqui o agradecimento do so vast is art ao Gonjasufi por compartilhar seus pensamentos e luz com a gente. Enjoy!

Qual é a história por trás do nome Gonjasufi?

Sumach: Dualidade. Você entende? Tentar encontrar o equilíbrio dentro de si mesmo… Nós temos dois mundos diferentes e dois lados diferentes do cérebro lutando entre si de alguma maneira… é como eu falo o tempo todo: estamos lidando com dois para chegar a um para voltar a zero. Faz sentido?

Mais ou menos. Como o nome está ligado a essa idéia?

Sumach: Sufi é algo muito holístico, místico e sagrado. E também é o Gonja de certa forma. São apenas lados diferentes de uma mesma coisa; Sufi é o tipo invisível… Não sei. Eu ainda estou tentando descobrir isso também. Você me diz o que significa. (abre um sorriso)

Você era professor de Yoga…

Sumach: Ainda sou! Eu dei aula segunda-feira.

Então, como você se envolveu com a música?

Sumach: Você quer mesmo saber essa pergunta?

Você quer mesmo me contar?

Sumach: Então, tudo começou um dia, quando meu pai estava fazendo amor com minha mãe. Eu ouvi a cama balançando e tinha esse ritmo, esse bater… então eu decidi me juntar à multidão e me manifestar através daquele som. Esse foi meu primeiro contato e tem também o batimento cardíaco da minha mãe que foi tipo o BPM quando eu cheguei à terra e é a mesma coisa. Eu cresci em San Diego com esse sentimento de ser ouvido, de ser sentido e encontrar uma resposta para o que não estava em um livro ou algo que me foi passado pelo meu pai ou minha mãe, ou o pelo sistema escolar, saca? Fui tentando encontrar a minha própria identidade.

Como você define sua música, seu som?

Sumach: Eu vou deixar isso para o ouvinte. Direto e reto.

O que te inspira?

Sumach: A vida. Meus filhos. Minha família. Meus amigos. Desde a visualização, a viajar pelo mundo e para colocar meus álbuns por aí a fora. É esse fazer e ver as pessoas que estão ao meu redor que fazem parte desta visualização visualizar o mesmo, saca? O que eles querem e o que eu quero é ajudá-los a estar nesse espaço também… é esse ajudar a trazer todos os outros ao meu redor junto comigo. Entende? E, claro, dor, dor, dor, dor… chega de remédio para dor, só música, cara!

Você se lembra de seu primeiro show? Você ficou nervoso?

Sumach: Eu estou nervoso agora, cara! Meu primeiro show eu tinha oito anos. Foi uma ópera e eu fiz o papel de Hélios, o deus do sol. Eu estava nervoso mas a resposta do público fez valer a pena.

Você tem alguma expectativa para o show desta noite?

Sumach: Não. Eu piso em todos os shows sem expectativas. É um erro que cometi no passado, esperar algo e tirar alguma coisa disso. Agora é só chegar e dar. Eu não estou esperando que ninguém vai realmente entender o que estamos fazendo. Espero que a gente quebre tudo mesmo que ninguém entenda, isso é com eles e não tem nada a ver comigo. Direto e reto.

Como vocês se conheceram?

Sumach: Eu não sei. Como a gente se conheceu?

David: Um dos nossos amigos aka Infinity Gauntlet nos apresentou em San Diego, ele falou algo do tipo “Esse tolo quer conhecer você” e ele estava sentado fora de alguma boate e foi aí que nos conhecemos. Eu acho que a gente trocou números de telefone e nós estávamos pensando em umas dez batidas e ele me ligou de manhã e oito já foram gravadas! Eu pensei que isso era uma loucura! Isso foi há dez anos e estamos fazendo o nosso desde então.

John: O David nos apresentou. Eu e o David, originalmente fazíamos música juntos há muito tempo. A gente tem esse grupo chamado Scrapes e nós produzimos músicas instrumentais com batidas e ruídos, um monte de coisa mais. Eu conheci Gonjasufi através do David.

O que está tocando no seu iPod?

Sumach: Iron Man! Primeiro álbum! Iron Man e The Eraser, é, Thom Yorke!

David: Broadcast, Autopsy, The 21 Grams e Erock.

John: Tem Walter Rose, Scrapes e algumas coisas old school de Masters of the Universe.

Você gostaria de acrescentar alguma coisa à entrevista?

Sumach: Sim! Nosso respeito ao 619, Masters of the Universe, Killowattz,The Knock… agdm, Scrapes, Gonjasufi, Delondeville, IMD, MRR, AGDM. Direto e reto. Psycopath, Infinity Gauntlet, 21 Grams, Dirty Drums, Javier, Gaslamp Killer, Old English, Crown Killers…Que mais? Paz à vocês. Ouvintes escutem a gente! Namastê.

Texto Juliana D Chohfi

Foto Giselle Galvão